MUITO DIFÍCIL ARIANA GRANDE ERRAR EM UM LEAD

(e não foi dessa vez que ela errou…)

Se tem uma artista que sabe escolher leads, essa pessoa é Ariana Grande. Desde que surpreendeu a todos com um pop/R&B cheio de personalidade em “The Way“, ela fugiu do pop/rock e dance que as colegas saídas de programas de TV juvenis na mesma época adotavam. Um diferencial, além de trabalhar com nomes fortes desde o começo da carreira (não é qualquer uma que já tem BABYFACE produzindo pra você no debut), que fez com que a carreira dela sempre fosse vista de uma maneira mais cuidadosa em relação a outras estrelas da mesma geração.


Com leads que vão mais ou menos na mesma proposta do som que Ariana sempre demonstrou ter mais simpatia e identificação (“Problem“, “Dangerous Woman“, e mesmo as pops “No Tears Left to Cry” e “Thank U Next” eram a embalagem de álbuns com influência pop e R&B), não é de se surpreender que o novo single da moça, “Positions“, do novo álbum que será lançado nesta semana (30/10, gente rápida é assim) tenha a mesma linha. No entanto, Ariana sempre se mantém fresh, nunca errando em seus leads (mesmo que eu particularmente não seja a maior fã de “Thank U, Next”, o fato é que não tem outra faixa por ali que seja abertura de era com a mesma habilidade que esta), especialmente quando o novo single é tão gostoso de ouvir, mantendo o ar comercial ao mesmo tempo que sendo muito bem feito e produzido.

Com uma levada anos 2000 (até fui caçar se tinha produção de Stargate) e uma certa dose de atualidade com o delivery mais trap, tem guitarrinha na levada e até violino, indicando que provavelmente a nostalgia continua (gente, 2000 tem 20 ANOS), mas com um toque bem moderno, onde nostalgia é apenas uma doce memória.

A letra é fácil e o refrão é grudento até cansar, na terceira ouvida você já canta fácil “switching the positions for you” – e a duração curtinha tem um objetivo: STREAMS, porque se tem alguém fora do rap que entende perfeitamente o que é lançar música atualmente… Ariana Grande lê muito bem o mercado, mas consegue ao mesmo tempo produzir músicas BOAS de verdade sem comprometer sua própria personalidade. Aliás, eu deveria parar de me impressionar em como ela é uma artista incrível, mas não consigo. Ariana está chegando ao SEXTO álbum, e não há mostras de que o material lançado desde o primeiro CD tenha algum momento que caiu para subir. Ela vai melhorando, moldando o som e sendo mais ousada em suas escolhas artísticas e escolha de produtores (“Sweetener” é o maior exemplo disso) mesmo dentro do estilo que ela gosta; e existe a busca por subir, crescer e melhorar. Imagina o que tem no álbum…

No geral, “Positions” já é uma das melhores músicas do ano – e o ano foi repleto de ótimas faixas, e vou adiantando que isso aqui é lock em Pop Solo no Grammy haha

Ariana Grande imagines life in the White House in 'Positions' video - CNN

A única coisa que eu realmente não curti do lançamento foi o vídeo, dirigido por Dave Meyers, que já virou o novo parceiro artístico de Ariana. Produção boa, elementos técnicos ok, mas eu esperava um vídeo mais literal, de acordo com a música. Sério, algo que fosse sexy e romântico, Netflix and chill, e a música merecia algo assim, e não algo apenas divertido. Tanto que eu prefiro ouvir a faixa e não ver o vídeo – e olha que não tenho muito problema em vídeos que não conversam com a letra da música, mas a produção é tão gostosa, orgânica, que o vídeo poderia acompanhar esse espírito… Mas enfim, opinião pessoal (e que provavelmente não deve ser lá muito popular)… e vocês?

O que acharam do novo single de Ariana?

Que saudade da Cardi!

Cardi B é sempre um evento – não apenas por suas músicas serem viciantes, personalidade magnética, visuais incríveis nos vídeos e todos os momentos virais que ela acaba proporcionando nas redes sociais. Ela sabe como agregar amor e ódio na mesma medida, mas possui uma leveza absurda que a torna identificável. Seus dilemas, rants, os papos, até os live-tweets dela acompanhando novelas turcas são os nossos dilemas, e por isso ela atrai a atenção de tanta gente, não importando a idade.

Após dois anos mágicos, com #1, top 10, parcerias de impacto, polêmicas, casamento, uma filha (a fofíssima Kulture) e um Grammy (o primeiro de Álbum Rap para uma rapper feminina em um álbum solo), Belcalis finalmente está de volta com o lead single “WAP” (sigla para Wet Ass Pussy) com a participação de uma das rappers mais hypadas dos últimos anos, Megan Thee Stallion. A música foi lançada na sexta-feira (07) e logo chegou às primeiras posições nos charts e já gerou memes, discussões sobre “por que Kylie Jenner e Rosalía estão no vídeo”, parlamentares republicanos xingando muito no Twitter e muita gente, mas muita gente mesmo, celebrando duas mulheres falando abertamente sobre sexo – com poder, diversão e metáforas deliciosas.

Sim, eu AMEI “WAP”, é a música pro verão americano se não houvesse uma pandemia. Além do uso de sample genial (ouça “Whores in this House” de Frank Ski e entenda), a música tem um tema direto: basicamente “se você quer me fazer gozar, tem que trabalhar”, e fica bem explícito em momentos como “Bring a bucket and a mop for this wet-ass pussy”, “I want you to park that big Mack truck right in this little garage” (SOCORRO!), “He bought a phone just for pictures of this wet-ass pussy”, “I want you to touch that lil’ dangly thing that swing in the back of my throat” e “When I ride the dick, I’ma spell my name”.

Direto, reto, sem muita enrolação e colocando como prioridade a vontade e o prazer delas, Cardi e Megan mostram não apenas habilidade lírica como também um delicioso senso de humor. Megan quase rouba a cena como featuring (o delivery rápido dela é uma metralhadora), mas os versos de Belcalis tem a impressão digital dela, o que mostra que neste período, ela não mudou seu jeito para agradar o grande público.

