Qual o futuro da música pop americana?

Nos últimos dois anos, a música pop americana passou por fases interessantes, que vínhamos chamando de um “período de transição”. Em primeiro lugar, quando discutíamos sobre a desconstrução de alguns estilos, a disputa entre “integrados” e “puristas” – quem queria produzir algo fora das caixinhas versus quem fazia um pop mais alinhado a ressignificar as tendências para a rádio top 40; e mesmo assim, o rap continuou (e continua) sendo o gênero mais importante dos últimos anos, o gatekeeper sonoro do público americano.

Além disso, outro elemento está tornando as músicas que são lançadas nos Estados Unidos passíveis de serem hits ou não: se elas se tornam virais no TikTok, a rede social comandada pela Geração Z, meninos nascidos a partir de 1995 até meados de 2010, e que acabam determinando as tendências musicais através das músicas que eles usam para os desafios, dublagens e trends.

Mas, para avaliarmos se as tendências atuais vão continuar por algum tempo – que na verdade não vão continuar por algum tempo, porque tudo é cíclico – ou se finalmente o pop encontrou um percurso, é hora de entendermos um pouco sobre quais são os caminhos que o zeitgeist da música pop americana vai seguir.

Em primeiro lugar, é hora de colocar as coisas em seus devidos lugares. Afinal de contas, quais são os três caminhos que a música pop americana está seguindo neste momento?

1. O rap ainda continua sendo o gênero mais importante da música norte-americana – mas os #1s deste ano contam uma história distinta;

2. Kpop e Reggaeton fazem parte de um movimento que envolve adolescentes e novas formas de consumo musical, bem como grupos demográficos cada vez mais relevantes culturalmente nos EUA – apesar do top 10 não refletir de todo essa perspectiva;

3. O pop norte-americano ainda não sabe para onde ir, mas tem caminhos.

E que caminhos são esses? Eles estão relacionados aos novos artistas do momento, e podemos resumi-los com o

O bedroom pop na verdade é a música lo-fi, canções produzidas com aspectos minimalistas, algumas distorções, e de preferência são realizados dentro de casa, dentro do quarto (daí o termo “bedroom pop”). Com algumas batidas mais destacadas, às vezes marcadas pelo hip hop, se você fizer uma leitura por alto vai entender que eu tô falando de Billie Eilish.

Eu tinha comentado em outra oportunidade que, para mim, era uma representante óbvia de uma tentativa de desconstruir a ideia do que era pop americano, mas aos poucos com os últimos lançamentos (incluindo a acústica “Your Power”, do seu novo álbum), a gente vai enxergando que a área dela é algo mais minimalista e lo-fi, mesmo que ela não seja a primeira a mostrar isso. Mas o fato é que essa sonoridade sendo mais expandida (e premiada com Grammys) abre espaço para que artistas mais novos (ainda mais que a própria Billie) tenham espaço para fazer algo mais “fora da caixinha”, como por exemplo a queridinha dos adolescentes, Olivia Rodrigo.

“drivers license”, seu #1 e o maior hit do ano, parte desse princípio, de produção mais minimalista, com algumas distorções. No seu segundo single, “deja vu”, mais animado até, a produção tem mais informações, mas não há um overproducing, são soluções bem bacanas e bem trabalhadas. Apenas em “good 4 u”, terceiro single e com pegada pop rock anos 2000, você percebe algo maior (e, apesar das boas intenções, eu achei que o arranjo ficou maior do que a voz da própria artista). Onde em som você percebe alguns passos para trás no aspecto de produção, com algo menor (não chegando a ser totalmente mínimo como Billie, por exemplo), nas letras você percebe a influência de singers-songwriters que trabalham justamente com relacionamentos, fim de relacionamentos e a capacidade de colocar indiretas em música – Alanis, Taylor. Já na voz, colocação, impostação, o primeiro nome que veio à mente foi a de outro prodígio, Lorde, que de certa forma foi uma das réguas-e-compasso no começo da década para que jovens cantoras e compositoras fossem respeitadas fazendo um som pop que fugisse um pouco do padrão estilo anos 2000 (as minhas referências pessoais de música pop são justamente daí). Com Lorde, há espaço para você ser mais alternativa, mais indie. E até mais mínima (quem não se lembra das batidas secas e marcadas de “Royals”?).

Quem não se lembra de Alessia Cara?

Ou seja, se você já tem um caminho, herdeiros de uma estética, existe um caminho a seguir.

(eu já li algumas pessoas discutindo o pop/rock ser o novo gênero do momento para o pop americano, mas eu sempre penso em: se tiver que acontecer, é necessário que um nome novo faça essa ponte, e não os artistas consagrados. A ver os próximos capítulos)

Eu não sei até que ponto o bedroom pop vai ser o grande momento da música pop americana que vai responder a até então dominância do rap/urban; mas é importante registrar que ainda existem artistas pop trabalhando com essa linha de encontros, como Justin Bieber e Ariana Grande – já considerados A-List, com uma carreira consolidada e pouco prováveis a mudar esse caminho por conta de novas trends.

Sim, teremos encontros especialmente porque esses artistas em sua gênese tem influências e bom trânsito entre artistas de rap e urban, e até que o que era centro vire nicho (O que eu duvido que isso ocorra, acho que o gênero só terá menos dominância), eles ainda serão muito relevantes e consistentes, se atualizando sempre. Aliás, o #1 de Justin Bieber em 2021, “Peaches”, mostra um bom exemplo dele fazendo pop com pegada R&B, mas com um olhar para as rádios top40 (aliás, a música tem uma batida excelente, apesar da letra mais ou menos), com uma sonoridade fresh, sem parecer datada ou cansada.

Ainda não é possível ver artistas mais novos olhando para Bieber ou Ariana como referências e você dizer “nossa, ele é o novo Justin”, e aí é que reside meu questionamento – quem participa dessas interseções vai prosseguir, ainda sem “herdeiros”, mas quem está “nos extremos” já tem seguidores. Ainda temos rappers surgindo e se consolidando: entre as mulheres, por exemplo, Doja Cat é o nome do momento, Megan Thee Stallion, Saweetie. No pop americano, não temos esse surgimento aos montes, de artistas novas, como na virada da década de 2000 para 2010 onde a cada respirada você descobria a “nova Lady Gaga”.

Antes de Olivia Rodrigo emplacar três top 10 na Billboard, quem foi realmente a grande coqueluche feminina pop de artista estreante? Okay, você pode falar “Billie”, mas a distância é grande demais para significar um retorno.

