O estado do pop em junho

O verão americano – ou a sua proximidade – é sempre uma época muito interessante porque boa parte dos grandes lançamentos dos artistas pop (essencialmente, os artistas que interessam) ocorre justamente nesse período (exemplo: Katy Perry, em seu auge de popularidade, lançando seus álbuns entre Junho e Agosto, sempre considerando que seus singles eram lançados dois, três meses antes, como um preparatório para o verão). Isso ocorre até mesmo em um período de pandemia, em especial na situação dos Estados Unidos, que se encontra num status mais transitório do que o nosso – eles estão com várias opções de vacina, 45% da população totalmente vacinada, casos e mortes atualmente em queda (vocês podem fazer comparativos aqui), e a gente… Enfim, se vocês passaram um dia acompanhando a CPI podem entender por que a gente não teve pelo menos São João esse ano: vacina atrasada porque não compramos imunizantes em tempo hábil e com antecedência, boa parte da população cujo trabalho pode ser remoto ainda está em casa; e situação social, política e econômica em completa instabilidade.

Por isso, os lançamentos geralmente têm um objetivo: serem músicas para o verão, renderem mais streams e bombarem nas boates que estão reabrindo. Essas músicas definitivamente vão ser as trilhas sonoras para o resto do ano.

O mais interessante desse mês de junho é que alguns lançamentos ocorreram justamente num mesmo dia, 11 de junho, sendo que outros dois bastante relevantes ocorreram por agora na sexta-feira, 25/06. Esse novo material tem vários estilos, mas colocam seus artistas em posições bem distintas na indústria.

Lorde, “Solar Power”

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Em primeiro lugar, não tem como não destacar o retorno de Lorde com a música “Solar Power”, do álbum de mesmo nome que será lançado em agosto. É uma música pop com um certo groove (dentro das limitações do groove que você está pensando), que me lembra muito “Freedom” do George Michael, mas numa versão sem sal. Apesar da linha de renascimento, recomeço e positividade da música, uma coisa meio “paz e amor”, que eu particularmente detestei.

Talvez porque eu esteja num país em que eu não tô no clima pra positividade, ou porque um dos aspectos que mais me atraiu na música de Lorde quando ela surgiu em 2013 era o fator de identificação. Apesar de, quando ela estourou, eu tinha alguns anos a mais que ela, as músicas tinham um posicionamento que me intrigava de maneira positiva. Ela era uma figura meio que outsider de Hollywood, também geograficamente falando, que tinha uma vida bastante comum como a de qualquer outra pessoa, fosse adolescente ou um jovem adulto, que eu, com 23 anos, terminando a faculdade, começando um emprego novo, pegando busão pro outro lado da cidade por conta do trabalho, dizia a mim mesma – gente, isso faz muito sentido.

Tanto que eu dei o “Pure Heroine” de aniversário para uma amiga minha, que eu sabia que se identificaria de maneira quase espiritual com aquele livro – e ela regulava em idade comigo.

Quando ela lançou “Melodrama”, em 2017, eu até comentei com vocês o quanto o álbum realmente era muito bom, muito bem feito, mas eu não ouviria depois porque ouvir Lorde parte do sentido de identificação. Eu não me senti identificada com as histórias, mas considerei inegável que ela melhorou muito como tanto como compositora quanto como intérprete.

Em “Solar Power”, ela continua sendo uma boa intérprete, fazendo com maestria elementos que hoje as artistas mais novas tentam imprimir, mas quando se ouve Lorde, você sabe quem realmente é a melhor no seu grupo – o motivo não é apenas por sua habilidade como compositora, mas também porque ela cresceu e entende suas forças e fraquezas como cantora. No entanto, a minha crítica maior em relação a essa música é porque, para um grande retorno, para um artista que já trouxe coisas muito boas, eu achei um pouco… Eu particularmente não achei a letra tão intrigante quanto Lorde pode trazer. Ainda há elementos de seu humor sarcástico, mas… Eu esperava mais, acho realmente que Lorde escreveu coisas melhores.

Mas, eu não duvido nada de que “Solar Power” tem espaço guardado entre os indicados ao Grammy. Pop Solo tá aí; afinal de contas, o Grammy não vai deixar escapar um dos prodígios que a própria Academia – merecidamente – hypou.

Megan Thee Stallion, “Thot Shit”

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Outro lançamento que eu posso destacar é a música nova da Megan Thee Stallion, “Thot Shit”, com um clipe bem divertido – uma crítica à hipocrisia de muitos homens que criticam uma pretensa “hipersexualidade” das artistas, principalmente artistas negras, mas na verdade é racismo puro e simples, quando eles se comportam com a mesma hipocrisia que eles dizem criticar. Eu particularmente acho a música bem interessante, ela funciona diferente de outras canções que ela lançou recentemente – pelo que eu entendi ela está com sua personalidade Tina Snow, que é diferente da Megan que nós conhecemos.

Mas há algo que me incomodou na canção. Eu acho que o grande problema de “Thot Shit”, e nem é o problema dessa música apenas, mas meio que está se tornando uma tendência, é que as músicas são lançadas não porque o artista quer lançar uma música bacana ou porque deseja lançar algo que tenha a ver com sua carreira, sua trajetória.

Os singles são construídos para serem virais no Tik Tok. Drake fez isso no passado, falaram que “Up” da Cardi B era uma música feita para o Tik Tok (não discordo muito); e se analisarmos friamente, “Thot Shit” é feito para essa plataforma. Temos:

1. Uma batida rápida e ágil, feita para dançar, mas que não tem muita variação rítmica, meio que feita para ser ouvida e consumida esquecida depois;

2. O refrão é repetitivo e construído até mesmo para ser usado em um formato mais curto, seja para dançar com alguma coreografia na plataforma, ou para gerar alguma trend, tão comum ao Tik Tok, e fazer mais pessoas ouvirem e gerarem streams.

Eu não sei até que ponto esse tipo de decisão é naturalmente estratégica, porque hoje em dia para os artistas mais novos, dependentes do público mais novo, se você não viraliza no Tik Tok, você não acontece. Algumas faixas parecem uma construção natural – é só ver canções como “Levitating”, “Good 4 U”, qualquer coisa que Doja Cat lance (até mesmo faixas que eu NUNCA pensei virarem trend no Tik Tok, como “Leave the Door Open”), que você percebe não terem sido construídas essencialmente para a plataforma, mas acabam virando trend. Outras vezes, parece que o artista está construindo uma música só para que faça sucesso na plataforma, gere engajamento e vire hit. E isso desvia o objetivo final da música. A música não pode ser só um complemento, ou um background para uma dança. A música pode até ter essa função, mas não pode ser a única função dela.

“Thot Shit” vai fazer sucesso? Creio que sim, em especial porque justamente essa música é o centro de uma grande discussão relacionada à apropriação de danças e movimentos de criadores negros da plataforma Tik Tok, por parte de criadores brancos que não dão créditos às danças e coreografias feitas pelos primeiros criadores. Por isso, muitos criadores negros estão se recusando a fazer coreografias para “Thot Shit”, gerando um engajamento diferente, mais crítico.

É hora de ver o que vai acontecer nos próximos capítulos.