Com divisão boa de versos e batidão gostoso, uma coisa que me deixou muito orgulhosa na produção (dividida entre Ayo The Producer e Keyz, que produziram “Bickhenhead” da própria Cardi) é que tem sim uma certa sensibilidade radiofônica, mas sem perder a essência rap da faixa, nem fazer concessões. É uma sutileza que torna a faixa grandiosa, mesmo que “WAP” não seja essencialmente uma superprodução. É até equilibrada e discreta em sua batida. Uma delícia.

Agora, vamos ao vídeo!

Apesar da versão usada no clipe dirigido por Collin Tilley ser a clean (que é decididamente muito ruim em relação ao brilhantismo da original), o vídeo é sensacional. Colorido, com looks, excesso, coreografias, levou a ideia de “There are some whores in this house” para um novo nível; e se você não entendeu porque sai água por baixo da porta da casa… Então…

Com direito a cameos famosos e visuais de estilistas , o vídeo de “WAP” traz algo que há muito tempo os ouvintes de pop americano estão buscando nos artistas errados. É uma opinião que pode gerar polêmica, mas vi no Twitter e concordei plenamente – quem está trazendo coreografia (bem realizada), referências pop, visuais e looks com potencial de serem icônicos são as rappers. Cardi, Megan, Nicki antes delas, Doja; ver os clipes delas é nunca esperar por menos. Você percebe que tem PRODUÇÃO, cuidado, escolha de figurino, os melhores diretores, referências legais que podem ser discutidas no dia seguinte à exaustão, acompanhadas de músicas que são viciantes de verdade.

E isso não é de hoje. Não surgiu em 2020. Hora de assumir que quem está empurrando e desafiando, quem está rompendo as barreiras no espectro pop não faz música pop. É o caso de Cardi, que desde “Bodak Yellow” só vem subindo o nível de suas produções, nunca considerando o último vídeo o suficiente. Os fãs e a indústria agradecem.

Ah, e sobre a minha preocupação a respeito dos protocolos de segurança contra a COVID para gravação do vídeo: pelo que andei lendo, foram realizados testes diários com a equipe responsável, além de, em algumas fotos divulgadas nas redes sociais, aparecer a equipe com máscaras e até plástico nos sapatos. Bem, não é exatamente distanciamento social, mas o tipo de testes e o cuidado durante a gravação deve ter sido bem maior do que o normal – é o que eu espero.

(mesmo assim, não façam isso em casa, pelo amor de Deus! Lavem as mãos e higienizem com álcool em gel!)

E vocês, o que acharam da música e vídeo para “WAP”? Fiquem à vontade para comentar!

hora de incluir “folklore” na sua playlist da quarentena

(post em lowercase porque vamos seguir o tema)

eu já comentei anteriormente sobre álbuns que parecem feitos para encarar o caos que se tornou 2020 (veja aqui) e como estamos em meio a um cenário pós-apocalíptico que nos incentiva às vezes a esquecer os problemas e nos dá o direito de nos alienar por alguns instantes. no entanto, às vezes é importante nos dar outro direito: o de lamber as feridas, de sofrer, nos enlutar, de relembrar o passado, de buscar conforto na nostalgia, de procurar nas memórias mais felizes o caminho para o amadurecimento pessoal, a fim de encarar a merda do dia seguinte.

mas este período em questão, para quem é artista ou trabalha com conteúdo, também se converteu em concentração, inspiração e uso da criatividade como válvula de escape. como escritora, nunca produzi tanto no wattpad (e olha quantos vídeos eu fiz para o canal). taylor swift, por sua vez (meu pai eterno, eu me comparando à taylor swift) optou por lançar um cd despindo-se de superprodução, focando em storytelling e imagens construídas na mente – cinematográficas – além de maturidade na caneta. e quando taylor swift senta para escrever, senta que lá vem história.

folklore“, o oitavo álbum em sua discografia, é espetacular – provavelmente seu melhor trabalho, após momentos irregulares de sua trajetória com o “reputation” e o “lover”, mostra não apenas uma artista consciente de sua capacidade e elasticidade sonora e lírica, como também é uma prova de pico criativo. álbum que sai da caixa pop (e sai mesmo, não é fácil achar singles prontos para as rádios aqui) e trabalha com pouquíssimos produtores e compositores (incluindo o já cansado jack antonoff) num clima mais indie-pop e folk, taylor também brinca com a própria voz, com tapeçarias e camadas que fazem desse trabalho também bastante cuidadoso.

e, para minha surpresa, 16 músicas que não são fillers.

“folklore” me lembra muito um álbum famoso lançado em 2015, o “25” da adele – não em som, evidentemente, mas no sentimento evocativo, de memória. ouvir as músicas desse álbum é navegar em memórias, histórias de outras pessoas (já que taylor canta sobre “personagens”, pessoas criadas para conduzir as canções) que parecem nossas, mesmo que não tenhamos vivido. faixas como “the 1”, “seven”, “this is me trying” são histórias que, mesmo não sendo necessariamente contadas no pretérito, parecem contar dilemas e tramas que se passam em algum ponto lá atrás, seja um ponto em que não precisávamos andar de máscara na rua, ou uma parte da nossa infância onde tudo era grande, imenso, mas as rachaduras estavam lá, só não reparávamos. é um álbum bastante próprio para quem chega aos 30, porque é a fase em que a “vida adulta” chega de verdade – com suas conquistas, arrependimentos e esperanças, e é curioso como uma das melhores faixas do álbum, “invisible string”, reflita tanto essa timeline de tropeços e acertos que nos leva ao caminho da maturidade e da reflexão.

em outras faixas, como a primorosa “mirrorball”, essa “memória” é mais sonora – me lembrou muito faixas de pop dos anos 70, com a voz da taylor tendo como backing vocal a própria taylor, num delicioso exemplo de tapeçaria vocal que eu adoro.

claro que o clima de memórias não seria possível se o trabalho de taylor como storyteller não estivesse tinindo. no auge de sua capacidade como compositora, dividindo a pena com um compositor ou sozinha (como em “my tears ricochet”, visivelmente inspirada no b.o. dela com o ex-chefe da gravadora big machine), taylor foca em contar histórias dos seus personagens (os adolescentes apaixonados do “teenage love triangle”, que delicado!, o que é “betty”?; a mulher considerada “maluca” de “mad woman”, a mulher presa em um relacionamento abusivo de “hoax”) e são muito bem realizadas e bonitas.

