Pop com Propósito – Christina Aguilera “Fall in Line” (feat. Demi Lovato)

Christina Aguilera prossegue com a divulgação das músicas que vão entrar no novo álbum, “Liberation“, e após a divisiva “Accelerate” e a incrível baladinha “Twice“, finalmente chegou o primeiro single real oficial – “Fall In Line“, um pop/R&B com vibe soul e key change, e a participação de Demi Lovato.

Co-composta pela própria Xtina, é uma faixa super relevante em tempos de #meToo e #timesUp, empoderadíssima e como estratégia de retorno à música após seis anos girando a cadeira do The Voice, trazer um featuring da nova geração é uma sacada incrível – aproxima-se da turma jovem e ainda tá falando de assuntos que fazem parte do zeitgeist. Mesmo assim, Xtina sempre tratou do assunto empoderamento feminino em suas músicas; então, não soa oportunista, e sim a voz de uma artista que conhece o que tá falando – e que viveu isso.

Saindo da parte clínica da indústria para os aspectos artísticos da canção…

yaaaaaaaaaaaas Christina! Que letra, que musicão. Anthem para uma era em que as mulheres cansaram de se calar e estão denunciando abusos, assédios e violências e lutando para melhores condições de trabalho, carreira e vida; e com a voz madura da Christina, não é mais uma jovem inquieta e sim uma mulher mais vivida aconselhando, seguindo junto e dando as mãos a outras mulheres para seguirem juntas, contra aqueles que desejam vê-las sem pensar ou agir por si próprias. Trazer a voz da Demi Lovato, que também tem um apelo forte de empoderamento, e que também tem coisa pra contar, ganha um sentido ainda maior de irmandade entre duas cantoras e duas mulheres fortes. Isso se reflete no encontro das vozes – não ficou uma guerra de egos: as duas dividem bem o dueto (mais que feat), beltam juntas e tem um estilo similar, dramático de cantar. As vozes se equivalem no refrão, e mesmo na tradicional gritaria, você consegue OUVIR as duas.

Aliás, que delícia ver duas vocalistas de gerações distintas se desafiando e se respeitando numa faixa. Até a gritaria clássica pós-key change é linda e eu tô muito empolgada com “Fall In Line” hahaha QUE REFRÃO FORTE, QUE MÚSICA COM ALMA, COR, RELEVÂNCIA MAS SEM SOAR PRETENSIOSO. Pop com propósito, é você?

A batida com a marcha ficou perfeita com a vibe soul da faixa, a guitarra discreta, a produção grandiosa mas sem ser excessiva, é o pop/R&B que esperamos da Christina e que tem tudo a ver com a Demi.

E sabe o que é mais legal entre as faixas ouvidas até agora do “Liberation”? Todas tem um tom, uma linha de raciocínio, uma unidade da produção. Apesar de serem produzidas e compostas por pessoas diferentes – e mesmo com a loucura dissonante de “Accelerate”, você consegue enxergar as três músicas dentro do CD. Difícil pensar que o álbum vai sair ruim…

Por fim, a música tem jeito de hit, e espero que seja divulgada até na barraquinha de cachorro quente da esquina. Musicão, um dos melhores do ano. Christina e Demi merecem!

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Dia Internacional da Mulher: Oito músicas para reforçar o poder feminino

Hoje não é exatamente um dia de “comemoração” – o 8 de Março é mais uma data importante, de luta, para lembrarmos sempre sobre o quanto “ser mulher” é luta pra sobreviver num país que mata mulheres diariamente, que violenta e agride mulheres desde a infância e que ainda paga menos, desvaloriza e as trata como apenas anexos.

Mas aqui no blog eu vou abrir um pouco de espaço para reforçar o poder da mulher – ela que é capaz de tudo e mais um pouco, que tem inúmeros papeis, que não tem medo de enfrentar os desafios e assumir seus sonhos, paixões, medos, alegrias e loucuras. E a melhor forma de fazer isso é por meio da música de mulheres incríveis com temáticas super caras a nós. Alguns clássicos, deep cuts que merecem sua atenção, sucessos pop recentes e um guilty pleasure que ninguém é de ferro.