Antes de Billie, quem foi a grande coqueluche feminina pop? Muito provavelmente Meghan Trainor em 2014, se não me engano.

(antes, vamos tirar quem pode ser A-List atualmente, mas precisa apresentar mais consistência, como Dua Lipa e Harry Styles)

Então… Se Justin Bieber e Ariana Grande podem ser considerados os A-Lists da música pop americana atual, quem estourou na virada da década passada ou nas décadas anteriores seria o quê exatamente?

Vamos pensar nos nomes mais óbvios:

Lady Gaga conseguiu retornar a um estado de relevância com “Chromatica”, mas de fato não foi o álbum que todo mundo esperava que fosse o grande retorno de Gaga ao mundo pop. Considerando que ela está dividida na carreira de atriz e de cantora, 0a minha sensação é que hoje em dia ela é uma artista de legado, bastante confortável em sua posição, e que não vai ter os mesmos #1’s do passado, mas jamais vão considerá-la um grande flop caso lance algo novo, porque vamos dizer que ela conseguiu recuperar seu momento e melhorar a imagem após um meio de década confuso.

Katy Perry vai permanecer sempre lançando um bom single, bons trabalhos dentro do pop, mas infelizmente, graças a escolhas ruins de carreira (maldito “Witness” e seleção de singles do “Prism”) o bonde da história acabou sendo perdido.

Kesha entra nesse mesmo grupo, mas não por conta de suas próprias escolhas.

Entre os homens, podemos dizer que The Weeknd finalmente chegou lá no topo. Abel provou sua versatilidade tanto no pop quanto no R&B, deixando sua marca neste último como um som condutor para muita coisa que se ouve hoje na cena. Não dá para saber quais são os próximos passos dele como artista após “After Hours” mas o que podemos dizer é que ele mostrou apelo visual e musical para todos os públicos, fazendo a gente olhar ou ouvir algo dele e dizer “ah, isso aqui é The Weeknd”. Podemos colocá-lo como um A-List atual também, mas numa lógica de construção de carreira muito diferente de Ariana Grande e Justin Bieber.

Pensando em outro #1 lançado este ano, Bruno Mars com o Silk Sonic e “Leave The Door Open” (alto nível de produção, estrutura e sofisticação no arranjo) é um caso um pouco mais complexo, já que ao contrário de outros artistas, a sonoridade dele nunca foi atrás do gênero do momento – você entendia que existia uma consistência no trabalho dele ao buscar como base o passado, até mesmo em seu primeiro álbum, onde o toque retrô é mais sutil.  Considerando que ele já tem dois AOTY  e o respeito dos peers, em tese ele pode lançar e trabalhar no que quiser – e faz sentido expandir seu trabalho com um super grupo, Silk Sonic, em parceria com o rapper Anderson Paak (ainda bem que os ouvintes casuais têm a oportunidade de conhecê-lo!), fazendo um trabalho paralelo. Só que, boom, “Leave the Door Open” foi hit, a música é trend no Tik Tok (para minha surpresa), e esse caminho mais consistente dele vai mantê-lo numa posição de A-List por um bom tempo – e com Bruno, temos a mesma situação de The Weeknd de você bater o olho ou ouvir uma música e dizer “ah, isso aqui é Bruno Mars”.

(ah, e essa estratégia de “lançar um álbum a cada copa do mundo”, impensado em tempos atuais com superexposição em redes sociais, só funciona com ele porque é parte da construção de carreira dele. Um Harry Styles não vai poder fazer isso… Ainda)

Uma dúvida que me consome é como Justin Timberlake vai entrar nessa jogada, já que seu último álbum foi um grande fracasso (então, o álbum é ruim né…). Eu estava pensando nisso porque como ele vai voltar? Com qual público ele vai conversar? Em especial porque esse público novo poderia consumi-lo por nostalgia anos 2000 (seja pela época do NSync ou pela primeira parte de sua carreira solo) ou seria um consumo crítico, graças a todas as questões com a comunidade negra desde a situação com Janet Jackson.

Agora… Eu não sei o que esperar de Rihanna. Seu último foi lançado em 2016, e de lá para cá a música mudou tanto a forma de consumo, as mídias sociais mudaram tanto a linguagem e a forma de produzir conteúdo (bem diferente de como RiRi se movimentava no começo da década, onde o que ela postava no Instagram era sempre viral) que é muito difícil entender se Rihanna consegue funcionar dentro dessa nova estrutura ainda mais superexposta que lá atrás.

O fato é que o “estilo Rihanna” de cantar e as suas interseções com urban já foram incorporados ao léxico do pop; então o seu retorno, como o comeback de uma artista que estava há alguns anos fora da cena, pode soar algo datado ou, a depender de como ocorra, seja o grande momento do século. Mesmo que Rihanna também tenha músicas dela participando de trends do TikTok, não dá para pensar na reação das pessoas em como ela vai voltar – e qual sonoridade ela trabalhará. Confio nela porque Rihanna sempre enxergou além em relação ao som pop, mas ainda assim é uma interrogação.

Tá, e Taylor Swift e Beyoncé? Se formos pensar em Beyoncé, a gente não conta. Ela é uma lenda viva mesmo que ela não lance um single avulso, um longo álbum; mas qualquer coisa que ela lançar vai trazer buzz, independente do formato – vai que a mulher lance o próximo álbum em quatro episódios de um documentário no Disney+ né…

Taylor também fica de fora dessa discussão pra mim. Eu acho que tanto ela quanto Beyonce estão na categoria de lendas, que passaram por poucos momentos complicados no seu percurso de carreira, e se mantém em alta e fazendo sucesso, não importando o que lancem. Atualmente, ambas são ícones que servem de exemplo a serem seguidos, e não precisam provar nenhum ponto, tampouco sua relevância. Então, você não tem como exigir delas que os seus trabalhos sejam sempre #1 e recordes de vendas. Mas trabalhos FODAS, você terá.

O pop americano tem caminhos a seguir. Ele não está mais em meio ao fogo cruzado entre ser o gênero esquecido por conta do gatekeeping do rap, ou tentar se unir a outros gêneros bem-sucedidos para manter a relevância. Existe um percurso, e artistas tentando seguir esse percurso; além disso, os grandes astros que estouraram na década passada, bem como aqueles que se mantém na mídia desde meados dos anos de 2010 ainda possuem uma carreira consistente, não deixando a peteca cair.