isso só é possível porque aqui, a melodia – com muitos instrumentos de corda, pouco peso em baterias e outros instrumentos de percussão, ausência da produção carregada de álbuns anteriores – está a serviço da letra, e não o contrário. existem álbuns em que o contrário se aplica, e são bons do mesmo jeito, quando isso é feito de maneira deliberada. o problema ocorre quando a melodia se sobrepõe à letra de tal forma que ela eclipsa a beleza dos versos; e em “folklore”, a escolha por uma abordagem mais indie pop, com influência do folk, ajuda bastante a entendermos e viajarmos em cada história contada.

melodia aqui é importante, mas a letra é mais. e por isso, a melodia serve aos interesses da história. como se fosse a trilha sonora de um filme que você acha que viu antes, mas desta vez você vai gostar do final 😉

“folklore” é um dos melhores lançamentos de um artista mainstream de 2020 e acho que é a conclusão mais óbvia que se pode chegar. é fascinante ver uma artista que encontrou seu pico criativo fazendo algo bacana sem ser trend chaser (que foi uma crítica minha quando resenhei “reputation“), e sim seguindo o próprio fluxo, fazendo o que gosta e confortável com o próprio som. você vê que taylor não tá lutando com a música que tá fazendo.

se estamos discutindo aqui desde sei lá quando o atual estado do pop, onde o gênero não é mais “o gênero” e quem está trabalhando nele precisa ou lutar contra a maré ou surfar junto com a onda, estamos enxergando vários caminhos propostos – mas nunca levamos em consideração um percurso bem importante: não fazer nem um nem outro. talvez seguir os próprios instintos e se deixar levar pela própria criatividade, enxergar o mundo lá fora nem que seja de uma janela e não se preocupar tanto com sua posição dentro do zeitgeitst. e acho que taylor, em seu pico criativo, também pensou nisso.

oras, ela é uma das maiores artistas pop de seu tempo, com uma fã-base fiel e alguns clássicos recentes em sua discografia. neste momento da carreira, ela pode não querer atingir um público que talvez não esteja tão interessado mais nela, ou que ela não tenha mais tanto interesse em atingir. “folklore” é o resultado de maturidade, reflexão e criatividade afloradas, e o resultado é excepcional.

Coragem – Lady Gaga, “Chromatica”

Demorou um pouco para que eu terminasse de ouvir uma, duas, três vezes, e analisar com calma o “Chromatica” da Lady Gaga, o retorno ao pop da mother monster, e sem fazer comparações com materiais anteriores (como eu havia prometido).

Na verdade, só tentarei inserir um único álbum antigo nesta discussão, e apenas no final. Tentarei apenas focar na discussão sobre trazer Gaga como uma major force novamente no pop, em músicas que trabalham com um estilo que está se configurando como a tendência, mas com uma maturidade que apenas o tempo de carreira dá – e como esse contexto é positivo e ao mesmo tempo negativo.

Por isso, hora de dividir a análise em dois pontos – o BOM e o RUIM:

Maturidade artística nas letras: com as letras mais maduras e introspectivas em anos de carreira, Lady Gaga em “Chromatica” tem uma jornada de recuperação, cura e de autoconhecimento, não apenas como artista mas também como pessoa. Se amar antes de amar o outro, se curar das próprias tensões pessoais, a liberdade das próprias escolhas; a qualidade das letras e o processo de autorreflexão de uma Gaga que já viu e passou de tudo só vem quando você tem uma história na música que te permite escrever exatamente isso. E é tão gostoso ver uma artista escrevendo de forma tão profunda, mas numa estética pop que torna todo o material acima do que está sendo feito no pop atualmente.

Dentro da tracklist, os singles são bons de verdade: Vocês já sabem que eu não sou fã de “Stupid Love” e “Rain on Me”, os primeiros singles do álbum, mas dentro da tracklist, eles funcionam muito bem, e acabam se tornando highlights. O combo dos dois juntos é matador, e passamos boa parte do álbum sentindo falta desse combo.

As melhores faixas são as menos óbvias, mais weird Gaga: materiais como “911” e “Sour Candy” são momentos mais bacanas da Gaga e o que a gente espera quando pensamos no que ela pode apresentar, e em que momento da carreira ela está. Depois disso, o grande momento dela é de fato “Sine from Above”, com Elton John, que apesar de correr na mesma sonoridade do resto do “Chromatica”, tem uma beleza na letra que supera qualquer similaridade melódica com o resto do CD. Exceto por “911”, as outras duas são as músicas com maior potencial de serem singles, apesar de não gritarem HIT MASSIVO e #1 na Billboard (exceto se rolar aquele mutirão gostoso).

Coesão não é fazer um álbum todo idêntico: o álbum tem major production do BloodPop, e ter um produtor meio que coordenando todo o álbum ajuda a manter a coesão. Todo grande álbum precisa dessa mão para apoiar essa condução e não transformar o seu CD num apanhado. Entretanto, a coesão do álbum, visivelmente inspirado no dance anos 90 (que é a tendência musical do momento e outros artistas pop vão acabar se rendendo a essa sonoridade para se diferenciar da dominação rap nos charts), torna-se um problema quando em vários momentos eu pareço estar ouvindo o mesmo CD, e as músicas acabam parecendo trilha de academia. Não foi apenas uma vez que eu me senti ouvindo a música que vou usar pra fazer o supino após a pandemia, e olha que eu odeio música de academia.

Arranjos não valorizam as letras: por conta dessa coesão quase que idêntica, os arranjos acabam sendo aquém das letras que os acompanham. Você tem uma música repleta de ironia e crítica como “Plastic Doll” que fica parecendo um eletropop que eu ouvi na década passada, ou “Fun Tonight” que tem uma letra ótima de break-up song e vira um dance que você ouviu em qualquer lugar. Eu particularmente fiquei bem incomodada, até porque as letras ficam desconsideradas em meio à vibe “academia” do álbum.

43 minutos que duram: todos vocês sabem que eu tenho ASCO a álbuns muito longos. Mesmo com três interludes, “Chromatica” tem 16 faixas na versão standard, e apesar das faixas curtas, algumas com até menos de três minutos, ao todo são 43 minutos que não passam. Parece jogo de futebol 0x0 em que nada acontece. Para um álbum que está o tempo todo em uptempo, com poucas quebras, é um fail – e que provavelmente pdoeria ser resolvido se a tracklist tivesse sido rearrumada de alguma forma.