“Woman”- Kesha Featuring The Dap-Kings Horns

Vale a pena começar com um dos hinos do incrível “Rainbow”, o renascimento da Kesha como artista e mulher – “Woman” é puro empoderamento, com direito a uma indireta bem direta pro inominável Dr. Lucifer com “‘Cause I write this shit, baby, I write this shit”, e de certa forma, uma indireta para toda a indústria, que sempre questiona se uma mulher realmente escreveu determinada música num álbum.

 

“I’m Every Woman” – Whitney Houston

Um clássico do R&B que tinha estourado numa vibe disco na voz de outra diva, Chaka Khan, ganhou ainda mais status de ícone na voz da Voz, Whitney Houston, que regravou para a trilha sonora de “O Guarda Costas”, em 1992. Reforçando a ideia de que essa mulher é tudo e todas as coisas, e consegue fazer o que quer sem esforço, tem um significado especial (e melancólico) quando pensamos que o vídeo oficial da faixa tem a Whitney grávida da Bobbi.

 

“Independent Women Part 1” – Destiny’s Child

Não é de hoje que Beyoncé fala do poder feminino em sua carreira. As Destiny’s Child já falavam de sororidade e independência  no final dos anos 90 e início dos anos 2000. Mas com certeza “Independent Women Part 1” é um dos clássicos mais instantâneos por ser parte da trilha do filme “As Panteras” (minha infância purinha) e ser um hino pra todas as mulheres que trabalham, se divertem e amam na mesma medida.

 

“Respect” – Aretha Franklin

Um clássico atemporal do empoderamento feminino, tem uma história curiosa – escrita e lançada originalmente por um homem, Otis Redding (de quem vou falar dia desses), foi regravada por Aretha, que ainda incluiu alguns versos e referências que refletissem o seu objetivo na música: exigir respeito do marido/namorado, não apenas como esposa, mas como parceira. Uma música que não envelhece nunca.

 

“Can’t Hold Us Down” – Christina Aguilera Feat. Lil Kim

Xtina sempre foi de falar o que pensava, mesmo que isso fosse um problema pra ela depois – e quando ela se juntou com Lil Kim pra criticar o double standard entre homens e mulheres (e jogar shade no Eminem), surgiu uma das faixas mais atemporais da Christina e dos anos 2000. Ainda estamos discutindo o tema de “Can’t Hold Us Down” – mostra de que nós mulheres ainda temos um longo caminho para sermos respeitadas em nossa sexualidade.

 

“Hey Girl” – Lady Gaga Featuring Florence Welch

Deep cut do “Joanne” que merecia ter sido single, essa faixa super anos 70 coloca Gaga e Florence (do Florence + The Machine) juntas numa cute song sobre irmandade feminina, que as mulheres não devem brigar entre si e sim se unir. Além da própria mensagem de união, é uma indireta sutil a toda uma indústria e mídia que adoram criar feuds femininos para vender álbuns e jornais.

“That’s My Girl” – Fifth Harmony

O último single das Quintas antes da saída da Camila Cabello, representa musicalmente a vibe que as meninas  apresentaram em entrevistas e no convívio com as jovens fãs do grupo – a amizade e apoio feminino para enfrentar os desafios da vida. Mesmo que a relação de fato entre as cinco não tenha sido perfeita do começo ao fim, ao menos elas entregaram ao fandom na música o discurso empoderado pelo qual ficaram conhecidas no começo da carreira.

 

“Man! I Feel Like a Woman” – Shania Twain

Encerrando em grande estilo o post, um clássico do country-pop da Shania Twain que até hoje coloca meio mundo pra dançar e várias garotas para se divertirem sem pensar no dia seguinte. Outra música que dominou minha infância (foi até tema de novela), é acompanhado por um clipe que é a versão invertida (com os gêneros trocados) de um vídeo do Robert Palmer, “Addicted to Love“. Uma ironia finíssima, btw.


Esse post foi para dar uma suavizada, refletida, um reforço novamente do poder da mulher neste 8 de Março. Mulheres que se divertem (e nos divertem), que gritam, que não tem medo de cara feia ou opiniões ultrapassadas, mulheres incríveis de ontem, hoje e todos os tempos, que juntei nessa listinha que com certeza devo ter esquecido outras artistas, mas fiquem à vontade nos comentários para listar outras artistas com músicas poderosas (e empoderadas) ou indicar as suas favoritas.

