Bem-vindos ao mundo de Cardi B em “Invasion of Privacy”

Cardi B - Invasion of Privacy.pngO que acontece quando você faz sucesso com um hit, antes mesmo de lançar um álbum? E quando você lança outros singles como participação especial, que fazem sucesso, e todo mundo espera qual o seu próximo passo? Será que esse momento são apenas 15 minutos de fama ou você se provará um artista constante?

No caso de Belcalis Almanzar – ou Cardi B, a rapper revelação mais bombada de 2017-18 – a situação se construiu mais ou menos assim: participante de um reality show famoso, ” Love & Hip Hop: New York”, e popular com seus vídeos altamente sinceros no Instagram, já tinha lançado mixtapes antes de estourar com o primeiro single na gravadora Atlantic, a ubíqua “Bodak Yellow”, primeiro #1 solo de uma rapper feminina desde Lauryn Hill, e ainda por cima indicada ao Grammy. O sucesso gerou outras parcerias e hits (“No Limit“, “Motorsport“, “Finesse [Remix]“) além de um segundo single que, apesar do lançamento do vídeo num timing excelente (pra não dizer outra coisa), também bombou bastante – a ótima “Bartier Cardi”.

Mas faltava uma coisa – o álbum. Afinal de contas, era hora de mostrar se Cardi B podia entrar na lista de rappers ascendentes da cena ou seria apenas mais uma three-hit wonder que infestam o top 10 do Hot 100. E “Invasion of Privacy”, o debut da novaiorquina, demorou bastante, mas finalmente chegou; e provou que Bardi não veio apenas para ser mais uma na multidão.

Afinal de contas, o mundo é de Belcalis Almanzar, e nós apenas vivemos nele.


Eu estava bem preocupada com a possibilidade da demora no lançamento do álbum ser por conta de um “polimento” – tornar o som agressivo e trap da Cardi mais pop pra atender a um público crossover e deixar acessível. Pelo contrário, “Invasion of Privacy” é agressivo, in-your-face, real, sincero, ao mesmo tempo em que é vulnerável e bem-humorado – do jeitinho da Cardi.

Tem muito trap, batidas fortes, alguns sons mais puxados pro R&B – que saíram bem vindos, e uma faixa com a colaboração latina que é smash garantido. Bem dividido entre trechos mais fortes (de “Get Up 10”, a biografia da Cardi, até o sucesso “Bodak Yellow”), um miolo mais leve, onde tem a pior música do CD (“Be Careful” só é boa pelo potencial de treta por causa do Offset, o noivo da Cardi que já foi acusado de traição várias vezes; mas o rap dela tá numa velocidade diferente do resto da música e soa esquisitíssimo) e “I Like It”, o smash latino com cara de #1 (o que é um feat equilibrado né gente? Bad Bunny e J Balvin praticamente são parte de um trio, e não versos inseridos); assim como o terço final variado entre o rap com influências trap bem agressivo, o rap/R&B mais confessional (o que é “Thru Your Phone”?) e um final que é um tiro de bazuca – “I Do”, com o ótimo feat da SZA numa das melhores músicas do ano até agora.

Mesclando letras que vão desde a história da própria vida, o passado como stripper, como as pessoas a veem (“is she a stripper, a rapper or a singer?” em “Drip”, colaboração com o Migos), sua busca pelo sucesso, os momentos de glória e o relacionamento cheio de altos e baixos – e desconfianças – com o namorado (e que, dadas as informações que já temos sobre o Offset, já sabemos que se trata do cidadão); assim como momentos super bem humorados em que eu me vi rindo enquanto acompanhava a música – “Money Bag” e “I Do” são as primeiras que me vêm à mente – o que mostram a personalidade da Cardi em todo o álbum. O DNA dela está em todo lugar.

Algumas músicas são bem fillers, como “Ring” (com a Kehlani), e o flow da Cardi não é um dos mais brilhantes no jogo, e você pode até achar que ela não muda muito pelo álbum. No entanto, eu já a vi roubando a cena num som fora de seu território, e o fato é que, em “Invasion of Privacy”, tudo tem a ver com ela. É real, sincero, engraçado, confiante, super comercial porque é o som do momento, mas com a personalidade da Cardi impressa em cada faixa.