Too safe for my taste: Aqui vem a origem do título da resenha: “coragem”. Sabemos que Gaga voltou a fazer pop, dance-pop nos termos que ela vinha fazendo antes, e esse material é produzido perfeitamente para que faça sucesso, deixe os fãs saudosos da Gaga pop felizes e seja trilha sonora da vida das pessoas neste momento de pandemia – ou seja, atingindo o grande público. E sabe o que é interessante? Vai funcionar, porque Gaga é uma artista com grande aderência e conseguiu em seus rebrandings, se colocar novamente como uma artista que atinge um público maior do que o fandom.

Entretanto, eu esperava mais. Mais faixas pouco óbvias, mais desconstrução, mais surpresas. Até mesmo mais faixas com cara de single, fico pensando o que ela pode buscar aqui para lançar e prosseguir a divulgação da era. Esperava que o som me levasse a algo sem fronteiras, que me divertisse, que representasse esse colorido que eu esperava que fosse a era (aliás, qual é o conceito MESMO desse álbum?), e por fim, o resultado é bastante seguro – e plenamente compreensível: Gaga não pode errar, precisa pegar o bonde da história e dominar esse bonde, como toda artista que sabe liderar é capaz.

Por fim, o fato é que: depois do “Chromatica”, eu vou valorizar ainda mais o esforço de uma Gaga em 2013 que fez “ARTPOP”, mesmo com tantas questões pessoais envolvidas (e a gente sabe que ela não estava bem na época), mas houve um esforço de fazer um material que continuasse testando os limites do pop que ela mesma construiu, e num ponto bastante incipiente na carreira; e tentando conversar com o grande público de maneira radiofônica.

Na verdade, isso faz com que eu valorize ainda mais “Born This Way” (2011) e o que ela fez tão cedo em sua trajetória. Só acerta (e erra) quem tenta, e talvez a juventude nos faça ser mais corajosos, mais destemidos.

Quando se chega a um certo ponto na vida, pensamos em segurança, e isso é ótimo. De certa forma, eu posso pensar assim porque sou assalariada, mas quando se é uma 11x Grammy Winner e Oscar Winner que indiscutivelmente é uma lenda de sua geração, essa segurança é uma faca de dois gumes. Pensando numa trajetória repleta de altos e baixos, de rebrandings e renascimentos, Gaga faz certo porque entrega o que os fãs querem ouvir e a recoloca de maneira segura (de novo) dentro de um contexto pop onde o que ela representa não é mais o discurso principal; mas para quem tem esse currículo, a gente espera muito mais.

Mas minha opinião é só uma opinião gente – “Chromatica” vai concorrer a uma caralhada de prêmios.

Se te faz feliz… – “Rain on Me”, Lady Gaga feat. Ariana Grande

Em alguma thread ou post que eu fiz em algum lugar por aqui comentei sobre “being a leader or being a follower”. Se nunca comentei, hora de falar.

Algum artista famoso falou certa feita (digo algum porque realmente não lembro haha) que existem líderes e seguidores. E realmente, existem artistas que são líderes: eles definem tendências, são pioneiros, escancaram as portas para o resto passar e são reconhecidos por isso. Já outros são os seguidores – quem segue a moda, quem está sempre na zona de conforto e não vai sair dela. Está sempre esperando a porta abrir para ele passar.

E também temos os lobos solitários que fazem o seu, fazem sucesso e seguem sua carreira sem maiores tribulações.

Hoje eu vim falar de uma LÍDER, que surgiu escancarando portas e repensando a cultura pop de seu tempo: Lady Gaga, que hoje lançou o segundo single do novo álbum “Chromatica”, a dançante bem house anos 90 “Rain on Me“, com o featuring de Ariana Grande.

Lady Gaga - Rain on Me.png

Uma faixa própria para as festas em boates, caso estivessem abertas e não estivéssemos em meio a uma pandemia mortal, “Rain on Me” segue a linha apresentada por “Stupid Love”, mas aqui com a influência do dance early 90s bem mais forte, as clássicas faixas que merecem vozes poderosas. O que eu achava que seria bastante estranho – o encontro entre as vozes de Gaga e Ariana, já que a abordagem da primeira é mais raspy, rock até; enquanto a segunda tem um trabalho mais pop, suave, com influência R&B, ficou muito bom. As duas funcionam bem juntas, especialmente quando na segunda estrofe da Ariana, a resposta da Gaga ficou bastante melódica e gostosa de ouvir.

Outro ponto que funcionou bem na música foi a letra, que é simples e efetiva, sobre recomeços, renascimentos e o sentimento de carpe diem. Aqui também temos duas abordagens líricas diferentes, mas que também funcionam bem – e mostram que as duas estavam juntas no processo de composição da faixa.

Agora… Vamos aos problemas: ouvi uma, duas, três vezes a música, porque apesar da letra ser bacana e da interação entre as duas artistas ser bem resolvida, havia alguma coisa que não me amarrava, não me conectava – e considerando que o segundo single é a música que não apenas reforça a ideia principal do CD, como também carrega as vendas do álbum, precisa representar muito bem e ser explosiva o suficiente para tornar o seu CD uma experiência fascinante. E em todas as vezes, sabe qual foi a impressão que “Rain on Me” me deu?

On the nose: sabe aquela faixa que diz “olha, eu sou retrô viu? SABE, EU SOU RETRÔ, olha minhas influências!” e ao invés de ser uma experiência divertida ouvir uma faixa visivelmente inspirada em sonoridades de décadas passadas, parece até que é um atestado de “olha como sou musicalmente inteligente” e a música passa por apática, asséptica – porque é apenas uma experiência, uma tentativa de soar “antiga”, mas sem abraçar de fato as nuances e levá-las na alma, conseguindo brincar e trabalhar com naturalidade com esse som.

Gaga fez isso muito bem no “Born This Way”, quando puxa referências anos 80, dance, disco, envolvendo tudo em instrumentais carregados e quase rock ‘n roll.