 

E para todas as mulheres: seguimos!

Como se reinventar (ou não) com dois lançamentos de setembro

Setembro para a música pop é aquele mês em que os A-lists ou artistas em ascensão lançam os singles de trabalho antes do fim do período de elegibilidade pra ver se emplacam alguma música para o Grammy 2018. Dois desses artistas que podem entrar no corte final são Kelly Clarkson e Sam Smith, que lançaram seus leads recentemente e encontraram desempenhos curiosos até agora nos charts.

Onde hoje se define o que é hit ou não – o Spotify – o britânico teve uma excelente estreia, e no chart semanal do serviço de streaming, “Too Good at Goodbyes” está em segundo lugar. Nada mal para um artista cujo último single lançado foi a trilha sonora de um filme em 2015 (sim, é um filme do James Bond, mas é OST). Já “Love So Soft” da KC estreiou lá embaixo, quase no final do top 200 do Spotify. Nas rádios, no entanto, o desempenho da Kelly é muito bom, especialmente nas rádios adultas, assim como o próprio Sam. Já no iTunes, Kelly está no top 50, já com o (ótimo) clipe lançado; enquanto Sam Smith está ainda no top 10, em franca queda – mas não se esqueça de que ainda tem clipe pra lançar.

A partir dessas primeiras reações das duas faixas, é hora de entender como as músicas que comandam o comeback dos dois artistas podem oferecer insights sobre a era de cada um deles – assim como óbvias resenhas sobre a reinvenção (ou não) com um grande retorno à cena.

Reinventar-se usando suas influências

Quem acompanha desde sempre a carreira da Kelly Clarkson sabe que ela sempre teve como influências as grandes cantoras do R&B/soul, as grandes vozes como Aretha, Mariah e Whitney. Apesar de uma carreira extremamente bem sucedida fazendo aquele pop/rock gostoso a cara da minha adolescência nos famigerados anos 2000, a voz da moça sempre foi extremamente versátil – passando do pop, rock, country e agora esse retro-soul gostosíssimo de “Love So Soft”, lead single do “Meaning of Life”, novo álbum agora na gravadora Atlantic Records (adeus RCA).

O som é identificadíssimo com sua voz potente, é upbeat, fun, super KC – no caso, a sassy Kelly de “Walkaway” – e tem ainda um curioso break no refrão. Consegue ser moderna mesmo bebendo de fontes mais retrô, e tem uma óbvia maturidade que garante o estrago nas rádios adultas. O que é evidente, já que desde a aproximação da Kelly com o country, e a sonoridade mais pop do “Piece By Piece”, ela já vem indicando que vai se aproximar cada vez mais de um pop mais adulto, para um público maduro. E ela não tá errada, nem um pouco. É esse público que comprará seus álbuns, irá às suas turnês; e Kelly fica livre das pressões de gravadora e da mídia por hits e sucessos instantâneos. Tem carreira consolidada e Grammys.

O mais legal é que a Kelly conseguiu isso sem perder a identidade, trazendo um som novo pro repertório dela, mas que faz parte das suas influências. (e um certo award já deve estar de olho nela, cuidado)

Reinvenção é o quê? É de comer?

O segundo álbum é um desafio para qualquer artista, especialmente para quem vem de uma era bem sucedida e premiada. Você pode se superar e fazer coisas ótimas (“21”, “Futuresex/Lovesounds”, “The Fame Monster”, “Fearless”), pode cagar sua carreira inteirinha (“Thank You”, tô falando com você) ou pode ser o Michael Jackson mesmo. No caso do Sam Smith, ele optou pela safe choice de uma versão levemente mais up que o seu maior sucesso (“Stay With Me”) com o lead single do novo álbum, “Too Good At Goodbyes”.

Aqui, continuamos ouvindo o mesmo pop soul com coral gospel, e apesar do vocal melancólico do Sam continuar o mesmo. A diferença é que o arranjo é só um pouquinho (inho) mais animado e a letra tem um cinismo delicioso, versos super relatable – além do pré-refrão e refrão bem grudentos. Mas de resto, achei bem decepcionante. Não era isso que eu esperava do trabalho novo de um Grammy e Oscar winner. Porque dá pra se reinventar mantendo seu estilo, mas isso não significa que você siga a mesma cartinha de seu álbum anterior. Soa preguiçoso e calcado essencialmente em jogar no seguro.