Fiquei muito contente que o debut da Cardi, demorado como foi, chegou e não teve concessões pop ou alguma coisa que fugisse da rapper que todo mundo aprendeu a amar nos últimos tempos. É coeso, divertido, tem fôlego e ainda termina com um gostinho de “quero mais” mesmo com 13 músicas. Fiquem de olho porque “Invasion of Privacy” pode render ainda mais que hits… E sinceramente?

Eu me sinto muito bem em viver no mundo comandado por Belcalis Almanzar.

Anúncios

Ótimos álbuns [2] Britney Spears – “Blackout”

Atualmente vivemos no auge do urban e rap como sonoridade dominante nos charts. Nomes já consagrados como Drake dividindo espaço com grupos estouradíssimos (Migos), artistas na ascendente (a exemplo do pavoroso Post Malone e no urban/R&B, SZA, Khalid, Kehlani…), talvez o momento mais bacana pra ser rapper feminina desde os anos 90 (com a Cardi estourando e todo mundo sedento pelo comeback da Nicki) e a reverência aos clássicos (Jay-Z), bem como a solidificação de um novo poeta de sua geração (o genial Kendrick Lamar). Nem vou falar dos hits virais de rappers com nome Lil/Young/similares que volta e meia ficam nos primeiros lugares das playlists do Spotify.

No entanto, entre 2008-11, o que dominava o mundo pop era o eletropop, que monopolizou as rádios, definiu carreiras (oi BEP), lançou fenômenos (Lady Gaga) e outros acts na esteira (como a Kesha quando usava $), fez artistas entrarem na onda para se manter na mídia (como Usher e boa parte dos artistas de R&B daquele período) e ainda deu muito dinheiro ao Flo Rida e suas farofas famosíssimas. O eletropop cresceu à medida em que os downloads digitais capitaneados pelo iTunes se tornaram a principal plataforma de consumo de música nesse período específico e o sinal mais forte de que uma música seria sucesso ou não.

Image of the upper body of a brunette woman standing in front of brightly colored squares. She is wearing a pink dress and white fedora.Mas nada disso seria possível se não fossem os pioneiros. Apesar do dance-pop (que é um outro organismo musical) já ter sido usado musicalmente no começo da década, a encarnação eletropop com autotune em todas as faixas, batidas eletrônicas, eletro se infiltrando em outros ritmos e fazendo fusões que até hoje muita gente tem opiniões divergentes sobre essa mistura (os puristas do R&B que o digam) surgiu alguns anos depois, perto do final da década. Se os dois CDs que popularizaram o som para o mainstream pop foram o “The Fame” (2008) e o “The E.N.D.” (2009), quem podemos creditar como um dos pioneiros, oferecendo antecipadamente tudo aquilo que veríamos nos anos seguintes, foi justamente a fonte mais impensável – Britney Spears, a princesa do pop, que todos achavam apenas uma performer que colocava a voz nas músicas, e vivia uma fase complicada na carreira (separada do ex-marido Kevin Federline, mídia e público avaliando e julgando sua vida de mulher solteira e independente, TMZ e X17 ganhando horrores de dinheiro com as fotos dela), lançou um CD fabuloso e atemporal, “Blackout“, em 2007. Ou seja, há quase 11 anos, Britney deu régua e compasso para quem desejava fazer eletropop talvez com o melhor trabalho do gênero entre os artistas pop mainstream que trabalharam no som em todos aqueles anos.