Comparando com um artista que fez agorinha mesmo um álbum com referências antigas, The Weeknd consegue usar as referências anos 80 em “After Hours” de uma forma extremamente fluida.

Material aquém da Gaga: se você passou pelas várias fases da carreira de Lady Gaga logo após explodir com um material que até hoje é melhor do que 90% dos lançamentos atuais, eu espero excelência. “Rain on Me” não entra nem na edição Target do ARTPOP, sinceramente. Eu espero LADY GAGA, não um material que há sete anos atrás ela sequer usaria e viraria descarte.

Pra mim, essa não é uma atitude de uma artista líder. E sim de uma follower. Ou no mínimo, uma estrela que deseja mostrar que ainda há lugar para ela dentro do zeitgeist atual, mas não da forma que uma líder deve fazer.

E isso me preocupa: a volta ao pop dela parece mais uma volta ao pop para os fãs e a galera que acompanha música, e não para o público no geral – é claro que as pessoas neste momento estão se importando em não morrer, mas antes disso, havia uma busca, uma agonia por novos álbuns e artistas que mostrassem que o pop tinha um caminho, mas… Nossa, “Rain on Me” é o típico top 10 que chega ao top 10 pela força das fã-bases e não exatamente por um crescimento orgânico, por ter sido abraçada por todos os grupos.

(Aliás, qual foi a última canção que você imagina ter sido realmente abraçada organicamente por todos os grupos e chegou ao topo porque foi um sucesso absurdo em todas as plataformas e uniu consumidores de nicho e público em geral, e não porque porque fizeram mutirão de streams?)

O vídeo: o vídeo provavelmente resume o ponto de “leaders and followers”: eu pensei que não teria quase o mesmo tempo da música, e considerei o look inicial com a faca na coxa bem mal aproveitado. De resto, é um vídeo que eu, como consumidora que não faz parte de nenhum dos dois fandoms, não veria outra vez; achei que a paleta de cores merecia mais vibração, um colorido, até porque a letra da música passa um certo sentimento de júbilo; e sinceramente? Não faça duelo de coreô quando seu forte não é coreografia. Gaga é competente na dança – o forte dela sempre foi um movimento repetitivo que nascia icônico (como em “Bad Romance”, por exemplo) – mas não é o suficiente para segurar três minutos de vídeo dançando; o mesmo vale pra Ariana. Além disso, eu entendi que o foco visual da era é essa coisa meio ficção científica, distopia futurista com ar low-budget, mas é possível fazer isso e soar épico. Você é LADY GAGA. Uma de suas marcas registradas são os clipes elaborados, com referências pop bacanas e divertidas, com forte replay value e hype.

Se os dois vídeos que eu vi representam que é essa Gaga pop a qual teremos de nos acostumar, então me informem para que eu pare de comparar com aquela de 2009-13; e isso inclui as músicas também. Se o material que ela apresentou é Lady Gaga hoje, e são essas as músicas que passaram pelo corte final para fazerem parte do seu novo álbum, não comparo mais. Vou focar em ouvir o que ela me apresenta hoje. Nem vou comparar com materiais recentes porque o “Joanne” é um ponto fora da curva do que a Gaga sempre fez e a trilha de “A Star Is Born” é uma comparação injusta – não porque eu queria que ela fizesse aquele som. Não, eu queria que o esforço de qualidade que ela buscou naquele álbum se repetisse aqui.

O triste é que ela mesma colocou o sarrafo lá em cima VÁRIAS VEZES, e eu espero sempre o mais FODA porque Gaga é parte importante de um período bem legal da minha vida, e ela é parte desse meu processo de formação consumindo cultura pop.

Mas, se faz os fãs felizes… Quem sou eu para criticar né?

O caminho certo da história: “Daisies”, Katy Perry

Katy Perry Daisies.png

Uma das coisas que sempre me questionei quando se tratava da carreira de Katy Perry era – qual seria o próximo passo da californiana após o fracasso da era “Witness” (tanto visual quanto musical e em imagem perante o grande público), em que ela parecia ter perdido o bonde da história?

Fazer um som puxado pro urban para ampliar a demografia de público seria bastante forçado – mesmo que ela tivesse trabalhado com um faux-trap em “Dark Horse”, mas naquela época, soou bastante arriscado e até maduro, não trend-chaser. Prosseguir com parcerias EDM seria até cruel para uma artista com poucos featurings na carreira (e soaria bem desesperado).

Dessa forma, Katy seguiu low-profile com lançamentos de singles mais avulsos, mas que indicavam um caminho que ela poderia ter seguido lá atrás, após o “Prism” (2013): pop puro, maduro e com o toque de diversão que é característica da própria artista. Tenho lá minhas restrições a “Small Talk“, por exemplo, mas o fato é que uma das maiores injustiças dos últimos anos foi “Never Really Over” não ter chegado a um topo da Billboard Hot 100 ou a uma indicação ao Grammy porque a música é uma raridade – uma faixa moderna, atual e sem vibe retrô.

(digo isso como uma pessoa que quando ouve linha de baixo oitentista já grita MINHA MÚSICA)

Pois bem, Katy Perry continua a seguir a mesma linha, e sendo bastante autobiográfica em seu novo single, “Daisies“, lead do seu novo álbum, que veio com um vídeo simples, bem “vídeo mãezona”, e faz todo o sentido em tempos de pandemia.

Produzida pelo time The Monsters & Strangerz, cujos créditos de composição incluem várias faixas do excelente “Future Nostalgia”, além de produção de vários artistas que passam por Maroon 5 a Bebe Rexha, “Daisies” me lembrou vagamente o arranjo de “Unconditionally” (o que é ótimo), e tem uma letra bem bacana, soando como uma indireta para quem a quis colocar como has-been e fracassada após tudo que ocorreu na era “Witness”

They told me I was out there, tried to knock me down
Took those sticks and stones, showed ‘em I could build a house

They said I’m going nowhere, tried to count me out

Não é um instant hit feito “Roar” ou “California Gurls”, mas “Daisies” provavelmente é uma daquelas faixas que valem a pena ser ouvidas nos tempos de hoje. É a clássica música para dar quentinho no coração e pensar em dias melhores. Além disso, nem sei se Katy ainda quer aquele sucesso absurdo e massivo, que trouxe em troca pressões que a afetaram e a fragilizaram bastante. Ela me parece num momento diferente, em especial com a gravidez, e o vídeo mostra que ela parece bastante em paz consigo mesma.