Ed Sheeran – “Bad Habits”

Já no dia 25, Ed Sheeran saiu da sua aposentadoria para lançar a faixa “Bad Habits”, lead single do álbum cujo nome nós não sabemos ainda. Ao contrário de outras músicas que ele lançou, em especial as álbum de parcerias que ele fez (que variavam entre o puro pop, R&B e rock, mas com algum tipo de identidade “Ed Sheeran”), essa música é… Definitivamente algo que eu não esperava. Houve algumas discussões a respeito da estética do lançamento dele, e do clipe, que lembravam demais “After Hours”, do The Weeknd; mas, musicalmente falando, eu discordo. A música, um dance pop feito para as pistas, só me fez dizer uma coisa: 2012 tá chamando a farofa de volta.

Vocês aqui do blog sempre souberam que eu nunca curti Ed Sheeran; mas é fato que ele sempre trouxe músicas chicletes, em especial após o “X” e “÷”. Os dois álbuns, especialmente o último, transformaram Ed Sheeran em Ed Sheeran. “Sing”, “Don’t”, “Photograph”, “Thinking Out Loud”, “Shape of You”, “Perfect”… Faixas que o tornaram um astro. Mas, para isso, a qualidade das músicas teve que diminuir (quer dizer, eu detesto igualmente o segundo e terceiro álbuns dele, e o álbum de parcerias é… Complexo). “Bad Habits”, assim, é mais um exemplo de como a música dele vem piorando com o passar dos anos. Batida genérica, voz genérica, produção gritando 2010-2012, quando eu chamava qualquer coisa lançada com essa sonoridade “farofa” no Twitter e no Orkut.

Esse cara ganhou um Grammy por composição e lançou uma música que parece trilha sonora de academia!

Enfim… Quanto ao clipe, eu sei que The Weeknd não inventou o terno e a pegada dark urbana e nem essa fonte que eu usei na minha capa de “Hashtag Máfia” no Wattpad (leiam gente, tá completo por lá), mas a construção de imagem dele com todos esses elementos foi tão forte, e tão bem feita (ele contou uma história com início meio e fim não apenas nos vídeos, mas também em todas as suas presenças em awards e performances no período – Abel usou ele mesmo como quadro para construir sua obra) que é impossível não comparar. Aí, quando você compara, Ed Sheeran parece um daqueles imitadores do Elvis ainda no começo de carreira. A imagem não cola, parece forçado, e a música parece forçada. O vídeo vai um pouco mais além, lembra algo de “Coringa” e “Garotos Perdidos”, mas para que você possa estabelecer uma identidade a partir de algo que muito recentemente esteve presente na mídia de forma massiva, é importante que você assuma isso como seu.

E eu não vejo isso em “Bad Habits”. Não sei qual o nível de sucesso que vai atingir, mas provavelmente eu não vou ouvir – até porque eu não piso na academia desde o começo da pandemia.

Maroon 5, “JORDI”

The cover depicts a drawing of a leopard and a zebra in a flower garden.

Além de novos singles, também foram lançados álbuns nesses últimos dias. O primeiro que eu vou destacar é “JORDI”, do Maroon 5, mais um material que prossegue expondo a decadência artística e de criatividade de Adam Levine e sua turma. Eu queria me impressionar com a capacidade deles de fazerem um álbum ruim, mas quando eu acho que o poço tem fundo, eles encontram o pré-sal. “JORDI” (cujo nome é em homenagem ao empresário da banda, falecido em 2017), segue a linha muito parecida com o “Red Pill Blues”, cheio de participações especiais, e músicas de produção extremamente genérica. As faixas gritam final da década de 2010, pré-pandemia, e não ficaria surpresa se eles de verdade foram buscar faixas rejeitadas pelo The Chainsmokers há quatro anos para lançar com a voz de Adam Levine agora.

As letras são outro poço sem fundo de criatividade. “Lost” tem o objetivo de ser catchy com refrão repetitivo, mas o resultado parece um grupo de compositores que não costuma acessar o dicionário de sinônimos. Outra atrocidade é “Lovesick”, também padecendo de uma visita ao dicionário de sinônimos, o arranjo até interessante sendo desperdiçado por uma letra repetitiva. “Nobody’s Love”, sem comentários. Google is your friend, buddy. Encontre um sinônimo.

Algumas faixas, por exemplo “Seasons”, são medíocres. Parece uma rejeitada do “Changes”, do Justin Bieber, e talvez se tivesse na voz do Justin Bieber fosse mais credível. Uma das melhores do álbum é “Convince me Otherwise”, muito mais por conta da participação especial de H.E.R, que conseguiu escapar do raio genérico deles – os caras conseguiram fazer MEGAN THEE STALLION soar genérica – porque tecnicamente falando… A música é difícil, bem difícil.

Outras faixas inspiradas do álbum são “One Light” (que realmente tem simplicidade em sua composição, mas não é preguiçosa. O refrão é repetitivo, mas tem uma quebra muito bacana) e “Memories”, que eu particularmente achava bem legal, e pensava que finalmente o Maroon 5 tomaria um rumo mais interessante do que eles vinham fazendo anteriormente (e essa música é exatamente um reflexo da gente, das nossas perdas, das merdas pelas quais passamos ano passado e esse ano, mesmo tendo sido lançado antes da pandemia). Mas eu fui enganada.

O fato é: eu estou impressionada como Maroon 5 lança álbum ruim após álbum ruim há literalmente UMA DÉCADA. O último álbum audível, que parece “Maroon 5” é “Hands All Over”, de 2010, que sofreu nos charts e aí eles decidiram focar exclusivamente nos charts com “Moves Like Jagger”… E nunca voltaram. Eu digo isso de cátedra, fui a um show deles na época do OVEREXPOSED, e eu odeio esse CD (a única coisa boa do álbum é a capa) – era visível como as faixas antigas brilhavam ao vivo em relação ao arranjo sem graça das faixas do “Overexposed”. Acho que apenas o “V”, de 2014, era mais aceitável, mas não é inesquecível.

Eu acho que desde o momento que Maroon 5 abriu espaço para outros compositores, deixando de apenas os membros serem os principais letristas, a banda perdeu completamente o diferencial – ainda sinto falta da levada funk e jazz dos dois primeiros álbuns e de toda a vibe sensual, algumas das canções pareciam uma carícia safada. É tudo tão estéril.

(como infelizmente o DNCE, do Joe Jonas, não vai lançar mais nada, nós não teremos por algum tempo uma versão do Maroon 5 que lançou faixas melhores do que o “original”.)

Doja Cat – “Planet Her”

Já o último lançamento esperado por muitos – incluindo a escriba aqui – é o “Planet Her” de Doja Cat. O terceiro álbum da cantora, rapper, e talvez uma das artistas mais interessantes do cenário atual, chega após o sucesso massivo de “Hot Pink”, que estava hitando música até agora em 2021. “Kiss Me More”, o primeiro single com SZA, já é um hit; mas a minha dúvida era: será que esse CD geraria o mesmo momento, a mesma quantidade de hits que “Hot Pink”, de fato o álbum que apresentou Doja à consciência coletiva?

O que eu posso dizer é: she did it again. Apesar da audição não ser tão instantânea (seu álbum anterior parecia um compilado de hits, músicas com potencial para fazer sucesso), “Planet Her” é mais coeso. Você, evidentemente, encontra ritmos variados como afrobeat, reggaeton, pop e R&B juntos em várias faixas, mas o material é proeminente pop e R&B, mas com a mistura de canto e rap que Doja faz com habilidade, incluindo seu flow, que pode não ser impressionante, mas você consegue enxergar a personalidade dela em cada música.