O que deve ser mais curioso a avaliar é a partir de 2021 para os anos seguintes: teremos esse caminho aberto pelo lo-fi music (ou bedroom pop), casado com artistas influenciados pelos A-Lists e ícones atuais? Os artistas com mais rodagem vão se manter, mesmo que com menos relevância, ou aos poucos ficarão mais nichados, sendo ouvidos pelos fãs e grupos de ouvintes do pop, longe dos ouvintes casuais? Nessa última situação, quem conseguiu se manter no auge com poucos erros na trajetória, hoje colhe os frutos desse legado, seja sendo um mentor,  um ícone em quem se espelhar, ou seguindo um percurso onde riscos podem ser tomados, e poucos podem fazer – tendo bala na agulha, aclamação e uma boa gravadora pra segurar seu B.O.

Já os jovens A-Lists do momento já tem trajetória e escolhas sonoras consolidadas. Agora o desafio é descobrir qual é o novo (ou velho) som que pode finalmente tornar a disputa de espaço não mais um domínio, e sim uma batalha.

Grammy 2021 [1] – Pop Field

Eu tinha prometido entregar esse vídeo ontem (19/12) – tanto que até cito a data no vídeo (não ajustei para manter o charme haha) – mas hoje tem vídeo sobre o Grammy!

O papo de hoje é sobre o Pop Field, onde eu comento um pouco sobre os indicados, explicar porque não gostei do cover de “September” feito por Taylor Swift, tento destrinchar o motivo de Justin Bieber não ter sido indicado no field R&B e lanço algumas teorias relacionadas aos prováveis vencedores do Grammy 2021… Ou 22?

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Álbuns Atrasados – Ariana Grande, “Positions” e Miley Cyrus, “Plastic Hearts”

Duas artistas que começaram em posições bem similares – programas de TV destinados ao público adolescente; duas trajetórias de carreira distintas. Solidez, inquietação, identidade forte e uma busca pela identidade.

Ariana Grande e Miley Cyrus estão em momentos diferentes da carreira e lançaram álbuns recentemente, com resultados diversos e temáticas idem. E neste vídeo, sobre álbuns que eu (Marina Teixeira) deveria ter resenhado mais cedo, explico o que mais gostei ou não de “Positions” e “Plastic Hearts”, além de falar um pouco sobre:

– Cansaço x Identidade

– Ser eclético tem limites

– Trilha sonora de loja de departamentos

– E sons de televisão na sala e avião surgindo no meio do vídeo

Apesar de saber que serei muito criticada por este vídeo, espero que gostem!

MUITO DIFÍCIL ARIANA GRANDE ERRAR EM UM LEAD

(e não foi dessa vez que ela errou…)

Se tem uma artista que sabe escolher leads, essa pessoa é Ariana Grande. Desde que surpreendeu a todos com um pop/R&B cheio de personalidade em “The Way“, ela fugiu do pop/rock e dance que as colegas saídas de programas de TV juvenis na mesma época adotavam. Um diferencial, além de trabalhar com nomes fortes desde o começo da carreira (não é qualquer uma que já tem BABYFACE produzindo pra você no debut), que fez com que a carreira dela sempre fosse vista de uma maneira mais cuidadosa em relação a outras estrelas da mesma geração.


Com leads que vão mais ou menos na mesma proposta do som que Ariana sempre demonstrou ter mais simpatia e identificação (“Problem“, “Dangerous Woman“, e mesmo as pops “No Tears Left to Cry” e “Thank U Next” eram a embalagem de álbuns com influência pop e R&B), não é de se surpreender que o novo single da moça, “Positions“, do novo álbum que será lançado nesta semana (30/10, gente rápida é assim) tenha a mesma linha. No entanto, Ariana sempre se mantém fresh, nunca errando em seus leads (mesmo que eu particularmente não seja a maior fã de “Thank U, Next”, o fato é que não tem outra faixa por ali que seja abertura de era com a mesma habilidade que esta), especialmente quando o novo single é tão gostoso de ouvir, mantendo o ar comercial ao mesmo tempo que sendo muito bem feito e produzido.

Com uma levada anos 2000 (até fui caçar se tinha produção de Stargate) e uma certa dose de atualidade com o delivery mais trap, tem guitarrinha na levada e até violino, indicando que provavelmente a nostalgia continua (gente, 2000 tem 20 ANOS), mas com um toque bem moderno, onde nostalgia é apenas uma doce memória.

A letra é fácil e o refrão é grudento até cansar, na terceira ouvida você já canta fácil “switching the positions for you” – e a duração curtinha tem um objetivo: STREAMS, porque se tem alguém fora do rap que entende perfeitamente o que é lançar música atualmente… Ariana Grande lê muito bem o mercado, mas consegue ao mesmo tempo produzir músicas BOAS de verdade sem comprometer sua própria personalidade. Aliás, eu deveria parar de me impressionar em como ela é uma artista incrível, mas não consigo. Ariana está chegando ao SEXTO álbum, e não há mostras de que o material lançado desde o primeiro CD tenha algum momento que caiu para subir. Ela vai melhorando, moldando o som e sendo mais ousada em suas escolhas artísticas e escolha de produtores (“Sweetener” é o maior exemplo disso) mesmo dentro do estilo que ela gosta; e existe a busca por subir, crescer e melhorar. Imagina o que tem no álbum…

No geral, “Positions” já é uma das melhores músicas do ano – e o ano foi repleto de ótimas faixas, e vou adiantando que isso aqui é lock em Pop Solo no Grammy haha

Ariana Grande imagines life in the White House in 'Positions' video - CNN

A única coisa que eu realmente não curti do lançamento foi o vídeo, dirigido por Dave Meyers, que já virou o novo parceiro artístico de Ariana. Produção boa, elementos técnicos ok, mas eu esperava um vídeo mais literal, de acordo com a música. Sério, algo que fosse sexy e romântico, Netflix and chill, e a música merecia algo assim, e não algo apenas divertido. Tanto que eu prefiro ouvir a faixa e não ver o vídeo – e olha que não tenho muito problema em vídeos que não conversam com a letra da música, mas a produção é tão gostosa, orgânica, que o vídeo poderia acompanhar esse espírito… Mas enfim, opinião pessoal (e que provavelmente não deve ser lá muito popular)… e vocês?