Misturando eletropop, eurodisco (na incrivelmente retrô “Heaven on Earth”, inspirada em Donna Summer), R&B eletrônico e vozes sussurantes, efeitos vocais, vocais em camadas e Britney em fuck y’all mode, as letras faziam todo sentido para a vida dela: noites intermináveis, sexo, romances, liberdade feminina, indiretas ao ex e à mídia sensacionalista, e produtores que a entendiam (como Bloodshy & Avant e o espetacular Danja ❤ ). Mesmo não tendo escrito as letras, é fato que as músicas são as mais pessoais do catálogo, e nada no CD parece forçado ou estranho. A voz da Britney, mesmo quando entre efeitos, é tão reconhecível que mostra a inteligência de uma das intérpretes mais subestimadas do pop.

“Blackout” é atemporal no eletropop de “Gimme More”, com quem eu tinha uma estranha relação – achava pavorosa na época que foi lançada (“muito autotune, clipe ruim”) – meu eu de 17 anos era bem chatinho, confesso, mas hoje, eu acho uma puta música pop, que não envelheceu uma vírgula; no eletro-R&B antecipadíssimo de “Hot as Ice”, que parece ter sido feita em 2010 mas ainda dá pra dançar em 2018; até mesmo nas batidas de “Perfect Lover”, “Get Naked” e “Break the Ice”, que parecem coisa de um Timbaland 2.0 – mas não é por nada, já que Danja era o protegé de Timbo, mas um protegé que superou o mentor de uma forma tão absurda que hoje essas músicas são timeless enquanto as batidas do Timbaland soam reciclagem do “One of a Million” da Aaliyah que tem mais de 20 anos.

O CD é deliciosamente sacana e irônico com “Piece of Me”, uma biografia da Britney mandando todo mundo se foder com gosto (gente, imagina que no auge da internet dos anos 2000 as pessoas nos fóruns apostavam quando a Britney ia morrer); sexy em diversos níveis com “Toy Soldier”, a própria “Break the Ice”, em “Ooh Ooh Baby” e “Radar” (que a Britney teve a AUDÁCIA de colocar a música no “Circus” e lançar como single hahahaha no fucks to give); e na única contribuição do Pharrell no CD, “Why Should I Be Sad” é uma mensagem nada cifrada contra o ex-marido, com uma produção menos eletrônica que as outras faixas, um pop/R&B inspired super agradável de ouvir, com a melodia leve, mas a letra cheia de veneno haha e uma produção que consegue ser mais criativa do que tudo que foi feito por ele no Homem da Floresta.

Um álbum icônico não apenas nas músicas, mas também em quotes (“It’s Britney, bitch!”, óbvio; e meio mundo usava em fóruns “another day another drama”), “Blackout” antecipou as sonoridades e tendências do eletropop (e por consequência, da música pop em geral), no final daquela década. Além disso, é um álbum consistente, equilibrado e sem interesse em seguir as tendências do momento – e sim, definir uma sonoridade que fosse de acordo com as letras e a vibe que a Britney queria alcançar. O resultado foi justamente um CD que entregou para o pop mainstream os insumos necessários para fazer o eletropop se tornar o som dominante do final da década.

Longa vida à Princesa do Pop!

(okay, agora é com você: qual é o álbum das antigas – ou que tenha sido lançado ano retrasado mesmo – que você quer uma resenha? Pode sugerir nos comentários!)

 

Todo poder ao rei na trilha sonora de Pantera Negra

The cover image features a neck-ornament upon complete black background. It is made of animal incisors used as beads and worn by T'Challa.Se vocês ainda não assistiram ao grande sucesso do ano até o momento (três semanas liderando as bilheterias e pertinho do bilhão – sem a China!) “Pantera Negra”, o novo, mais desafiador, excitante filme da Marvel (que até agora gera discussões e thinkpieces), o que estão fazendo da vida? Eu assisti duas vezes, e já quero campanha antecipada para todas as premiações da awards season – espetáculo visual, de figurino, fotografia, maquiagem, de performances incríveis (o que é Michael B. Jordan como Erik Killmonger? Chadwick Boseman exalando poder e realeza como T’Challa? E a força e personalidade de Danai Gurira, Lupita Nyong’o e Letitia Wright defendendo personagens femininas multidimensionais num filme pipoca da Marvel? A CONCEPT!), além de roteiro e de motivações inteligentes (graças ao script co-escrito pelo diretor, Ryan Coogler, uma das pessoas mais interessantes por trás de uma câmera atualmente na indústria). “Pantera Negra” não é apenas um blockbuster que traz mais do que entretenimento e ação, é um acontecimento cultural, de representatividade na frente e nos bastidores; do que representa a África para nós (que parece tão distante, mas pra quem mora aqui em SSA, é uma lembrança mais próxima – nos rostos, na culinária, na música, na religiosidade), e o que é ser negro, especialmente negro da diáspora, e como essa identidade nos moldou para nos tornar o que somos hoje.