Aqui, as letras têm o senso de humor debochadíssimo dela, completamente imersa no mundo das redes sociais (ela é um troll, real e oficial), em “Ain’t Shit” ; conversas sobre relacionamentos (“I Don’t Do Drugs” e seu verso impecável “I just want you, but I don’t do drugs”, com o pós-refrão “Still I want you”; “Been Like This”, “Alone”); momento para crítica direto ao ponto e valorização da mulher em “Woman”; e sim, o quanto ela está em controle de sua sexualidade. Há tempo até para uma menção direta bem fofa e respeitosa à Nicki Minaj.

O álbum é repleto de participações especiais, como The Weeknd (a match para a personalidade excêntrica de Doja na ótima “You Right”, segundo single do álbum, aliás, que música sensacional – no aguardo das indicações em SOTY e ROTY, porque o tricky aqui não é apenas uma sugestão de traição, mas o fato de que ela ama uma pessoa, mas talvez ela ame mesmo outra, sinta aquele je ne sais quoi por outra), Young Thug e Ariana Grande, mas o álbum é totalmente de Doja Cat (ser fiel ao conceito é essencial). Você consegue enxergar seus variados flows, sua inquietação musical em fazer vários ritmos, seu humor; a consistência nos temas. É um álbum que começa uma velocidade mais baixa, mas que vai melhorando bastante e mantendo o alto nível até nas faixas mais lentas. Eu gostei muito do álbum e acho que o Grammy tem mais uma oportunidade de premiar Doja com pelo menos o prêmio de colaboração – e sim, colocar este material no pop field, porque definitivamente é um álbum pop.

Mas como este é um álbum pop, várias canções têm potencial para manter o “Planet Her” como parte da conversa coletiva por algum tempo: “Payday”, com Young Thug; a própria promocional “Need to Know”; “Alone”, “Ain’t Shit”, “I Don’t Do Drugs”…

Curiosamente, o lead “Kiss Me More” fica meio isolado lá no final da tracklist, o que de certa forma faz algum sentido, porque o álbum no geral tem uma linha muito específica de produção que não conversa tanto com essa música; mas, ao mesmo tempo, não é avulsa dentro da proposta do CD.

Resumindo: altamente recomendável – você ouve rápido, são músicas curtas, perfeitas para consumo repetitivo no streaming, e muito provavelmente várias faixas vão bombar no Tik Tok, mas porque elas não parecem terem sido construídas para a plataforma. É porque elas são viciantes. Não tem canções tão instantâneas, mas é visível que as músicas tiveram um cuidado e um carinho ainda maior – cumprindo seu objetivo: colocar Doja Cat no panteão da música pop, como a incrível artista pop que ela é.

(mesmo que infelizmente esse álbum tenha produção dele mesmo, Dr. Luke, que aparece em “Need To Know” e “You Right”. Quando você verifica, ela é da Kemosabe, mesma gravadora de Kesha; contratada aos 17 anos, provavelmente tem a ver com contrato, mas não posso atestar nada aqui)

E aí? O que você achou dos últimos lançamentos? Conta pra gente!

MUITO DIFÍCIL ARIANA GRANDE ERRAR EM UM LEAD

(e não foi dessa vez que ela errou…)

Se tem uma artista que sabe escolher leads, essa pessoa é Ariana Grande. Desde que surpreendeu a todos com um pop/R&B cheio de personalidade em “The Way“, ela fugiu do pop/rock e dance que as colegas saídas de programas de TV juvenis na mesma época adotavam. Um diferencial, além de trabalhar com nomes fortes desde o começo da carreira (não é qualquer uma que já tem BABYFACE produzindo pra você no debut), que fez com que a carreira dela sempre fosse vista de uma maneira mais cuidadosa em relação a outras estrelas da mesma geração.


Com leads que vão mais ou menos na mesma proposta do som que Ariana sempre demonstrou ter mais simpatia e identificação (“Problem“, “Dangerous Woman“, e mesmo as pops “No Tears Left to Cry” e “Thank U Next” eram a embalagem de álbuns com influência pop e R&B), não é de se surpreender que o novo single da moça, “Positions“, do novo álbum que será lançado nesta semana (30/10, gente rápida é assim) tenha a mesma linha. No entanto, Ariana sempre se mantém fresh, nunca errando em seus leads (mesmo que eu particularmente não seja a maior fã de “Thank U, Next”, o fato é que não tem outra faixa por ali que seja abertura de era com a mesma habilidade que esta), especialmente quando o novo single é tão gostoso de ouvir, mantendo o ar comercial ao mesmo tempo que sendo muito bem feito e produzido.

Com uma levada anos 2000 (até fui caçar se tinha produção de Stargate) e uma certa dose de atualidade com o delivery mais trap, tem guitarrinha na levada e até violino, indicando que provavelmente a nostalgia continua (gente, 2000 tem 20 ANOS), mas com um toque bem moderno, onde nostalgia é apenas uma doce memória.

A letra é fácil e o refrão é grudento até cansar, na terceira ouvida você já canta fácil “switching the positions for you” – e a duração curtinha tem um objetivo: STREAMS, porque se tem alguém fora do rap que entende perfeitamente o que é lançar música atualmente… Ariana Grande lê muito bem o mercado, mas consegue ao mesmo tempo produzir músicas BOAS de verdade sem comprometer sua própria personalidade. Aliás, eu deveria parar de me impressionar em como ela é uma artista incrível, mas não consigo. Ariana está chegando ao SEXTO álbum, e não há mostras de que o material lançado desde o primeiro CD tenha algum momento que caiu para subir. Ela vai melhorando, moldando o som e sendo mais ousada em suas escolhas artísticas e escolha de produtores (“Sweetener” é o maior exemplo disso) mesmo dentro do estilo que ela gosta; e existe a busca por subir, crescer e melhorar. Imagina o que tem no álbum…

No geral, “Positions” já é uma das melhores músicas do ano – e o ano foi repleto de ótimas faixas, e vou adiantando que isso aqui é lock em Pop Solo no Grammy haha

Ariana Grande imagines life in the White House in 'Positions' video - CNN

A única coisa que eu realmente não curti do lançamento foi o vídeo, dirigido por Dave Meyers, que já virou o novo parceiro artístico de Ariana. Produção boa, elementos técnicos ok, mas eu esperava um vídeo mais literal, de acordo com a música. Sério, algo que fosse sexy e romântico, Netflix and chill, e a música merecia algo assim, e não algo apenas divertido. Tanto que eu prefiro ouvir a faixa e não ver o vídeo – e olha que não tenho muito problema em vídeos que não conversam com a letra da música, mas a produção é tão gostosa, orgânica, que o vídeo poderia acompanhar esse espírito… Mas enfim, opinião pessoal (e que provavelmente não deve ser lá muito popular)… e vocês?

O que acharam do novo single de Ariana?

Que saudade da Cardi!

Cardi B é sempre um evento – não apenas por suas músicas serem viciantes, personalidade magnética, visuais incríveis nos vídeos e todos os momentos virais que ela acaba proporcionando nas redes sociais. Ela sabe como agregar amor e ódio na mesma medida, mas possui uma leveza absurda que a torna identificável. Seus dilemas, rants, os papos, até os live-tweets dela acompanhando novelas turcas são os nossos dilemas, e por isso ela atrai a atenção de tanta gente, não importando a idade.