O que acharam do novo single de Ariana?

hora de incluir “folklore” na sua playlist da quarentena

(post em lowercase porque vamos seguir o tema)

eu já comentei anteriormente sobre álbuns que parecem feitos para encarar o caos que se tornou 2020 (veja aqui) e como estamos em meio a um cenário pós-apocalíptico que nos incentiva às vezes a esquecer os problemas e nos dá o direito de nos alienar por alguns instantes. no entanto, às vezes é importante nos dar outro direito: o de lamber as feridas, de sofrer, nos enlutar, de relembrar o passado, de buscar conforto na nostalgia, de procurar nas memórias mais felizes o caminho para o amadurecimento pessoal, a fim de encarar a merda do dia seguinte.

mas este período em questão, para quem é artista ou trabalha com conteúdo, também se converteu em concentração, inspiração e uso da criatividade como válvula de escape. como escritora, nunca produzi tanto no wattpad (e olha quantos vídeos eu fiz para o canal). taylor swift, por sua vez (meu pai eterno, eu me comparando à taylor swift) optou por lançar um cd despindo-se de superprodução, focando em storytelling e imagens construídas na mente – cinematográficas – além de maturidade na caneta. e quando taylor swift senta para escrever, senta que lá vem história.

folklore“, o oitavo álbum em sua discografia, é espetacular – provavelmente seu melhor trabalho, após momentos irregulares de sua trajetória com o “reputation” e o “lover”, mostra não apenas uma artista consciente de sua capacidade e elasticidade sonora e lírica, como também é uma prova de pico criativo. álbum que sai da caixa pop (e sai mesmo, não é fácil achar singles prontos para as rádios aqui) e trabalha com pouquíssimos produtores e compositores (incluindo o já cansado jack antonoff) num clima mais indie-pop e folk, taylor também brinca com a própria voz, com tapeçarias e camadas que fazem desse trabalho também bastante cuidadoso.

e, para minha surpresa, 16 músicas que não são fillers.

“folklore” me lembra muito um álbum famoso lançado em 2015, o “25” da adele – não em som, evidentemente, mas no sentimento evocativo, de memória. ouvir as músicas desse álbum é navegar em memórias, histórias de outras pessoas (já que taylor canta sobre “personagens”, pessoas criadas para conduzir as canções) que parecem nossas, mesmo que não tenhamos vivido. faixas como “the 1”, “seven”, “this is me trying” são histórias que, mesmo não sendo necessariamente contadas no pretérito, parecem contar dilemas e tramas que se passam em algum ponto lá atrás, seja um ponto em que não precisávamos andar de máscara na rua, ou uma parte da nossa infância onde tudo era grande, imenso, mas as rachaduras estavam lá, só não reparávamos. é um álbum bastante próprio para quem chega aos 30, porque é a fase em que a “vida adulta” chega de verdade – com suas conquistas, arrependimentos e esperanças, e é curioso como uma das melhores faixas do álbum, “invisible string”, reflita tanto essa timeline de tropeços e acertos que nos leva ao caminho da maturidade e da reflexão.

em outras faixas, como a primorosa “mirrorball”, essa “memória” é mais sonora – me lembrou muito faixas de pop dos anos 70, com a voz da taylor tendo como backing vocal a própria taylor, num delicioso exemplo de tapeçaria vocal que eu adoro.

claro que o clima de memórias não seria possível se o trabalho de taylor como storyteller não estivesse tinindo. no auge de sua capacidade como compositora, dividindo a pena com um compositor ou sozinha (como em “my tears ricochet”, visivelmente inspirada no b.o. dela com o ex-chefe da gravadora big machine), taylor foca em contar histórias dos seus personagens (os adolescentes apaixonados do “teenage love triangle”, que delicado!, o que é “betty”?; a mulher considerada “maluca” de “mad woman”, a mulher presa em um relacionamento abusivo de “hoax”) e são muito bem realizadas e bonitas.

isso só é possível porque aqui, a melodia – com muitos instrumentos de corda, pouco peso em baterias e outros instrumentos de percussão, ausência da produção carregada de álbuns anteriores – está a serviço da letra, e não o contrário. existem álbuns em que o contrário se aplica, e são bons do mesmo jeito, quando isso é feito de maneira deliberada. o problema ocorre quando a melodia se sobrepõe à letra de tal forma que ela eclipsa a beleza dos versos; e em “folklore”, a escolha por uma abordagem mais indie pop, com influência do folk, ajuda bastante a entendermos e viajarmos em cada história contada.

melodia aqui é importante, mas a letra é mais. e por isso, a melodia serve aos interesses da história. como se fosse a trilha sonora de um filme que você acha que viu antes, mas desta vez você vai gostar do final 😉

“folklore” é um dos melhores lançamentos de um artista mainstream de 2020 e acho que é a conclusão mais óbvia que se pode chegar. é fascinante ver uma artista que encontrou seu pico criativo fazendo algo bacana sem ser trend chaser (que foi uma crítica minha quando resenhei “reputation“), e sim seguindo o próprio fluxo, fazendo o que gosta e confortável com o próprio som. você vê que taylor não tá lutando com a música que tá fazendo.

se estamos discutindo aqui desde sei lá quando o atual estado do pop, onde o gênero não é mais “o gênero” e quem está trabalhando nele precisa ou lutar contra a maré ou surfar junto com a onda, estamos enxergando vários caminhos propostos – mas nunca levamos em consideração um percurso bem importante: não fazer nem um nem outro. talvez seguir os próprios instintos e se deixar levar pela própria criatividade, enxergar o mundo lá fora nem que seja de uma janela e não se preocupar tanto com sua posição dentro do zeitgeitst. e acho que taylor, em seu pico criativo, também pensou nisso.

oras, ela é uma das maiores artistas pop de seu tempo, com uma fã-base fiel e alguns clássicos recentes em sua discografia. neste momento da carreira, ela pode não querer atingir um público que talvez não esteja tão interessado mais nela, ou que ela não tenha mais tanto interesse em atingir. “folklore” é o resultado de maturidade, reflexão e criatividade afloradas, e o resultado é excepcional.

O problema com a mudança no Grammy de “Urban Contemporary” para “Progressive R&B”

O Grammy fez uma importante mudança nas últimas semanas no nome de uma de suas categorias: o prêmio de álbum de Urban Contemporâneo se transformou em R&B Progressivo, e neste vídeo, vamos explicar que nomes são irrelevantes. Por quê?

– O urban como formato de rádio, e depois gênero musical;

– Por que juntar artistas que não conversam entre si num gênero “genérico”?

– Quatro minutos de áudio baixinho porque meu celular já tá pedindo adeus;

– E por que mudar para R&B progressivo e nada é a mesma coisa

As respostas você encontra neste vídeo, dê play e descubra!