Minha impressão? É de que este álbum será o melhor trabalho dela, porque finalmente Katy Perry pegou o trem certo para continuar sua história.

Álbuns para enfrentar 2020

Domingo de Páscoa chegando ao fim, mas com o vídeo do Duas Tintas de Música, finalmente numa qualidade que me deixa mais satisfeita, editado com meu notebook novo E nesse formato sentadinha em frente à bancada E com um editor de vídeo gratuito! Hoje é dia de falar sobre dois álbuns que eu tenho o feeling que vão representar bem os sentimentos desencontrados do ano de 2020: “After Hours”, do The Weeknd; e “Future Nostalgia”, da Dua Lipa.

Na conversa, uma defesa da disco, parêntese para falar sobre Usher e participação especial de gafanhotos e dos brinquedos do McLanche Feliz e BK Kids.

(aproveitando gente, lavem a mão e se possível, fiquem em casa!)

Últimos lançamentos [3] Seguindo o blueprint para o bem ou para o mal

Continuando as resenhas sobre os lançamentos pré-Corona (ainda vou me debruçar em especial nos últimos lançamentos de fato antes da quarentena e isolamento social), hora de falar sobre algo que gera discussão e tretas tanto quanto quem ganha o Grammy: trilha sonora do James Bond.

Apesar do novo filme do 007 ter sido adiado para novembro (por causa do coronavírus), a música-tema de “No Time to Die” já foi lançada em 13/02 (considerando que o lançamento inicial do filme seria agorinha em Abril), e a responsabilidade pelos vocais e composição da música ficou com a sensação pop Billie Eilish, que se tornou a pessoa mais nova a escrever e cantar uma faixa para um filme do Bond.

Billie Eilish - No Time to Die.png

Atenção: essa resenha é beeeeeeeeeeeeeeeeeeeeem enviesada porque eu sou stan dos filmes do 007, tenho DVD dos filmes e tudo, e tenho minhas preferências de canções originais:

  1. “A View To a Kill”
  2. “For Your Eyes Only”
  3. “Live or Let Die”

E desde que Daniel Craig assumiu o black-tie, o martini batido não mexido e a condução do Aston Martin, tivemos músicas bem irregulares compondo a abertura dos filmes do Bond, que na fase do loiro, são provavelmente os melhores já lançados. Muita gente gosta de “You Know My Name”, do Chris Cornell, mas no cinema o efeito da faixa + abertura e eu dormindo num busão antes do isolamento social é a mesma coisa. Entretanto, todos os filmes do Bond, em suas diversas fases, tem uma faixa clássica para chamar de sua:

Sean Connery era: “Goldfinger” e “Diamonds are Forever”, CERTEZA;
Roger Moore era: incluindo minhas faves, tem “Nobody Does it Better” (talvez as melhores faixas estejam na era dele)
Timothy Dalton era: “The Living Daylights” (mesmo com uma vibe muito parecida com “A View to a Kill”)
Pierce Brosnan era: “GoldenEye” e não se fala mais nisso

(não conto o coitado do George Lazenby porque ele só esteve em um filme e a música-tema toca durante o filme, apesar de ser MARAVILHOSA, OUÇAM “We Have All the Time in the World”)

Pois bem, cortemos para Adele em 2012, que finalmente trouxe para os filmes do Bond com Craig uma faixa clássica e atemporal – “Skyfall”, que tanto fora quanto dentro da abertura causa o mesmo efeito de épico, trágico e classudo; e virou o topo a ser alcançado por quem viesse depois.

Adele ainda é um blueprint do que está sendo feito para trilhas sonoras do James Bond – após “Skyfall”, é visível que as duas faixas seguintes selecionadas priorizam baladas grandiosas (que são até um retorno ao clássico, com as músicas interpretadas pela Shirley Bassey) ou melancólicas que tentam refletir a estética dos Bonds com Daniel Craig, onde o realismo e o elemento trágico sempre caminham. Perceba que nem mesmo em “Spectre”, o final é feliz happy end – tem tragédia e infelicidade por todo canto.

No caso de “No Time to Die”, temos a mesma situação de balada para a trilha do 007, sempre com alguma referência à trilha clássica. A letra é bastante straight to the point com o roteiro, indicando que Bond será traído pela enésima vez, e com estrutura até simples – não há a sensibilidade da visão feminina sobre “James Bond” com “Nobody Does It Better”, ou talvez o senso de humor sacana de “Diamonds Are Forever”, ou mesmo o refrão fodástico de “A View To A Kill”. Se formos comparar com a faixa blueprint, o que acontece: “Skyfall” fala do roteiro do filme, mas de uma forma tão sutil que pode ser também sobre qualquer outra coisa.

O instrumental não é modorrento tem um punch no refrão, ao contrário da SNOOZEFEST que é “Writing’s on the Wall”, mas… É basicamente isso. Quando soube que Billie estava envolvida na faixa, esperava uma música mais uptempo, com bateria marcada e algo mais urgente (em tempo: a última uptempo a ser lançada como trilha do James Bond foi “Another Way to Die” – PAVOROSA – de “Quantum of Solace”, um filme até aceitável se pensarmos que foi escrito na época da greve dos roteiristas), mas a faixa é apenas legal ouvida isoladamente. Pode ser que se torne grandiosa junto da abertura, mas o material é bem esquecível.

(a propósito, ouvir o trabalho vocal da Billie me lembra de que Lana Del Rey é uma intérprete/compositora de filmes para James Bond perdida. Ela tem voz e phisique du rôle para o trabalho)

(a propósito, saudades rockão a la Duran Duran nessas aberturas… Ou um R&B sensual a la The Weeknd, a última/única vez que tivemos um R&B foi “Licence to Kill”, com uma das piores letras já escritas dentro da música pop)

E vocês, o que acharam de “No Time To Die”? Aliás, vocês tem alguma música favorita da trilha do James Bond ou a franquia não te enche os olhos?