Após dois anos mágicos, com #1, top 10, parcerias de impacto, polêmicas, casamento, uma filha (a fofíssima Kulture) e um Grammy (o primeiro de Álbum Rap para uma rapper feminina em um álbum solo), Belcalis finalmente está de volta com o lead single “WAP” (sigla para Wet Ass Pussy) com a participação de uma das rappers mais hypadas dos últimos anos, Megan Thee Stallion. A música foi lançada na sexta-feira (07) e logo chegou às primeiras posições nos charts e já gerou memes, discussões sobre “por que Kylie Jenner e Rosalía estão no vídeo”, parlamentares republicanos xingando muito no Twitter e muita gente, mas muita gente mesmo, celebrando duas mulheres falando abertamente sobre sexo – com poder, diversão e metáforas deliciosas.

Sim, eu AMEI “WAP”, é a música pro verão americano se não houvesse uma pandemia. Além do uso de sample genial (ouça “Whores in this House” de Frank Ski e entenda), a música tem um tema direto: basicamente “se você quer me fazer gozar, tem que trabalhar”, e fica bem explícito em momentos como “Bring a bucket and a mop for this wet-ass pussy”, “I want you to park that big Mack truck right in this little garage” (SOCORRO!), “He bought a phone just for pictures of this wet-ass pussy”, “I want you to touch that lil’ dangly thing that swing in the back of my throat” e “When I ride the dick, I’ma spell my name”.

Direto, reto, sem muita enrolação e colocando como prioridade a vontade e o prazer delas, Cardi e Megan mostram não apenas habilidade lírica como também um delicioso senso de humor. Megan quase rouba a cena como featuring (o delivery rápido dela é uma metralhadora), mas os versos de Belcalis tem a impressão digital dela, o que mostra que neste período, ela não mudou seu jeito para agradar o grande público.

Com divisão boa de versos e batidão gostoso, uma coisa que me deixou muito orgulhosa na produção (dividida entre Ayo The Producer e Keyz, que produziram “Bickhenhead” da própria Cardi) é que tem sim uma certa sensibilidade radiofônica, mas sem perder a essência rap da faixa, nem fazer concessões. É uma sutileza que torna a faixa grandiosa, mesmo que “WAP” não seja essencialmente uma superprodução. É até equilibrada e discreta em sua batida. Uma delícia.

Agora, vamos ao vídeo!

Apesar da versão usada no clipe dirigido por Collin Tilley ser a clean (que é decididamente muito ruim em relação ao brilhantismo da original), o vídeo é sensacional. Colorido, com looks, excesso, coreografias, levou a ideia de “There are some whores in this house” para um novo nível; e se você não entendeu porque sai água por baixo da porta da casa… Então…

Com direito a cameos famosos e visuais de estilistas , o vídeo de “WAP” traz algo que há muito tempo os ouvintes de pop americano estão buscando nos artistas errados. É uma opinião que pode gerar polêmica, mas vi no Twitter e concordei plenamente – quem está trazendo coreografia (bem realizada), referências pop, visuais e looks com potencial de serem icônicos são as rappers. Cardi, Megan, Nicki antes delas, Doja; ver os clipes delas é nunca esperar por menos. Você percebe que tem PRODUÇÃO, cuidado, escolha de figurino, os melhores diretores, referências legais que podem ser discutidas no dia seguinte à exaustão, acompanhadas de músicas que são viciantes de verdade.

E isso não é de hoje. Não surgiu em 2020. Hora de assumir que quem está empurrando e desafiando, quem está rompendo as barreiras no espectro pop não faz música pop. É o caso de Cardi, que desde “Bodak Yellow” só vem subindo o nível de suas produções, nunca considerando o último vídeo o suficiente. Os fãs e a indústria agradecem.

Ah, e sobre a minha preocupação a respeito dos protocolos de segurança contra a COVID para gravação do vídeo: pelo que andei lendo, foram realizados testes diários com a equipe responsável, além de, em algumas fotos divulgadas nas redes sociais, aparecer a equipe com máscaras e até plástico nos sapatos. Bem, não é exatamente distanciamento social, mas o tipo de testes e o cuidado durante a gravação deve ter sido bem maior do que o normal – é o que eu espero.

(mesmo assim, não façam isso em casa, pelo amor de Deus! Lavem as mãos e higienizem com álcool em gel!)

E vocês, o que acharam da música e vídeo para “WAP”? Fiquem à vontade para comentar!

Se te faz feliz… – “Rain on Me”, Lady Gaga feat. Ariana Grande

Em alguma thread ou post que eu fiz em algum lugar por aqui comentei sobre “being a leader or being a follower”. Se nunca comentei, hora de falar.

Algum artista famoso falou certa feita (digo algum porque realmente não lembro haha) que existem líderes e seguidores. E realmente, existem artistas que são líderes: eles definem tendências, são pioneiros, escancaram as portas para o resto passar e são reconhecidos por isso. Já outros são os seguidores – quem segue a moda, quem está sempre na zona de conforto e não vai sair dela. Está sempre esperando a porta abrir para ele passar.

E também temos os lobos solitários que fazem o seu, fazem sucesso e seguem sua carreira sem maiores tribulações.

Hoje eu vim falar de uma LÍDER, que surgiu escancarando portas e repensando a cultura pop de seu tempo: Lady Gaga, que hoje lançou o segundo single do novo álbum “Chromatica”, a dançante bem house anos 90 “Rain on Me“, com o featuring de Ariana Grande.

Lady Gaga - Rain on Me.png

Uma faixa própria para as festas em boates, caso estivessem abertas e não estivéssemos em meio a uma pandemia mortal, “Rain on Me” segue a linha apresentada por “Stupid Love”, mas aqui com a influência do dance early 90s bem mais forte, as clássicas faixas que merecem vozes poderosas. O que eu achava que seria bastante estranho – o encontro entre as vozes de Gaga e Ariana, já que a abordagem da primeira é mais raspy, rock até; enquanto a segunda tem um trabalho mais pop, suave, com influência R&B, ficou muito bom. As duas funcionam bem juntas, especialmente quando na segunda estrofe da Ariana, a resposta da Gaga ficou bastante melódica e gostosa de ouvir.

Outro ponto que funcionou bem na música foi a letra, que é simples e efetiva, sobre recomeços, renascimentos e o sentimento de carpe diem. Aqui também temos duas abordagens líricas diferentes, mas que também funcionam bem – e mostram que as duas estavam juntas no processo de composição da faixa.

Agora… Vamos aos problemas: ouvi uma, duas, três vezes a música, porque apesar da letra ser bacana e da interação entre as duas artistas ser bem resolvida, havia alguma coisa que não me amarrava, não me conectava – e considerando que o segundo single é a música que não apenas reforça a ideia principal do CD, como também carrega as vendas do álbum, precisa representar muito bem e ser explosiva o suficiente para tornar o seu CD uma experiência fascinante. E em todas as vezes, sabe qual foi a impressão que “Rain on Me” me deu?

On the nose: sabe aquela faixa que diz “olha, eu sou retrô viu? SABE, EU SOU RETRÔ, olha minhas influências!” e ao invés de ser uma experiência divertida ouvir uma faixa visivelmente inspirada em sonoridades de décadas passadas, parece até que é um atestado de “olha como sou musicalmente inteligente” e a música passa por apática, asséptica – porque é apenas uma experiência, uma tentativa de soar “antiga”, mas sem abraçar de fato as nuances e levá-las na alma, conseguindo brincar e trabalhar com naturalidade com esse som.