Coragem – Lady Gaga, “Chromatica”

Demorou um pouco para que eu terminasse de ouvir uma, duas, três vezes, e analisar com calma o “Chromatica” da Lady Gaga, o retorno ao pop da mother monster, e sem fazer comparações com materiais anteriores (como eu havia prometido).

Na verdade, só tentarei inserir um único álbum antigo nesta discussão, e apenas no final. Tentarei apenas focar na discussão sobre trazer Gaga como uma major force novamente no pop, em músicas que trabalham com um estilo que está se configurando como a tendência, mas com uma maturidade que apenas o tempo de carreira dá – e como esse contexto é positivo e ao mesmo tempo negativo.

Por isso, hora de dividir a análise em dois pontos – o BOM e o RUIM:

Maturidade artística nas letras: com as letras mais maduras e introspectivas em anos de carreira, Lady Gaga em “Chromatica” tem uma jornada de recuperação, cura e de autoconhecimento, não apenas como artista mas também como pessoa. Se amar antes de amar o outro, se curar das próprias tensões pessoais, a liberdade das próprias escolhas; a qualidade das letras e o processo de autorreflexão de uma Gaga que já viu e passou de tudo só vem quando você tem uma história na música que te permite escrever exatamente isso. E é tão gostoso ver uma artista escrevendo de forma tão profunda, mas numa estética pop que torna todo o material acima do que está sendo feito no pop atualmente.

Dentro da tracklist, os singles são bons de verdade: Vocês já sabem que eu não sou fã de “Stupid Love” e “Rain on Me”, os primeiros singles do álbum, mas dentro da tracklist, eles funcionam muito bem, e acabam se tornando highlights. O combo dos dois juntos é matador, e passamos boa parte do álbum sentindo falta desse combo.

As melhores faixas são as menos óbvias, mais weird Gaga: materiais como “911” e “Sour Candy” são momentos mais bacanas da Gaga e o que a gente espera quando pensamos no que ela pode apresentar, e em que momento da carreira ela está. Depois disso, o grande momento dela é de fato “Sine from Above”, com Elton John, que apesar de correr na mesma sonoridade do resto do “Chromatica”, tem uma beleza na letra que supera qualquer similaridade melódica com o resto do CD. Exceto por “911”, as outras duas são as músicas com maior potencial de serem singles, apesar de não gritarem HIT MASSIVO e #1 na Billboard (exceto se rolar aquele mutirão gostoso).

Coesão não é fazer um álbum todo idêntico: o álbum tem major production do BloodPop, e ter um produtor meio que coordenando todo o álbum ajuda a manter a coesão. Todo grande álbum precisa dessa mão para apoiar essa condução e não transformar o seu CD num apanhado. Entretanto, a coesão do álbum, visivelmente inspirado no dance anos 90 (que é a tendência musical do momento e outros artistas pop vão acabar se rendendo a essa sonoridade para se diferenciar da dominação rap nos charts), torna-se um problema quando em vários momentos eu pareço estar ouvindo o mesmo CD, e as músicas acabam parecendo trilha de academia. Não foi apenas uma vez que eu me senti ouvindo a música que vou usar pra fazer o supino após a pandemia, e olha que eu odeio música de academia.

Arranjos não valorizam as letras: por conta dessa coesão quase que idêntica, os arranjos acabam sendo aquém das letras que os acompanham. Você tem uma música repleta de ironia e crítica como “Plastic Doll” que fica parecendo um eletropop que eu ouvi na década passada, ou “Fun Tonight” que tem uma letra ótima de break-up song e vira um dance que você ouviu em qualquer lugar. Eu particularmente fiquei bem incomodada, até porque as letras ficam desconsideradas em meio à vibe “academia” do álbum.

43 minutos que duram: todos vocês sabem que eu tenho ASCO a álbuns muito longos. Mesmo com três interludes, “Chromatica” tem 16 faixas na versão standard, e apesar das faixas curtas, algumas com até menos de três minutos, ao todo são 43 minutos que não passam. Parece jogo de futebol 0x0 em que nada acontece. Para um álbum que está o tempo todo em uptempo, com poucas quebras, é um fail – e que provavelmente pdoeria ser resolvido se a tracklist tivesse sido rearrumada de alguma forma.

Too safe for my taste: Aqui vem a origem do título da resenha: “coragem”. Sabemos que Gaga voltou a fazer pop, dance-pop nos termos que ela vinha fazendo antes, e esse material é produzido perfeitamente para que faça sucesso, deixe os fãs saudosos da Gaga pop felizes e seja trilha sonora da vida das pessoas neste momento de pandemia – ou seja, atingindo o grande público. E sabe o que é interessante? Vai funcionar, porque Gaga é uma artista com grande aderência e conseguiu em seus rebrandings, se colocar novamente como uma artista que atinge um público maior do que o fandom.

Entretanto, eu esperava mais. Mais faixas pouco óbvias, mais desconstrução, mais surpresas. Até mesmo mais faixas com cara de single, fico pensando o que ela pode buscar aqui para lançar e prosseguir a divulgação da era. Esperava que o som me levasse a algo sem fronteiras, que me divertisse, que representasse esse colorido que eu esperava que fosse a era (aliás, qual é o conceito MESMO desse álbum?), e por fim, o resultado é bastante seguro – e plenamente compreensível: Gaga não pode errar, precisa pegar o bonde da história e dominar esse bonde, como toda artista que sabe liderar é capaz.

Por fim, o fato é que: depois do “Chromatica”, eu vou valorizar ainda mais o esforço de uma Gaga em 2013 que fez “ARTPOP”, mesmo com tantas questões pessoais envolvidas (e a gente sabe que ela não estava bem na época), mas houve um esforço de fazer um material que continuasse testando os limites do pop que ela mesma construiu, e num ponto bastante incipiente na carreira; e tentando conversar com o grande público de maneira radiofônica.

Na verdade, isso faz com que eu valorize ainda mais “Born This Way” (2011) e o que ela fez tão cedo em sua trajetória. Só acerta (e erra) quem tenta, e talvez a juventude nos faça ser mais corajosos, mais destemidos.

Quando se chega a um certo ponto na vida, pensamos em segurança, e isso é ótimo. De certa forma, eu posso pensar assim porque sou assalariada, mas quando se é uma 11x Grammy Winner e Oscar Winner que indiscutivelmente é uma lenda de sua geração, essa segurança é uma faca de dois gumes. Pensando numa trajetória repleta de altos e baixos, de rebrandings e renascimentos, Gaga faz certo porque entrega o que os fãs querem ouvir e a recoloca de maneira segura (de novo) dentro de um contexto pop onde o que ela representa não é mais o discurso principal; mas para quem tem esse currículo, a gente espera muito mais.