Apesar disso, o negócio é que a faixa do Sam tem potencial para fazer mais do que o desempenho atual. O clipe ainda não foi lançado e ainda tem a divulgação massiva (a Kelly, por exemplo, já se apresentou no Today Show), e a faixa se mantém apesar dos pesares no top 10 do iTunes. O que me surpreende mesmo foi a boa estreia no Spotify: a faixa passa longe dos hits virais do serviço (mais urban e rap) e tem forte apelo adulto (por isso o sucesso nas rádios AC). Talvez o fato da música ter sido lançada com um clipe exclusivo para o Spotify tenha ajudado; ou o público comprou a música especialmente porque é uma midtempo lançada quase no Outono americano, e tradicionalmente o que bomba são faixas mais lentinhas. O que eu sei é que – se o Sam conseguir emplacar mesmo no Spotify, terá fácil o selo de hit. (e pode garantir lugar NAQUELA premiação do ano que vem)


E aí, qual destas foi o seu lançamento favorito? Deixe suas considerações nos comentários! 😉

Um pouco mais de Charlie Puth no EP “Some Type of Love”

Sabe aquele rapazinho que canta o refrão de “See You Again”, o novo monster hit que destronou a “Uptown Funk season” e agora parece imparável em mais uma semana em #1? Pois é, o cantor e compositor Charlie Puth – que já pode colocar no seu currículo um dos primeiros lugares mais importantes de 2015 (porque é apenas a terceira música que chegou à primeira posição na Billboard Hot 100 este ano) – lançou no dia primeiro seu primeiro EP, “Some Type Of Love”, com quatro músicas que dão uma dica do som do rapaz e do que ele pode aprontar com um álbum completo.

Cover EP Charlie Puth Some Type of Love

Antes de falar das músicas em si, para quem acha que o Charlie caiu de paraquedas na música em 2015, ele foi revelado após gravar covers no Youtube e ser contratado em 2011 pela gravadora da Ellen Degeneres, a eleveneleven. No entanto, ele saiu do selo e assinou com a Atlantic Records, logo depois começando a compor para alguns artistas do meio R&B/urban, como Trey Songz, Lil Wayne e Jason Derulo. Algum tempo depois, durante a produção da trilha sonora do sétimo filme da franquia Velozes e Furiosos, Charlie foi chamado para compor uma música que seria como tributo a Paul Walker, um dos protagonistas da cinessérie. Inspirado no falecimento abrupto de um amigo, o cantor escreveu a música juntamente com o DJ Frank E, mas não esperava um retorno sobre se a faixa seria escolhida para o filme. O que houve depois podemos creditar ao destino – ou ao talento, já que a Universal (estúdio que produz a franquia), gostou do material e entregou para Wiz Khalifa fazer os versos.

Charlie não acreditava que a voz dele ficaria na versão final da música, mas a questão é que o estúdio gostou dele e “See You Again” foi gravado com os vocais do novato. O resto é #1 na Billboard e recordes pelo mundo.

Mas a verdade é que Charlie não é apenas “See You Again” – e sim um EP com quatro músicas com muito soul, Motown old school e boas inspirações, além de um featuring carismático e uma expectativa bem bacana sobre o que esse rapaz de 23 anos (que parece ter 16) pode aprontar para o resto de 2015.

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A segunda invasão das soundtracks

A trilha sonora de um filme é uma série de músicas que acompanham o desenrolar da produção. São músicas instrumentais, criadas para dar o toque de tensão, romance, mistério e adrenalina nas cenas (as trilhas do John Williams para os filmes do Spielberg; o trabalho de Bernard Hermann com Hitchcock, Hans Zimmer com as trilhas do Batman do Nolan, Bill Conti quase uma instituição dos filmes do Rocky, e por aí vai); ou são as canções que os personagens interpretam nos musicais (insira aqui todos os musicais que você tenha visto na vida, desde “My Fair Lady” até “High School Musical”); sem contar algum filme cheio de músicas pop que acompanham a vida dos personagens, incluindo uma ou duas músicas-tema que serão lançados como single para alavancar a ida dos espectadores ao cinema (eu poderia citar inúmeros nomes, mas o mais recente é, evidentemente, “See You Again” de Velozes e Furiosos 7).