Gaga fez isso muito bem no “Born This Way”, quando puxa referências anos 80, dance, disco, envolvendo tudo em instrumentais carregados e quase rock ‘n roll.

Comparando com um artista que fez agorinha mesmo um álbum com referências antigas, The Weeknd consegue usar as referências anos 80 em “After Hours” de uma forma extremamente fluida.

Material aquém da Gaga: se você passou pelas várias fases da carreira de Lady Gaga logo após explodir com um material que até hoje é melhor do que 90% dos lançamentos atuais, eu espero excelência. “Rain on Me” não entra nem na edição Target do ARTPOP, sinceramente. Eu espero LADY GAGA, não um material que há sete anos atrás ela sequer usaria e viraria descarte.

Pra mim, essa não é uma atitude de uma artista líder. E sim de uma follower. Ou no mínimo, uma estrela que deseja mostrar que ainda há lugar para ela dentro do zeitgeist atual, mas não da forma que uma líder deve fazer.

E isso me preocupa: a volta ao pop dela parece mais uma volta ao pop para os fãs e a galera que acompanha música, e não para o público no geral – é claro que as pessoas neste momento estão se importando em não morrer, mas antes disso, havia uma busca, uma agonia por novos álbuns e artistas que mostrassem que o pop tinha um caminho, mas… Nossa, “Rain on Me” é o típico top 10 que chega ao top 10 pela força das fã-bases e não exatamente por um crescimento orgânico, por ter sido abraçada por todos os grupos.

(Aliás, qual foi a última canção que você imagina ter sido realmente abraçada organicamente por todos os grupos e chegou ao topo porque foi um sucesso absurdo em todas as plataformas e uniu consumidores de nicho e público em geral, e não porque porque fizeram mutirão de streams?)

O vídeo: o vídeo provavelmente resume o ponto de “leaders and followers”: eu pensei que não teria quase o mesmo tempo da música, e considerei o look inicial com a faca na coxa bem mal aproveitado. De resto, é um vídeo que eu, como consumidora que não faz parte de nenhum dos dois fandoms, não veria outra vez; achei que a paleta de cores merecia mais vibração, um colorido, até porque a letra da música passa um certo sentimento de júbilo; e sinceramente? Não faça duelo de coreô quando seu forte não é coreografia. Gaga é competente na dança – o forte dela sempre foi um movimento repetitivo que nascia icônico (como em “Bad Romance”, por exemplo) – mas não é o suficiente para segurar três minutos de vídeo dançando; o mesmo vale pra Ariana. Além disso, eu entendi que o foco visual da era é essa coisa meio ficção científica, distopia futurista com ar low-budget, mas é possível fazer isso e soar épico. Você é LADY GAGA. Uma de suas marcas registradas são os clipes elaborados, com referências pop bacanas e divertidas, com forte replay value e hype.

Se os dois vídeos que eu vi representam que é essa Gaga pop a qual teremos de nos acostumar, então me informem para que eu pare de comparar com aquela de 2009-13; e isso inclui as músicas também. Se o material que ela apresentou é Lady Gaga hoje, e são essas as músicas que passaram pelo corte final para fazerem parte do seu novo álbum, não comparo mais. Vou focar em ouvir o que ela me apresenta hoje. Nem vou comparar com materiais recentes porque o “Joanne” é um ponto fora da curva do que a Gaga sempre fez e a trilha de “A Star Is Born” é uma comparação injusta – não porque eu queria que ela fizesse aquele som. Não, eu queria que o esforço de qualidade que ela buscou naquele álbum se repetisse aqui.

O triste é que ela mesma colocou o sarrafo lá em cima VÁRIAS VEZES, e eu espero sempre o mais FODA porque Gaga é parte importante de um período bem legal da minha vida, e ela é parte desse meu processo de formação consumindo cultura pop.

Mas, se faz os fãs felizes… Quem sou eu para criticar né?

O caminho certo da história: “Daisies”, Katy Perry

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Uma das coisas que sempre me questionei quando se tratava da carreira de Katy Perry era – qual seria o próximo passo da californiana após o fracasso da era “Witness” (tanto visual quanto musical e em imagem perante o grande público), em que ela parecia ter perdido o bonde da história?

Fazer um som puxado pro urban para ampliar a demografia de público seria bastante forçado – mesmo que ela tivesse trabalhado com um faux-trap em “Dark Horse”, mas naquela época, soou bastante arriscado e até maduro, não trend-chaser. Prosseguir com parcerias EDM seria até cruel para uma artista com poucos featurings na carreira (e soaria bem desesperado).

Dessa forma, Katy seguiu low-profile com lançamentos de singles mais avulsos, mas que indicavam um caminho que ela poderia ter seguido lá atrás, após o “Prism” (2013): pop puro, maduro e com o toque de diversão que é característica da própria artista. Tenho lá minhas restrições a “Small Talk“, por exemplo, mas o fato é que uma das maiores injustiças dos últimos anos foi “Never Really Over” não ter chegado a um topo da Billboard Hot 100 ou a uma indicação ao Grammy porque a música é uma raridade – uma faixa moderna, atual e sem vibe retrô.

(digo isso como uma pessoa que quando ouve linha de baixo oitentista já grita MINHA MÚSICA)

Pois bem, Katy Perry continua a seguir a mesma linha, e sendo bastante autobiográfica em seu novo single, “Daisies“, lead do seu novo álbum, que veio com um vídeo simples, bem “vídeo mãezona”, e faz todo o sentido em tempos de pandemia.

Produzida pelo time The Monsters & Strangerz, cujos créditos de composição incluem várias faixas do excelente “Future Nostalgia”, além de produção de vários artistas que passam por Maroon 5 a Bebe Rexha, “Daisies” me lembrou vagamente o arranjo de “Unconditionally” (o que é ótimo), e tem uma letra bem bacana, soando como uma indireta para quem a quis colocar como has-been e fracassada após tudo que ocorreu na era “Witness”

They told me I was out there, tried to knock me down
Took those sticks and stones, showed ‘em I could build a house

They said I’m going nowhere, tried to count me out

Não é um instant hit feito “Roar” ou “California Gurls”, mas “Daisies” provavelmente é uma daquelas faixas que valem a pena ser ouvidas nos tempos de hoje. É a clássica música para dar quentinho no coração e pensar em dias melhores. Além disso, nem sei se Katy ainda quer aquele sucesso absurdo e massivo, que trouxe em troca pressões que a afetaram e a fragilizaram bastante. Ela me parece num momento diferente, em especial com a gravidez, e o vídeo mostra que ela parece bastante em paz consigo mesma.

Minha impressão? É de que este álbum será o melhor trabalho dela, porque finalmente Katy Perry pegou o trem certo para continuar sua história.

Últimos lançamentos [3] Seguindo o blueprint para o bem ou para o mal

Continuando as resenhas sobre os lançamentos pré-Corona (ainda vou me debruçar em especial nos últimos lançamentos de fato antes da quarentena e isolamento social), hora de falar sobre algo que gera discussão e tretas tanto quanto quem ganha o Grammy: trilha sonora do James Bond.