Mas minha opinião é só uma opinião gente – “Chromatica” vai concorrer a uma caralhada de prêmios.

Se te faz feliz… – “Rain on Me”, Lady Gaga feat. Ariana Grande

Em alguma thread ou post que eu fiz em algum lugar por aqui comentei sobre “being a leader or being a follower”. Se nunca comentei, hora de falar.

Algum artista famoso falou certa feita (digo algum porque realmente não lembro haha) que existem líderes e seguidores. E realmente, existem artistas que são líderes: eles definem tendências, são pioneiros, escancaram as portas para o resto passar e são reconhecidos por isso. Já outros são os seguidores – quem segue a moda, quem está sempre na zona de conforto e não vai sair dela. Está sempre esperando a porta abrir para ele passar.

E também temos os lobos solitários que fazem o seu, fazem sucesso e seguem sua carreira sem maiores tribulações.

Hoje eu vim falar de uma LÍDER, que surgiu escancarando portas e repensando a cultura pop de seu tempo: Lady Gaga, que hoje lançou o segundo single do novo álbum “Chromatica”, a dançante bem house anos 90 “Rain on Me“, com o featuring de Ariana Grande.

Lady Gaga - Rain on Me.png

Uma faixa própria para as festas em boates, caso estivessem abertas e não estivéssemos em meio a uma pandemia mortal, “Rain on Me” segue a linha apresentada por “Stupid Love”, mas aqui com a influência do dance early 90s bem mais forte, as clássicas faixas que merecem vozes poderosas. O que eu achava que seria bastante estranho – o encontro entre as vozes de Gaga e Ariana, já que a abordagem da primeira é mais raspy, rock até; enquanto a segunda tem um trabalho mais pop, suave, com influência R&B, ficou muito bom. As duas funcionam bem juntas, especialmente quando na segunda estrofe da Ariana, a resposta da Gaga ficou bastante melódica e gostosa de ouvir.

Outro ponto que funcionou bem na música foi a letra, que é simples e efetiva, sobre recomeços, renascimentos e o sentimento de carpe diem. Aqui também temos duas abordagens líricas diferentes, mas que também funcionam bem – e mostram que as duas estavam juntas no processo de composição da faixa.

Agora… Vamos aos problemas: ouvi uma, duas, três vezes a música, porque apesar da letra ser bacana e da interação entre as duas artistas ser bem resolvida, havia alguma coisa que não me amarrava, não me conectava – e considerando que o segundo single é a música que não apenas reforça a ideia principal do CD, como também carrega as vendas do álbum, precisa representar muito bem e ser explosiva o suficiente para tornar o seu CD uma experiência fascinante. E em todas as vezes, sabe qual foi a impressão que “Rain on Me” me deu?

On the nose: sabe aquela faixa que diz “olha, eu sou retrô viu? SABE, EU SOU RETRÔ, olha minhas influências!” e ao invés de ser uma experiência divertida ouvir uma faixa visivelmente inspirada em sonoridades de décadas passadas, parece até que é um atestado de “olha como sou musicalmente inteligente” e a música passa por apática, asséptica – porque é apenas uma experiência, uma tentativa de soar “antiga”, mas sem abraçar de fato as nuances e levá-las na alma, conseguindo brincar e trabalhar com naturalidade com esse som.

Gaga fez isso muito bem no “Born This Way”, quando puxa referências anos 80, dance, disco, envolvendo tudo em instrumentais carregados e quase rock ‘n roll.

Comparando com um artista que fez agorinha mesmo um álbum com referências antigas, The Weeknd consegue usar as referências anos 80 em “After Hours” de uma forma extremamente fluida.

Material aquém da Gaga: se você passou pelas várias fases da carreira de Lady Gaga logo após explodir com um material que até hoje é melhor do que 90% dos lançamentos atuais, eu espero excelência. “Rain on Me” não entra nem na edição Target do ARTPOP, sinceramente. Eu espero LADY GAGA, não um material que há sete anos atrás ela sequer usaria e viraria descarte.

Pra mim, essa não é uma atitude de uma artista líder. E sim de uma follower. Ou no mínimo, uma estrela que deseja mostrar que ainda há lugar para ela dentro do zeitgeist atual, mas não da forma que uma líder deve fazer.

E isso me preocupa: a volta ao pop dela parece mais uma volta ao pop para os fãs e a galera que acompanha música, e não para o público no geral – é claro que as pessoas neste momento estão se importando em não morrer, mas antes disso, havia uma busca, uma agonia por novos álbuns e artistas que mostrassem que o pop tinha um caminho, mas… Nossa, “Rain on Me” é o típico top 10 que chega ao top 10 pela força das fã-bases e não exatamente por um crescimento orgânico, por ter sido abraçada por todos os grupos.

(Aliás, qual foi a última canção que você imagina ter sido realmente abraçada organicamente por todos os grupos e chegou ao topo porque foi um sucesso absurdo em todas as plataformas e uniu consumidores de nicho e público em geral, e não porque porque fizeram mutirão de streams?)

O vídeo: o vídeo provavelmente resume o ponto de “leaders and followers”: eu pensei que não teria quase o mesmo tempo da música, e considerei o look inicial com a faca na coxa bem mal aproveitado. De resto, é um vídeo que eu, como consumidora que não faz parte de nenhum dos dois fandoms, não veria outra vez; achei que a paleta de cores merecia mais vibração, um colorido, até porque a letra da música passa um certo sentimento de júbilo; e sinceramente? Não faça duelo de coreô quando seu forte não é coreografia. Gaga é competente na dança – o forte dela sempre foi um movimento repetitivo que nascia icônico (como em “Bad Romance”, por exemplo) – mas não é o suficiente para segurar três minutos de vídeo dançando; o mesmo vale pra Ariana. Além disso, eu entendi que o foco visual da era é essa coisa meio ficção científica, distopia futurista com ar low-budget, mas é possível fazer isso e soar épico. Você é LADY GAGA. Uma de suas marcas registradas são os clipes elaborados, com referências pop bacanas e divertidas, com forte replay value e hype.