Acompanhando esse filme fabuloso tem uma trilha sonora de respeito – não apenas os incríveis instrumentais do Ludwig Göransson, colaborador antigo do Coogler – mas também o álbum curado do Kung Fu Kenny: Black Panther: The Album – Music from and Inspired By, o CD com faixas inspiradas no filme, e com músicas que apareceram em “Pantera Negra”, tudo organizado pela visão sempre incrível de Kendrick Lamar, que chamou os amigos, colaboradores habituais e rappers da África do Sul para apresentar o álbum do ano (e estamos começando Março!)

 

Apesar de evidentemente recomendar que você assista ao filme, dá pra curtir “Black Panther: The Album” numa boa, porque as músicas tem vida própria (e poucas estão no filme); mas é bem mais gostoso ouvir o CD conhecendo os tensionamentos do filme – especialmente porque o Kendrick pensou nas músicas como perspectivas do T’Challa e do Erik Killmonger – ou seja, são as visões dos dois personagens principais que perpassam o álbum, e você sente isso na produção: as faixas que tratam do posicionamento do Erik (como “Opps”, “Paramedic”, a INSANA “King’s Dead” tem produções mais pesadas, bem mais hardcore, e uma certa urgência e darkness e tensão que fazem parte da rage do personagem, e que tratam de violência, de inadequação a uma sociedade que o odeia, ou pura raiva e catarse). Já as músicas ligadas ao T’Challa são mais suaves, variam em sonoridade (o afrobeat de “Redemption”, a mistura de “X”, a vibe slowjam de “The Ways”) e em temáticas, desde a responsabilidade (com grandes poderes… sorry, herói da Marvel errado), dúvidas, medos, relacionamentos amorosos, segundas chances. E com as perspectivas tão divididas – e tão fortes – a dúvida mais poderosa de todo o filme (quem viu sabe) permanece em “Black Panther: The Album”.

Sobre as colaborações, Kendrick só vai trazer artistas de alto nível, e fazer os encontros musicais corretos: Travis Scott, James Blake, Future, The Weeknd; e rappers sul-africanos que fazem a necessária ponte entre as representações do negro na Motherland e nos EUA – Saudi, Yugen Blakrok, Babes Wodumo e Sjava oferecem perspectivas e sonoridades (e vozes, acentos, línguas) distintas que enriquecem ainda mais a audição de “Black Panther: The Album”. Não é apenas um álbum de um rapper americano para um filme de Hollywood tentando se conectar com a África; é um encontro de culturas, sons e experiências (com direito a vários versos em Zulu), e que apresentam temáticas que se conectam com o próprio filme (como destino e tradição) assim como refletem questões atuais, dentro da realidade da África do Sul, e por extensão, do continente africano.

Como o álbum é feito por músicas que fazem parte da trilha e que são inspiradas por “Pantera Negra”, algumas faixas – apesar de aparecerem no filme – são mais reflexivas ou mais comerciais do que o resto do grupo, como a futura vencedora do Oscar de Melhor Canção Original “All The Stars” e a incrível “Pray For Me” (melhor que todo o último álbum do Abel); o que não afeta em nada a coesão do álbum, se você quiser ouvir antes ou depois de ver “Pantera Negra”, ou se você quer curtir de forma independente.