Apesar do novo filme do 007 ter sido adiado para novembro (por causa do coronavírus), a música-tema de “No Time to Die” já foi lançada em 13/02 (considerando que o lançamento inicial do filme seria agorinha em Abril), e a responsabilidade pelos vocais e composição da música ficou com a sensação pop Billie Eilish, que se tornou a pessoa mais nova a escrever e cantar uma faixa para um filme do Bond.

Billie Eilish - No Time to Die.png

Atenção: essa resenha é beeeeeeeeeeeeeeeeeeeeem enviesada porque eu sou stan dos filmes do 007, tenho DVD dos filmes e tudo, e tenho minhas preferências de canções originais:

  1. “A View To a Kill”
  2. “For Your Eyes Only”
  3. “Live or Let Die”

E desde que Daniel Craig assumiu o black-tie, o martini batido não mexido e a condução do Aston Martin, tivemos músicas bem irregulares compondo a abertura dos filmes do Bond, que na fase do loiro, são provavelmente os melhores já lançados. Muita gente gosta de “You Know My Name”, do Chris Cornell, mas no cinema o efeito da faixa + abertura e eu dormindo num busão antes do isolamento social é a mesma coisa. Entretanto, todos os filmes do Bond, em suas diversas fases, tem uma faixa clássica para chamar de sua:

Sean Connery era: “Goldfinger” e “Diamonds are Forever”, CERTEZA;
Roger Moore era: incluindo minhas faves, tem “Nobody Does it Better” (talvez as melhores faixas estejam na era dele)
Timothy Dalton era: “The Living Daylights” (mesmo com uma vibe muito parecida com “A View to a Kill”)
Pierce Brosnan era: “GoldenEye” e não se fala mais nisso

(não conto o coitado do George Lazenby porque ele só esteve em um filme e a música-tema toca durante o filme, apesar de ser MARAVILHOSA, OUÇAM “We Have All the Time in the World”)

Pois bem, cortemos para Adele em 2012, que finalmente trouxe para os filmes do Bond com Craig uma faixa clássica e atemporal – “Skyfall”, que tanto fora quanto dentro da abertura causa o mesmo efeito de épico, trágico e classudo; e virou o topo a ser alcançado por quem viesse depois.

Adele ainda é um blueprint do que está sendo feito para trilhas sonoras do James Bond – após “Skyfall”, é visível que as duas faixas seguintes selecionadas priorizam baladas grandiosas (que são até um retorno ao clássico, com as músicas interpretadas pela Shirley Bassey) ou melancólicas que tentam refletir a estética dos Bonds com Daniel Craig, onde o realismo e o elemento trágico sempre caminham. Perceba que nem mesmo em “Spectre”, o final é feliz happy end – tem tragédia e infelicidade por todo canto.

No caso de “No Time to Die”, temos a mesma situação de balada para a trilha do 007, sempre com alguma referência à trilha clássica. A letra é bastante straight to the point com o roteiro, indicando que Bond será traído pela enésima vez, e com estrutura até simples – não há a sensibilidade da visão feminina sobre “James Bond” com “Nobody Does It Better”, ou talvez o senso de humor sacana de “Diamonds Are Forever”, ou mesmo o refrão fodástico de “A View To A Kill”. Se formos comparar com a faixa blueprint, o que acontece: “Skyfall” fala do roteiro do filme, mas de uma forma tão sutil que pode ser também sobre qualquer outra coisa.

O instrumental não é modorrento tem um punch no refrão, ao contrário da SNOOZEFEST que é “Writing’s on the Wall”, mas… É basicamente isso. Quando soube que Billie estava envolvida na faixa, esperava uma música mais uptempo, com bateria marcada e algo mais urgente (em tempo: a última uptempo a ser lançada como trilha do James Bond foi “Another Way to Die” – PAVOROSA – de “Quantum of Solace”, um filme até aceitável se pensarmos que foi escrito na época da greve dos roteiristas), mas a faixa é apenas legal ouvida isoladamente. Pode ser que se torne grandiosa junto da abertura, mas o material é bem esquecível.

(a propósito, ouvir o trabalho vocal da Billie me lembra de que Lana Del Rey é uma intérprete/compositora de filmes para James Bond perdida. Ela tem voz e phisique du rôle para o trabalho)

(a propósito, saudades rockão a la Duran Duran nessas aberturas… Ou um R&B sensual a la The Weeknd, a última/única vez que tivemos um R&B foi “Licence to Kill”, com uma das piores letras já escritas dentro da música pop)

E vocês, o que acharam de “No Time To Die”? Aliás, vocês tem alguma música favorita da trilha do James Bond ou a franquia não te enche os olhos?

Últimos Lançamentos [2] Justin Timberlake já pulou o tubarão faz tempo

Às vezes um artista toma uma decisão que podemos considerar a pior possível, e quando o act em questão é um homem, a gente se questiona ainda mais a razão: geralmente o fandom de act masculino não é tão flexível com mudanças de imagem ou som quanto os fãs de acts femininas – ter uma fave mulher é sempre contar que ela vai mudar, desenvolver o som, sair da caixa e fugir das obviedades, e é o que a gente quer! E geralmente, essas mudanças, quando bem-realizadas, funcionam.

Quanto aos homens, raros são os acts que decidem chutar o pau da barraca e dizer “hoje eu decidi mudar tudo!” – e entre os raros, pouquíssimos são bem sucedidos nisso. É como se as mulheres no pop estivessem sempre movimentando, buscando romper barreiras, enquanto os homens prosseguissem numa toada bastante confortável. Dá uma análise interessante sociológica, mas nem é meu foco aqui.

Confissão: eu faço parte do fandom de um artista masculino, e sonho com álbuns de sonoridades diferentes no futuro – tô sempre esperando qualquer coisa dele. Mas eu me chocaria se ele fizesse algo que não é parte do coração do seu som, tipo lançar um CD de EDM pesadíssimo produzido pelo Calvin Harris.

… Tá, mas falando em acts masculinos que decidiram mudar tudo, tem dois exemplos de movimentos musicais que deram errado, muito errado, gerando o “jumping the shark” – é como se eles tivessem passado do ponto, sem possibilidade de voltar ao que eram antes. Um deles é Usher (Usher, Usher…), que ao alienar sua fanbase R&B para entrar na modinha eletropop, foi para uma viagem e nunca mais voltou. Aliado ao fato de que ele nunca reforçou a própria brand muito bem, hoje poucos imaginam que o blueprint do artista pop/R&B que dança, canta em falsete e tem cenas sensuais em seus vídeos é Usher – e não o artista de quem falaremos agora.

O segundo a “jump the shark” é Justin Timberlake, e esse processo foi longo, culminando com o TENEBROSO “Man of the Woods”, aquela apresentação sem graça no Halftime Show e essa música lançada para a trilha sonora do novo filme do “Trolls” (desapega disso, homem!), chamada “The Other Side” (lançada em 26/02) em parceria com SZA.

SZA and Justin Timberlake - The Other Side.png

Provavelmente a melhor faixa envolvendo Timberlake em ANOS (desde a segunda parte do 20/20) é um disco-funk chill e divertidinho, cheio de balanço e um refrão bastante grudento que mostra a versatilidade da própria SZA, um dos principais nomes do R&B atual, criticadíssima pelos puristas do gênero por cantar em itálico (ou seja, aquela voz meio manhosa, como se tivesse bebido demais, que muitos puristas não curtem muito), mas que aqui vira uma diva funk que torna Timberlake desnecessário numa faixa para um filme onde ele é o protagonista.