Se os dois vídeos que eu vi representam que é essa Gaga pop a qual teremos de nos acostumar, então me informem para que eu pare de comparar com aquela de 2009-13; e isso inclui as músicas também. Se o material que ela apresentou é Lady Gaga hoje, e são essas as músicas que passaram pelo corte final para fazerem parte do seu novo álbum, não comparo mais. Vou focar em ouvir o que ela me apresenta hoje. Nem vou comparar com materiais recentes porque o “Joanne” é um ponto fora da curva do que a Gaga sempre fez e a trilha de “A Star Is Born” é uma comparação injusta – não porque eu queria que ela fizesse aquele som. Não, eu queria que o esforço de qualidade que ela buscou naquele álbum se repetisse aqui.

O triste é que ela mesma colocou o sarrafo lá em cima VÁRIAS VEZES, e eu espero sempre o mais FODA porque Gaga é parte importante de um período bem legal da minha vida, e ela é parte desse meu processo de formação consumindo cultura pop.

Mas, se faz os fãs felizes… Quem sou eu para criticar né?

A famosa carta de Lana del Rey

Todo o stan twitter acordou com aquela boa e velha intriga digna dos bons tempos pré-quarentena: Lana Del Rey publicou uma carta em seu instagram questionando a forma como sua música era criticada por suas temáticas, focando em relacionamentos abusivos, e questões emocionais sérias. Todos sabemos que discussão de relacionamentos tóxicos é parte do liricismo de Lana, incluindo as simbologias relacionadas ao American Way Of Life, que parecem bastante nostálgicas, mas sempre considerei que havia uma crítica, uma ironia dentro do discurso.

Pois bem, o que rendeu B.O. foi justamente o primeiro parágrafo, onde Lana cita nominalmente artistas como Doja Cat, Ariana Grande, Camila Cabello, Cardi B, Kehlani, Nicki Minaj e Beyoncé, por terem chegado à primeira posição com músicas de cunho sexual, enquanto ela canta também sobre assuntos considerados “problemáticos” e é criticada.

Como eu tinha dito nos tweets iniciais sobre esse caso, o problema dessa carta é: é compreensível a chateação de Lana por não ser valorizada como artista, mas as artistas escolhidas para fazer essa pontuação foram mal selecionadas e o timing do discurso péssimo.

Por quê?

Vamos dissecar:

Lana Del Rey é uma artista subestimada, ponto.

Toda a estética tumblr pós-2012 e essa coisa meio moody, as vozes meio oníricas, com certa impostação, se devem muito à Lana. Não teríamos Halsey ou Billie se Lana não tivesse oferecido espaço para essa linha mais sentimental sem barreiras ou rótulos, mas com uma estética puxada pela internet.

Lana Del Rey - Born To Die (2012, CD) | Discogs

Dona de um conceito artístico forte, você sabe o que Lana Del Rey faz de cara, e qual a sonoridade dela, assim como a imagem. E por isso, acho que a crítica a respeito das críticas às suas letras devem ser direcionadas à indústria, aos críticos, a quem quer que seja, sem nominar outras artistas.

Porque o fato é que: mesmo fazendo bons álbuns, alguns aclamados, isso não se traduz em prêmios. E aí é que está o dilema – especialmente quando uma de suas “filhas” sonoras fez a rapa no Grammy neste ano, e você não chegou lá. Isso provavelmente é doloroso, e deve ser por isso que ela escreve algo como “no entanto, também acredito que isso abriu caminho para mulheres pararem de ‘por um sorriso no rosto’ e simplesmente serem capazes de dizerem o que quiserem em suas músicas”.

E aí é que está o outro problema.

Honestidade em relacionamentos e relacionamentos tóxicos não são primazia de Lana.

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familiares para vocês? Lana não é a primeira nem será a última a falar sobre esse tipo de situação na música pop mundial, e Carly Simon já trollou um ex nos anos 70 (“You’re So Vain”), então a tradição de female singer-songwriter usando música como diário de merdas que os homens fazem em suas vidas é tão antigo quanto escrever músicas.

O que pode ser creditado à Lana é a estética, como ela empacota os temas e transforma em música, a música que você ouve e diz “isso é Lana”.

Além disso, a seleção de artistas é extremamente problemática, e vamos ao terceiro ponto.

Temos que racializar o debate.

Eu sou uma mulher negra. Todo o debate na minha vida é racializado. Então, não escreva uma rant incluindo em sua maioria mulheres negras que sofrem com escrutínio em suas carreiras – e em seu liricismo da mesma forma que Lana, e até pior, porque são negras… – porque você vai ser acusada de? Isso mesmo, de racismo.

Mesmo com canções que falam de sexo, trair, nudez, como ela citou no primeiro parágrafo, essas artistas são criticadas da mesma forma, e até pior, porque para nós, mulheres negras, qualquer passo em falso somos completamente excluídas de qualquer discurso. Alguém ouviu o nome Janet Jackson?

Janet Jackson Reveals The Secret To Her Happiness In ESSENCE's ...

Ah, e ao responder nos comentários sobre as reações das pessoas a respeito da carta, Lana diz que “ama” essas cantoras, e as conhece, e “there are certain women that culture doesn’t want to have a voice it may not have to do with race I don’t know what it has to do with”.
(há algumas mulheres que a ‘cultura’ não quer que tenham uma voz; pode não ter a ver com raça, eu não sei o que tem a ver”)

Detalhe: tem a ver com raça. Tem a ver com raça o fato de que mulheres negras cantando pop ficam restritas ao field de “Urban Contemporary”, que mulheres negras são o gatekeeper da cultura nos EUA (e aqui no Brasil também), mas nossa estética só é aceita no corpo da branca. R&B feminino só é aceito na voz da branca. Nicki Minaj demorou mais de dez anos para chegar ao #1 mas foi Iggy Azalea quem chegou antes. Tudo tem a ver com raça. Madonna foi execrada no começo da década de 90 com o Erotica e o livro Sex, e toda uma postura altamente sexualizada e extravagante, que assustou os conservadores, mas no final da década voltou a ser a rainha do pop celebrada; Janet Jackson mostrou o bico do seio no Superbowl e foi colocada no ostracismo.

Então, tudo tem a ver com raça. Não dá pra tirar raça do pacote, nem quando você inclui duas cantoras brancas dentro da discussão (Ariana e Camila – esta última latina para os americanos, mas branca da mesma forma), quando em sua maioria, são selecionadas na sua rant mulheres negras que fazem música negra.