Em resumo: as trilhas de filmes convivem conosco desde antes mesmo do filme ser falado, mas em alguns momentos específicos da história do cinema, lançar uma música que fizesse parte de um filme era sinônimo de sucesso. E quanto mais pop, melhor. Não falo de faixas icônicas como “Raindrops Keep Falling on my Head” ou “Theme From Shaft”, nem mesmo das músicas de abertura dos filme do James Bond. Estou dizendo do boom de músicas com forte acento pop que estouraram nos anos 80, que chegaram ao #1 lugar nas paradas e conseguiram até mesmo Oscar, acompanhadas por filmes que, se não eram o supra-sumo da qualidade artística, alguns deles foram recordes de bilheteria, enquanto outros acabaram ficando em segundo plano em relação às músicas que acompanhavam a película.

É só ver as músicas indicadas à estatueta dourada naquela época e adivinhar quantas delas você conhece:

indicados oscar 80s
Eu garanto uma coisa: que “A Força do Destino” (“An Oficer and a Gentleman”) e “A Dama de Vermelho” (“The Woman in Red”) não devem estar na sua lista de filmes já vistos.

 

Giorgio Moroder REI o resto nem sei
Giorgio Moroder REI o resto nem sei

Pois é, jogue pelo menos “Take My Breath Away” no Youtube e momentos da sua infância com Tom Cruise voando num caça e paquerando a Kelly McGillis ecoarão em sua mente. E ainda tem mais: desde “Fame” até “Take My Breath Away”, os vencedores do Oscar chegaram à primeira posição na Billboard Hot 100. Ou seja, são hits massivos e clássicos, que até hoje estão na boca do povo (se bem que os fãs de “A Pequena Sereia” devem lembrar de “Under The Sea” 😉

Nos anos 90, a dominação dos vencedores do Oscar foi com as trilhas sonoras da Disney – e “A Pequena Sereia”, como o filme que proporcionou o ressurgimento do estúdio após uma década de flops, acabou abrindo espaço para vitórias de outras trilhas sonoras históricas, como “Beauty and The Beast” (por “A Bela e a Fera”), “A Whole New World” (de “Aladdin”), “Can You Feel the Love Tonight” (de “O Rei Leão”), “Colors of the Wind” (vencedor por “Pocahontas”) e “You’ll Be in My Heart” (música de “Tarzan”). É só ler o nome que a memória volta à infância. Mas apesar de clássicas e icônicas, não são exatamente músicas pop.

A partir da década de 2000, apesar da variedade de músicas vencedoras (dois dos ganhadores são do gênero rap), a maioria dos vencedores perdeu o acento super pop que as vencedoras dos anos 80 tinham. Mas durante o final da década, com a chegada das franquias adolescentes desejosas em repetir o sucesso de bilheteria de “Harry Potter”, um novo combo surgiu: lança o filme + lança o CD da trilha sonora que geralmente é melhor que o próprio filme – lembrando que algumas músicas de franquias foram lançadas na esteira dos filmes, mas não com o estouro provocado por essa tendência, que podemos creditar a “Crepúsculo”.

A partir de “Crepúsculo”, em maior ou menor grau, as franquias se esforçaram em trazer músicas que vendessem – e ajudassem na bilheteria dos filmes. Isso se tornou sinônimo de “prêmio” com o efeito “Let It Go”, quando a Disney voltou à cena das soundtracks e com “Happy”, os artistas pop voltaram ao centro das trilhas sonoras, trazendo de volta o acento pop e as trilhas sonoras com pesos pesados, chegando ao ápice com “See You Again”.

E de “Crepúsculo” até “Velozes e Furiosos 7”, houve um longo caminho…

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As linhas borradas dos samples

Se tem uma coisa que é mais comum que feuds na música pop é o uso dos samples. O sampling é o ato de usar uma parte de uma música (normalmente o instrumental) e utilizá-la para fazer outra música. Claro que dando os devidos créditos ao cantor/compositor original.