O vídeo é simples e eficiente, e SZA de longe é a estrela, enquanto Timberlake parece o “cara das antigas” tentando recuperar o sucesso com a nova geração, numa música que é boa, mas não é exatamente o que o cara que realizou “FutureSex/LoveSounds” e colocou o pop pro futuro junto com Timbaland. E sabe onde ele realmente “pulou o tubarão”? No dia em que ele gravou “Can’t Stop The Feeling”.

E isso não é apenas uma constatação minha – muita gente considera que essa decisão minou alguma coisa na relação de JT com seu público – de “Mr. Sexo” para cantor de trilha sonora de filme infantil, e não houve retorno. Não sei se isso tem a ver com a voz dele, que a cada ano parece mais com voz de ex-membro de boy band, ou o fato de que se dividir entre ator e cantor (quem recomendou gente? A projeção vocal dele é péssima para um lead actor…) causou alguma desconexão e ele mesmo passou a acreditar demais no próprio hype – a julgar por aquele SuperBowl…………………………

Ao mesmo tempo, retornar ao pop/R&B (e buscar inspiração em soul, funk e disco) é back to basics para Timberlake, o movimento mais óbvio para quem perdeu tração nos últimos anos, e tem muita gente interessante na cena, que parece estar retomando um certo protagonismo, com quem ele pode se aliar (Kehlani, H.E.R, The Weeknd, Lizzo). O problema é que ele pode não ter o retorno de público, já que muitos o viram como alguém que sempre se utilizou da cultura negra para lucrar (muitos esperam o perdão pra Janet…), e a landscape sobre apropriação cultural e brancos sendo “a face” da música negra é bastante prevalente nos últimos anos.

Por isso…? acho que o caminho do Timberlake vai ser testar as águas pra ver se não dá pra pular outro tubarão e voltar tudo de novo. O que é impossível.

E vocês? O que acharam da música com o JT? Acreditam que ele tem chance para um comeback após divulgar “Trolls World Tour” ou ele perdeu o bonde da história?

O próximo lançamento que vou comentar aqui é de um single com a marca registrada de uma famosa franquia, e de uma música famosa dessa mesma franquia… Quem será?

Últimos lançamentos [1] Uma Lady Gaga apenas eficiente

O ano só começa após o carnaval – e provavelmente o ano neste blog deve começar neste período, mesmo que o Grammy tenha ocorrido há praticamente um mês (e este sim seja o nosso “carnaval”). Entretanto, minha vida fez uma curva de 180° (emprego novo, livro a ser publicado) e agora sim podemos conversar sobre música e os últimos lançamentos! 

Decidi focar em três singles e um CD, com publicações durante a semana, e aos poucos vamos recuperando as discussões de um ano em que eu esperava bem mais dos nomes famosos (oi, Justin Bieber)… E começo hoje com ela mesma, Lady Gaga!

Uma Lady Gaga apenas eficiente

Lady Gaga - Stupid Love.png

A Mother Monster lançou na última sexta-feira (28/02) o lead do seu próximo álbum (chamado “Chromatica”) após um período de verdadeira coqueluche graças ao filme “Nasce uma Estrela” e um álbum pop bem-recebido (“Joanne”). Mas agora, “Stupid Love” é o retorno da Gaga que nós conhecemos: extravagante, dançando muito e com uma música rápida, feita para impactar nas pistas.

“Stupid Love” é uma canção extremamente eficiente. Música pop com vibe disco/dance, visivelmente dentro de uma trend usada por algumas pop stars (como Dua Lipa) de ir atrás dessa sonoridade para sair da dominância rap, podemos considerar um follow-up mais leve de sonoridades similares, apresentadas em “Born This Way” (2011), onde lá a vibe era mais rocker – quase Donna Summer em “Bad Girls” – ainda assim com esse flavor oitentista. O video lançado no mesmo dia é cheio de dança e cores, com referências a programas de TV japoneses como Jaspion e Changeman e o tema principal, a busca pelo amor, é fofo e meio corny. Ou seja, tem a impressão digital da Gaga em cada frame. 

No entanto, confesso que queria ter gostado mais, me envolvido mais, surtado mais com a faixa. É Lady Gaga, não uma act pop random: Gaga é a pessoa que mudou a estética do videoclipe no final da década de 2000 e junto com o BEP, colocou o electropop na cena mainstream de fato; e a música é apenas… Eficiente. Bacaninha, eficiente. Duvido que entraria na tracklist final do “Born This Way” ou mesmo do “Artpop” – no máximo seria a bonus track da edição italiana do álbum. Além disso, o clipe é legal, mas… Não há um grande momento fashion, algo extravagante, nem mesmo a coreografia me parece viral. E pior: o clipe parece barato. 

(importante: parecer barato não significa ser barato. Tem “n” vídeos por aí que parecem baratos por estética e ficam fodas. Esse parece barato e ficou com jeito de low-budget, o que pra mim é surreal em se tratando de Lady Gaga.)

Pior ainda é pensar que Lady Gaga está fazendo isso, quando a gente vê vídeos de kpop entretendo com visuais, trocas de roupa, cenários múltiplos, coreografias divertidas e mesmo quando a música não é lá essas coisas, o vídeo consegue entreter. E importante ressaltar que são os grupos de kpop quem estão dominando o discurso de uma nova geração de consumidores musicais, que provavelmente também são alvo de uma Lady Gaga que quer se reconectar com o público e reforçar sua posição de A-list no olimpo pop. E isso é curioso: uma das maiores popstars dos últimos 10 anos não conseguiu fazer o seu melhor no lead single: entreter.

“Stupid Love” é uma boa música, e bastante eficiente, e seu vídeo deve estar satisfazendo sua fanbase, especialmente porque aqui ela retorna ao pop que a consagrou  Mas, em comparação com o que é amado pelo público atualmente, e com o que Lady Gaga já fez no passado, não é exatamente incrível e extraordinário. Espero que o próximo single ou o álbum sejam melhores do que isso.

E aí, vocês curtiram o novo single da Gaga? Acreditam que esse retorno da Gaga clássica será bem sucedido nessa nova landscape?


O próximo post será de um artista que já “pulou o tubarão” tem algum tempo… Vamos ver se vocês saberão de quem se trata…

COMBÃO de singles [Outubro ’19]

Antes de começarmos a falar de fato sobre Grammy (afinal de contas, no momento em que este post for publicado eu já devo ter comentado sobre os indicados), hora daquele resumão de lançamentos que ocorreram mês passado, e que provavelmente podem entrar no Grammy 2021 (ou não, a depender da situação de carreira dos envolvidos)

(ah, e sobre o Grammy, os vídeos voltarão sim, como eu tinha comentado no post dos indicados! 😊 Vou fazer um esforço para compensar meus sumiços – que tem diversas explicações, como trabalho, projetos de escrita literária, crises de ansiedade, picos de estresse etc – e gravar os vídeos além de + um podcast com explicações que considero plausíveis sobre os indicados, conversas sobre os charts e papo sobre kpop)

Sem mais, vamos lá – em ordem cronológica:

Harry Styles, “Lights Up” (lançado em 11/10)

Harry Styles - Lights Up.png

Se eu te disser que no começo, não entendi bem como funcionava essa música e achado bem sem graça, vocês me perdoam? Então, eu tinha me acostumado com o rockstar anos 70 neojurássico do debut, por isso a vibe psicodélica indie tinha meio que me surpreendido; mas numa segunda ouvida, a faixa é mais que forte, é extremamente forte e a cara do Harry. Ele encontrou um nicho bastante particular, que ele consegue tornar radiofônico e pop, e funciona bem pra caralho – nicho esse que outros acts masculinos pop da mesma faixa de idade não estão fazendo, o que torna a trajetória de carreira dele desde a saída do One Direction uma das mais curiosas de acompanhar.