Últimos Lançamentos [2] Justin Timberlake já pulou o tubarão faz tempo

Às vezes um artista toma uma decisão que podemos considerar a pior possível, e quando o act em questão é um homem, a gente se questiona ainda mais a razão: geralmente o fandom de act masculino não é tão flexível com mudanças de imagem ou som quanto os fãs de acts femininas – ter uma fave mulher é sempre contar que ela vai mudar, desenvolver o som, sair da caixa e fugir das obviedades, e é o que a gente quer! E geralmente, essas mudanças, quando bem-realizadas, funcionam.

Quanto aos homens, raros são os acts que decidem chutar o pau da barraca e dizer “hoje eu decidi mudar tudo!” – e entre os raros, pouquíssimos são bem sucedidos nisso. É como se as mulheres no pop estivessem sempre movimentando, buscando romper barreiras, enquanto os homens prosseguissem numa toada bastante confortável. Dá uma análise interessante sociológica, mas nem é meu foco aqui.

Confissão: eu faço parte do fandom de um artista masculino, e sonho com álbuns de sonoridades diferentes no futuro – tô sempre esperando qualquer coisa dele. Mas eu me chocaria se ele fizesse algo que não é parte do coração do seu som, tipo lançar um CD de EDM pesadíssimo produzido pelo Calvin Harris.

… Tá, mas falando em acts masculinos que decidiram mudar tudo, tem dois exemplos de movimentos musicais que deram errado, muito errado, gerando o “jumping the shark” – é como se eles tivessem passado do ponto, sem possibilidade de voltar ao que eram antes. Um deles é Usher (Usher, Usher…), que ao alienar sua fanbase R&B para entrar na modinha eletropop, foi para uma viagem e nunca mais voltou. Aliado ao fato de que ele nunca reforçou a própria brand muito bem, hoje poucos imaginam que o blueprint do artista pop/R&B que dança, canta em falsete e tem cenas sensuais em seus vídeos é Usher – e não o artista de quem falaremos agora.

O segundo a “jump the shark” é Justin Timberlake, e esse processo foi longo, culminando com o TENEBROSO “Man of the Woods”, aquela apresentação sem graça no Halftime Show e essa música lançada para a trilha sonora do novo filme do “Trolls” (desapega disso, homem!), chamada “The Other Side” (lançada em 26/02) em parceria com SZA.

SZA and Justin Timberlake - The Other Side.png

Provavelmente a melhor faixa envolvendo Timberlake em ANOS (desde a segunda parte do 20/20) é um disco-funk chill e divertidinho, cheio de balanço e um refrão bastante grudento que mostra a versatilidade da própria SZA, um dos principais nomes do R&B atual, criticadíssima pelos puristas do gênero por cantar em itálico (ou seja, aquela voz meio manhosa, como se tivesse bebido demais, que muitos puristas não curtem muito), mas que aqui vira uma diva funk que torna Timberlake desnecessário numa faixa para um filme onde ele é o protagonista.

O vídeo é simples e eficiente, e SZA de longe é a estrela, enquanto Timberlake parece o “cara das antigas” tentando recuperar o sucesso com a nova geração, numa música que é boa, mas não é exatamente o que o cara que realizou “FutureSex/LoveSounds” e colocou o pop pro futuro junto com Timbaland. E sabe onde ele realmente “pulou o tubarão”? No dia em que ele gravou “Can’t Stop The Feeling”.

E isso não é apenas uma constatação minha – muita gente considera que essa decisão minou alguma coisa na relação de JT com seu público – de “Mr. Sexo” para cantor de trilha sonora de filme infantil, e não houve retorno. Não sei se isso tem a ver com a voz dele, que a cada ano parece mais com voz de ex-membro de boy band, ou o fato de que se dividir entre ator e cantor (quem recomendou gente? A projeção vocal dele é péssima para um lead actor…) causou alguma desconexão e ele mesmo passou a acreditar demais no próprio hype – a julgar por aquele SuperBowl…………………………

Ao mesmo tempo, retornar ao pop/R&B (e buscar inspiração em soul, funk e disco) é back to basics para Timberlake, o movimento mais óbvio para quem perdeu tração nos últimos anos, e tem muita gente interessante na cena, que parece estar retomando um certo protagonismo, com quem ele pode se aliar (Kehlani, H.E.R, The Weeknd, Lizzo). O problema é que ele pode não ter o retorno de público, já que muitos o viram como alguém que sempre se utilizou da cultura negra para lucrar (muitos esperam o perdão pra Janet…), e a landscape sobre apropriação cultural e brancos sendo “a face” da música negra é bastante prevalente nos últimos anos.

Por isso…? acho que o caminho do Timberlake vai ser testar as águas pra ver se não dá pra pular outro tubarão e voltar tudo de novo. O que é impossível.

E vocês? O que acharam da música com o JT? Acreditam que ele tem chance para um comeback após divulgar “Trolls World Tour” ou ele perdeu o bonde da história?

O próximo lançamento que vou comentar aqui é de um single com a marca registrada de uma famosa franquia, e de uma música famosa dessa mesma franquia… Quem será?

COMBÃO de singles [Outubro ’19]

Antes de começarmos a falar de fato sobre Grammy (afinal de contas, no momento em que este post for publicado eu já devo ter comentado sobre os indicados), hora daquele resumão de lançamentos que ocorreram mês passado, e que provavelmente podem entrar no Grammy 2021 (ou não, a depender da situação de carreira dos envolvidos)

(ah, e sobre o Grammy, os vídeos voltarão sim, como eu tinha comentado no post dos indicados! 😊 Vou fazer um esforço para compensar meus sumiços – que tem diversas explicações, como trabalho, projetos de escrita literária, crises de ansiedade, picos de estresse etc – e gravar os vídeos além de + um podcast com explicações que considero plausíveis sobre os indicados, conversas sobre os charts e papo sobre kpop)

Sem mais, vamos lá – em ordem cronológica:

Harry Styles, “Lights Up” (lançado em 11/10)

Harry Styles - Lights Up.png

Se eu te disser que no começo, não entendi bem como funcionava essa música e achado bem sem graça, vocês me perdoam? Então, eu tinha me acostumado com o rockstar anos 70 neojurássico do debut, por isso a vibe psicodélica indie tinha meio que me surpreendido; mas numa segunda ouvida, a faixa é mais que forte, é extremamente forte e a cara do Harry. Ele encontrou um nicho bastante particular, que ele consegue tornar radiofônico e pop, e funciona bem pra caralho – nicho esse que outros acts masculinos pop da mesma faixa de idade não estão fazendo, o que torna a trajetória de carreira dele desde a saída do One Direction uma das mais curiosas de acompanhar.