Normalmente, a gente encontra os samples no hip hop, mas algumas músicas pop famosas já se utilizaram desse recurso na construção de suas canções, tanto que muitas vezes, você acaba ouvindo uma música e percebendo que já a ouviu em algum lugar. Ou então achando que artista x plagiou alguma canção desconhecida e ninguém informou isso até agora.

Foi o que aconteceu comigo quando ouvi “Blurred Lines” do Robin Thicke pela primeira vez: eu achei que tinha sample de “Got To Give It Up”, do Marvin Gaye, e fiquei realmente surpresa quando soube que a composição não incluía os créditos do Gaye – ou seja, era apenas uma música parecida. Quando a família do Marvin colocou Pharrell e Thicke na justiça, tentando provar que a música era plágio, não me senti enganada – as duas músicas eram parecidas. Por isso, quando você sentir que “já ouviu aquela música antes” e achar que alguém está sampleando/plagiando um artista anterior, não tenha medo em procurar saber (ou desconfiar) sobre a canção.

E como a decisão já foi tomada nos EUA – declarando que “Blurred Lines” realmente tinha plagiado “Got to Give it Up” e que tanto Robin Thicke quanto Pharrell devem pagar uma soma milionária à família de Gaye, achei interessante fazer um post aqui sobre melodias e batidas emprestadas de forma honesta dos artistas originais – os samples. No caso, samples curiosos e não tão conhecidos de músicas que vocês amam, odeiam ou amam odiar (ou odeiam amar, tudo vale).

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Ficar parado é a última coisa que Mark Ronson e Bruno Mars fazem no vídeo de”Uptown Funk”

Mark Ronson and Bruno Mars Uptown Funk video

Num mundo essencialmente pop, sempre bom tem um pouco de groove pra contrabalançar, não é? E é isso que o produtor britânico Mark Ronson (o homem por trás do icônico “Back To Black” da eterna Amy Winehouse, além de ter trabalhado com nomes como Lily Allen, Robbie Williams e Christina Aguilera) está apresentando no primeiro single de seu novo álbum “Uptown Special” (para quem não sabe, ele tem três álbuns lançados), o funk-soul nervosíssimo e cheio de ginga “Uptown Funk”, com participação especial de outro parceiro musical, Bruno Mars.

Para quem não sabe, os dois trabalharam juntos na produção do segundo álbum do havaiano, “Unorthodox Jukebox” (que levou o Grammy de Melhor Álbum Pop em 2014) – aquele álbum espetacular que mesclou os anos 70 e 80 melhor que muito cd inspirado nos anos 80 por aí – e como a química bateu, Bruno tem créditos de participação em outra faixa do álbum de Ronson, que está previsto para ser lançado em 2015. Mas primeiro, vamos começar com esse petardo incrível que é “Uptown Funk” – uma música completamente diferente do que tá rolando por aí, mas com uma capacidade radio-friendly incrível, graças à qualidade da faixa e a voz moldada para o grande público que é a do Bruno Mars, mas com um pouco mais de agressividade e força que viriam bem também à sua pequena discografia.

O novo álbum de Mark Ronson também conta com participações de Kevin Parker do Tame Impala, Andrew Wyatt, e do produtor Emile Haynie, além de outros nomes. E pode-se esperar uma abordagem bem setentista e cheia de ritmo no CD, assim como o lead single “Uptown Funk”, que muitos críticos dizem ter influência de Prince, outros de Michael Jackson, e eu vejo um pouco de James Brown, principalmente na parte final da música.

E com a música já estourada nos charts (subindo velozmente nas rádios, em primeiro lugar no Chart Viral do Spotify e em vigésimo-segundo no iTunes), é claro que a nova dupla dinâmica da música ia lançar o clipe do single, que segue na mesma vibe da música. Um clipe cool e descolado, com muitas cores, dancinhas charmosas do Bruno e os Hooligans (além da participação bem cool do Mark Ronson balançando a cabeça) e um dos momentos mais bizarramente divertidos do mês: uma sequência de Bruno e Mark num cabeleireiro, com bobs na cabeça, cruzando as pernas e – claro – balançando a cabeça ao som do ritmo impecável de “Uptown Funk”.

Eu ouvi hit? Eu ouvi viral? Confira o elétrico vídeo!