(aliás, nem dá pra lembrar, apenas se você for fã e não apenas um ouvinte comum, que algum dia Harry foi membro do One Direction. Parece um artista completamente diferente pra mim)

A música tem umas quebras de expectativa que numa rádio top 40 podem causar alguma estranheza, mas em outros charts (como o adulto ou o rock) funcionam perfeitamente. Ao mesmo tempo, “Lights Up“, com seu refrão feito em coro, versos crípticos e universais e um clima de elevação e liberdade, é a faixa perfeita para ser cantada em festivais.

Ou seja, o rockstar continua vivo.

Katy Perry - Harleys in Hawaii.png

Katy Perry, “Harleys in Hawaii” (lançado em 16/10)

Lembram-se de que eu tinha feito há muito tempo atrás um vídeo sobre a carreira da Katy Perry, onde eu não conseguia ver bem qual seria a função ou espaço dela dentro da landscape musical do momento? Então, como boa parte desses problemas estão relacionados ao descolamento da imagem dela em relação à música que ela fazia/faz, neste momento, a impressão que eu tenho é de que Katy está tentando colar novamente a imagem com um pop mais puro, e uma imagem mais divertida, mas sem ser paródica. Dessa forma, surgem os melhores materiais que ela lançou desde a parte boa do “Prism”, o que se inclui “Harleys in Hawaii“, uma faixa deliciosa e que poderia facilmente ser lançada no verão como aquele single perfeito para um fim de tarde com o love.

Entretanto, há um sério problema com essa música: ok que ela poderia lançar no verão, mas dentro de um contexto maior, de uma era, em que Katy já teria lançado um CD, um conceito, uma ideia sobre o que ela pretende fazer musicalmente. HiH parece a faixa terceiro single de um álbum já lançado, que todo mundo conhece as músicas e a era de coração (como foi no tempo de “Teenage Dream”, por exemplo). Nesta era (se assim podemos chamar) da Katy, todas as faixas parecem jogadas ao vento, o que é um desperdício para um material tão bacana (especialmente “Never Really Over”, um petardo pop que merecia uma sorte BEM, mas BEM melhor).

Eu não sei, sinceramente, qual o próximo passo da Katy – se teremos álbum, se será um compilado de canções lançadas, se estamos ouvindo um EP ou teremos uma grande surpresa – mas sinceramente eu não sei como qualquer estratégia de carreira se aplica especialmente no pop playlist de hoje (ou seja, música que serve mais como background)… Ou o pop que ela faz ficou em 2010.

Aí gera minha pergunta: será que Katy Perry perdeu o bonde da história com o “Witness”?

Selena Gomez, “Lose You To Love Me” (lançado em 23/10)

Selena Gomez - Lose You to Love Me.png

Finalmente Selena Gomez conseguiu seu #1 na Billboard com uma balada sentimental, evocativa e cheia de mensagens subliminares sobre um certo ex e sua atual esposa, após um período de carreira solo em que Selena se metamorfoseou de uma ex-Disney Star buscando uma carreira solo no pop para alguém com um material absolutamente intrigante e perfeito para a voz que ela tem.

Entretanto, o minimalismo que sempre foi bastante presente em seus materiais a partir do “Revival”, tanto vocal quanto em batidas, produções e a “vibe” do material se perde um pouquinho em “Lose You to Love Me“, o single que chegou ao topo da Billboard. Co-escrito pela dupla Julia Michaels e Justin Tranter, a música tem todas as características do som que os fez os hitmakers mais procurados há alguns anos. Entretanto, mesmo com o frescor da letra com caráter pessoal, as batidas marcadas, a escolha da interpretação e a produção, mesmo com um ar mais épico no refrão, GRITAM 2017. A balada não é exatamente groundbreaking (exceto pela letra) e tudo me parece meio datado.

O #1, provavelmente, foi graças ao buzz do retorno e o apoio da fã-base, porque os predicados da canção não exatamente colaboram para este resultado tão bom.

… E a propósito, o segundo single (surpresa), “Look at me Now“, consegue ser menos interessante ainda que LYTLM. Confesso que, enquanto ouvia o som pop eletrônico da música, senti falta da Selena do “Revival” e da que lançou “Bad Liar” (INJUSTIÇADA!!!) e “Fetish”, que funcionava num mundo diferente de outras peers. Fico contente que ela está buscando uma linha mais pop direta ao ponto, sem genre-bending, fiel às suas raízes, mas a música é tão… anticlimática…

Dua Lipa – “Don’t Start Now” (lançada em 31/10)

Dua Lipa - Don't Start Now.png

O primeiro single do segundo álbum da cantora britânica é bastante distinto do que ela já vinha trabalhando nos singles do debut – que eram mais pop, sem tantas influências (exceto por “New Rules”) – mas é audível que “Don’t Start Now” é uma continuidade do som que já estávamos ouvindo da Dua em seus featurings (“One Kiss” e “Electricity”, que eram mais dance, house, anos 90). Entretanto, o novo single busca referências mais anos 70, mais disco (ouça o pré-refrão e o instrumentalzinho curto após o segundo refrão), conversando com essa pegada dance anos 90 – e o encontro é um SMASH!

Eu amei a música, e não apenas porque eu gosto de música disco hahaha mas porque Dua funciona nesse som – ela tem a voz de diva dance, ela funciona nisso, tem o volume, tem algo que chama atenção e uma certa ironia na interpretação (bem britânico) que fica bem melhor do que fazer a coitada dar uma de estrela pop no padrão anos 2000 ao qual estamos acostumados. A faixa é gostosa, vibrante, não sei se o pré-refrão ou o refrão são a melhor parte da música, mas sinceramente? Uma das melhores coisas lançadas neste fim de ano, e se a próxima sonoridade pop brincar com house 90’s e disco 70’s, pode me chamar que tô feliz.


Agora é com vocês: quais foram as faixas favoritas de vocês neste último período? O que recomendam de lançamentos do pop neste fim de ano? Fiquem à vontade para comentar!

Podcast Duas Tintas de Música #01 – Pré-VMA querendo ser relevante

Alá Marina Teixeira tentando manter o blog vivo, e sabe o que ela decide fazer? Um PODCAST, já que é menos problemático para meu notebook de sete anos de idade editar áudios do que vídeos, por isso, tomei a decisão de produzir podcasts mensais.

No programa de hoje, vou falar sobre “Motivation” e “Lover” (o single) (03:08); o top 10 da semana que passou (11:47); os indicados ao VMA que ocorre nesta segunda-feira, dia 26/08 (28:48) e um papo bacana sobre Kpop com minha amiga Shi, que acompanha há bastante tempo a cena e vai contar um pouco sobre suas impressões do kpop no VMA (01:15:51)

É só dar play e aproveitar! (p.s: esta semana tem resenha do novo álbum da Taylor)