(aliás, nem dá pra lembrar, apenas se você for fã e não apenas um ouvinte comum, que algum dia Harry foi membro do One Direction. Parece um artista completamente diferente pra mim)

A música tem umas quebras de expectativa que numa rádio top 40 podem causar alguma estranheza, mas em outros charts (como o adulto ou o rock) funcionam perfeitamente. Ao mesmo tempo, “Lights Up“, com seu refrão feito em coro, versos crípticos e universais e um clima de elevação e liberdade, é a faixa perfeita para ser cantada em festivais.

Ou seja, o rockstar continua vivo.

Katy Perry - Harleys in Hawaii.png

Katy Perry, “Harleys in Hawaii” (lançado em 16/10)

Lembram-se de que eu tinha feito há muito tempo atrás um vídeo sobre a carreira da Katy Perry, onde eu não conseguia ver bem qual seria a função ou espaço dela dentro da landscape musical do momento? Então, como boa parte desses problemas estão relacionados ao descolamento da imagem dela em relação à música que ela fazia/faz, neste momento, a impressão que eu tenho é de que Katy está tentando colar novamente a imagem com um pop mais puro, e uma imagem mais divertida, mas sem ser paródica. Dessa forma, surgem os melhores materiais que ela lançou desde a parte boa do “Prism”, o que se inclui “Harleys in Hawaii“, uma faixa deliciosa e que poderia facilmente ser lançada no verão como aquele single perfeito para um fim de tarde com o love.

Entretanto, há um sério problema com essa música: ok que ela poderia lançar no verão, mas dentro de um contexto maior, de uma era, em que Katy já teria lançado um CD, um conceito, uma ideia sobre o que ela pretende fazer musicalmente. HiH parece a faixa terceiro single de um álbum já lançado, que todo mundo conhece as músicas e a era de coração (como foi no tempo de “Teenage Dream”, por exemplo). Nesta era (se assim podemos chamar) da Katy, todas as faixas parecem jogadas ao vento, o que é um desperdício para um material tão bacana (especialmente “Never Really Over”, um petardo pop que merecia uma sorte BEM, mas BEM melhor).

Eu não sei, sinceramente, qual o próximo passo da Katy – se teremos álbum, se será um compilado de canções lançadas, se estamos ouvindo um EP ou teremos uma grande surpresa – mas sinceramente eu não sei como qualquer estratégia de carreira se aplica especialmente no pop playlist de hoje (ou seja, música que serve mais como background)… Ou o pop que ela faz ficou em 2010.

Aí gera minha pergunta: será que Katy Perry perdeu o bonde da história com o “Witness”?

Selena Gomez, “Lose You To Love Me” (lançado em 23/10)

Selena Gomez - Lose You to Love Me.png

Finalmente Selena Gomez conseguiu seu #1 na Billboard com uma balada sentimental, evocativa e cheia de mensagens subliminares sobre um certo ex e sua atual esposa, após um período de carreira solo em que Selena se metamorfoseou de uma ex-Disney Star buscando uma carreira solo no pop para alguém com um material absolutamente intrigante e perfeito para a voz que ela tem.

Entretanto, o minimalismo que sempre foi bastante presente em seus materiais a partir do “Revival”, tanto vocal quanto em batidas, produções e a “vibe” do material se perde um pouquinho em “Lose You to Love Me“, o single que chegou ao topo da Billboard. Co-escrito pela dupla Julia Michaels e Justin Tranter, a música tem todas as características do som que os fez os hitmakers mais procurados há alguns anos. Entretanto, mesmo com o frescor da letra com caráter pessoal, as batidas marcadas, a escolha da interpretação e a produção, mesmo com um ar mais épico no refrão, GRITAM 2017. A balada não é exatamente groundbreaking (exceto pela letra) e tudo me parece meio datado.

O #1, provavelmente, foi graças ao buzz do retorno e o apoio da fã-base, porque os predicados da canção não exatamente colaboram para este resultado tão bom.

… E a propósito, o segundo single (surpresa), “Look at me Now“, consegue ser menos interessante ainda que LYTLM. Confesso que, enquanto ouvia o som pop eletrônico da música, senti falta da Selena do “Revival” e da que lançou “Bad Liar” (INJUSTIÇADA!!!) e “Fetish”, que funcionava num mundo diferente de outras peers. Fico contente que ela está buscando uma linha mais pop direta ao ponto, sem genre-bending, fiel às suas raízes, mas a música é tão… anticlimática…

Dua Lipa – “Don’t Start Now” (lançada em 31/10)

Dua Lipa - Don't Start Now.png

O primeiro single do segundo álbum da cantora britânica é bastante distinto do que ela já vinha trabalhando nos singles do debut – que eram mais pop, sem tantas influências (exceto por “New Rules”) – mas é audível que “Don’t Start Now” é uma continuidade do som que já estávamos ouvindo da Dua em seus featurings (“One Kiss” e “Electricity”, que eram mais dance, house, anos 90). Entretanto, o novo single busca referências mais anos 70, mais disco (ouça o pré-refrão e o instrumentalzinho curto após o segundo refrão), conversando com essa pegada dance anos 90 – e o encontro é um SMASH!

Eu amei a música, e não apenas porque eu gosto de música disco hahaha mas porque Dua funciona nesse som – ela tem a voz de diva dance, ela funciona nisso, tem o volume, tem algo que chama atenção e uma certa ironia na interpretação (bem britânico) que fica bem melhor do que fazer a coitada dar uma de estrela pop no padrão anos 2000 ao qual estamos acostumados. A faixa é gostosa, vibrante, não sei se o pré-refrão ou o refrão são a melhor parte da música, mas sinceramente? Uma das melhores coisas lançadas neste fim de ano, e se a próxima sonoridade pop brincar com house 90’s e disco 70’s, pode me chamar que tô feliz.


Agora é com vocês: quais foram as faixas favoritas de vocês neste último período? O que recomendam de lançamentos do pop neste fim de ano? Fiquem à vontade para comentar!