No final dos comentários, Lana pontua que ela defende o lugar no feminismo para mulheres que parecem e agem como ela, no sentido de “don’t look strong or necessarily smart, or like they’re in control etc. it’s about advocating for a more delicate personality” (“que não pareçam fortes ou necessariamente inteligentes, ou que estejam no controle; é sobre advogar por uma personalidade mais delicada”). De novo, racializando o debate, mulheres brancas sempre foram vistas como mulheres delicadas, frágeis, enquanto mulheres negras sempre foram colocadas como agressivas, “que aguentam tudo por que são fortes” etc. Essa posição a qual Lana luta já existe desde sei lá, SEMPRE.

Então entramos no ponto que eu acho que é essencial…

Lana é uma ótima artista. Mas sua música não é radiofônica o suficiente para fazer crossover.

Como eu já disse, e já repeti, a estética de Lana Del Rey é bastante visível e marcante, sua musicalidade é fácil de sacar de cara, suas letras são “epa, isso é Lana Del Rey” e sua voz é bastante distinta no meio pop. Lana é reconhecível. Entretanto, mesmo com remixes de suas canções, participações em músicas de artistas mais radiofônicos como The Weeknd, Ariana e Miley Cyrus, o fato é que Lana del Rey não vai fazer o sucesso que ela acreditou que deveria fazer (enquanto outras artistas que, sim, beberam de sua fonte, conseguiram #1 e aclamação) porque ela não é radiofônica o suficiente. O som dela e imagem não vão casar com uma rádio top 40 e vida que segue, sabe? Você pode não fazer sucesso e um top 10 na Billboard, mas ser aclamada no seu nicho, saca?

Confira o clipe de "Lust For Life", de Lana Del Rey em parceria ...

E dá pra sentir isso quando Lana entra numa faixa visivelmente pop (“Don’t Call me Angel”) e fica destoando porque definitivamente não é a área dela. E quando está com um Abel, que navega bem entre o alternativo e o pop, ela fica mais à vontade porque se trata de um artista muito parecido com ela.

(e sabe de uma? se ela faz um crossover pop para atrair o top 40, perde toda a essência de quem ela é, e toda a mística em torno de sua imagem. Fazer algo assim seria fatal para sua carreira.)

Eu acho que uma rant como essa não deveria sequer ser direcionada, ou escrita (a tal “question for the culture” que soou tão ruim, porque “for the culture” é uma expressão muito popular entre a comunidade negra americana) num notes do iPhone, e sim transferida para música – como ela mesma disse no final do texto.

Fale mal, faça indiretas, seja assertiva na sua música, mas sem citar nomes de pessoas que sequer tem a mesma sonoridade que você. Se ela tivesse citado Billie, Halsey, ou Lorde, eu ainda consideraria deselegante, mas teria uma lógica na crítica. Mas Beyoncé, com quase 25 anos anos de carreira? Kehlani, uma artista do R&B field?

Então, minha conclusão é: a carta vem de uma inquietação muito justa – “por que não valorizam minha música e criticam minhas letras, elas vem de um lugar que também deve ser levado em consideração”, independentemente se você concorda ou não com o que Lana escreve – mas a escolha das artistas e o timing foi muito ruim, porque as artistas citadas continuam sofrendo escrutínio pelo que escrevem, pela forma como se comportam – incluindo as cantoras que não são negras e estão citadas no texto.

Além disso, a escolha de palavras, determinadas expressões, precisam ser pensadas de forma muito cautelosa, porque você vai ser acusada de ser uma Karen de forma bem coerente.

No fim, talvez seja mais bacana entender que você é uma excelente artista que pode não atravessar o caminho do “alternativo” para o “radiofônico”, e que é bem melhor assim, porque corre risco de perder quem você realmente é no caminho.

Sugestão? Da próxima vez, transforma em música.

O caminho certo da história: “Daisies”, Katy Perry

Katy Perry Daisies.png

Uma das coisas que sempre me questionei quando se tratava da carreira de Katy Perry era – qual seria o próximo passo da californiana após o fracasso da era “Witness” (tanto visual quanto musical e em imagem perante o grande público), em que ela parecia ter perdido o bonde da história?

Fazer um som puxado pro urban para ampliar a demografia de público seria bastante forçado – mesmo que ela tivesse trabalhado com um faux-trap em “Dark Horse”, mas naquela época, soou bastante arriscado e até maduro, não trend-chaser. Prosseguir com parcerias EDM seria até cruel para uma artista com poucos featurings na carreira (e soaria bem desesperado).

Dessa forma, Katy seguiu low-profile com lançamentos de singles mais avulsos, mas que indicavam um caminho que ela poderia ter seguido lá atrás, após o “Prism” (2013): pop puro, maduro e com o toque de diversão que é característica da própria artista. Tenho lá minhas restrições a “Small Talk“, por exemplo, mas o fato é que uma das maiores injustiças dos últimos anos foi “Never Really Over” não ter chegado a um topo da Billboard Hot 100 ou a uma indicação ao Grammy porque a música é uma raridade – uma faixa moderna, atual e sem vibe retrô.

(digo isso como uma pessoa que quando ouve linha de baixo oitentista já grita MINHA MÚSICA)

Pois bem, Katy Perry continua a seguir a mesma linha, e sendo bastante autobiográfica em seu novo single, “Daisies“, lead do seu novo álbum, que veio com um vídeo simples, bem “vídeo mãezona”, e faz todo o sentido em tempos de pandemia.

Produzida pelo time The Monsters & Strangerz, cujos créditos de composição incluem várias faixas do excelente “Future Nostalgia”, além de produção de vários artistas que passam por Maroon 5 a Bebe Rexha, “Daisies” me lembrou vagamente o arranjo de “Unconditionally” (o que é ótimo), e tem uma letra bem bacana, soando como uma indireta para quem a quis colocar como has-been e fracassada após tudo que ocorreu na era “Witness”

They told me I was out there, tried to knock me down
Took those sticks and stones, showed ‘em I could build a house

They said I’m going nowhere, tried to count me out

Não é um instant hit feito “Roar” ou “California Gurls”, mas “Daisies” provavelmente é uma daquelas faixas que valem a pena ser ouvidas nos tempos de hoje. É a clássica música para dar quentinho no coração e pensar em dias melhores. Além disso, nem sei se Katy ainda quer aquele sucesso absurdo e massivo, que trouxe em troca pressões que a afetaram e a fragilizaram bastante. Ela me parece num momento diferente, em especial com a gravidez, e o vídeo mostra que ela parece bastante em paz consigo mesma.

Minha impressão? É de que este álbum será o melhor trabalho dela, porque finalmente Katy Perry pegou o trem certo para continuar sua história.