Em resumo, Kendrick did it again! conseguiu produzir, curar, juntar uma turma altamente talentosa e apresentou ao mundo outro álbum destinado a ser clássico, um sucesso de público e crítica, e se possível – e se formos justos – uma oportunidade para a Academia fazer a coisa certa e celebrar um dos artistas mais incríveis dos últimos anos com um certo gramofone…

(e não se esqueçam de ver ou rever “Pantera Negra”, viu? #wakandaforever)

Álbuns Atrasados #1 – Camila Cabello, “Camila”

O ano sempre começa depois do carnaval, e por isso, desejamos FELIZ 2018 com resenha nova de um álbum que saiu tem um tempinho. Lançado dia 12 de Janeiro, o “Camila” da Camila Cabello, ex-membro da girlband Fifth Harmony, é um álbum pop que mescla influências latinas e R&B num trabalho que inicialmente tinha um contexto mais dramático (e outro nome de CD); mas que, graças ao sucesso de “Havana”, ganhou vida nova, ideias renovadas e execução, se posso adiantar o assunto do vídeo, excelente.

Abrindo a nova playlist do canal do Duas Tintas de Música no YouTube, Álbuns Atrasados, “Camila”! É só dar play e conferir!

IT’S BANJO TIME! “Man of the Woods”, JT

Você sabe o que esperar de Justin Timberlake: pop/R&B de primeira, com toques eletrônicos e de funk, e o toque futurista de Timbaland. Mesmo no álbum mais “clássico” do JT, o “20/20 Experience”, as músicas grandiloquentes possuíam o charme R&B e as desconstruções do Timbo em full force.

Geralmente, quando a gente tem um artista que com uma ou outra alteração, se mantém fiel à sua persona, ele tem a certeza do que quer e de suas limitações. Caso ele ou ela saia da sua zona de conforto, essa inquietação tem pontos muito seguros, porque o artista não tem interesse em alienar a sua fã-base; tampouco vai ficar no meio do caminho em sua quebra de expectativas – ou pior: vender “novidade” mas nada em seu som ou imagem determinam algo novo; e o que foi vendido como “novo” é só uma notinha de rodapé que não interfere em nada no conceito.

(mas não tô falando do Timberlake)

“Man of The Woods”,  quinto álbum solo do “presidente do Pop”, é uma tentativa de mesclar as sensibilidades pop/R&B do astro com um toque country. Com direito a uma divulgação de uma imagem “wild west… but now”, track list que inclui músicas como “Flannel”, “Montana” e “Livin’ Off The Land”, era de se esperar algo surpreendente e histórico, ou uma bagunça monumental.

O resultado foi mais para bagunça – e nem precisou ouvir o CD todo: “Filthy”, o primeiro single, já começou a bagunça e provou que alguma coisa estava muito errada no reino do Timberlake, que só foi se ampliando com a TENEBROSA “Supplies” e a opaca “Say Something”, desperdício de Chris Stapleton. O pior é que nada salva neste álbum, onde a coisa mais country que você pode encontrar é um fucking BANJO inserido aleatoriamente em metade da 16 músicas desse CD cansativo e muito, muito ruim.

São as letras medíocres, como a faux-hospitalidade sulista de “Midnight Summer Jam” soa pouco sincera saindo de uma das vozes mais associadas ao mainstream hollywoodiano e o glow da vida de estrela possível; o refrão sem sentido da faixa-título; “Livin’ Off The Land”, que parece um protótipo country de “Livin’ on a Prayer” que deu muito errado). Os arranjos repetitivos (a maior parte das produções dos Neptunes parecem uma longa e imensa música que se parece); músicas que não combinam com o vocal do Timberlake – que tem suas óbvias limitações, mas disfarçado pelo fato dele ser um ótimo intérprete – por exemplo, em “Morning Light”, com Alicia Keys, tem um arranjo meio soul meio reggae-ish que é gostoso, e mesmo com a letra pedestre, uma Beyoncé, J-Hud e um Usher teriam melhores resultados num hipotético dueto porque as vozes deles tem SOUL, e não soam flat e deslocadas como JT e Alicia. Pior é que o Justin soa em todo o CD cantando como ex-membro de boy band que acabou de lançar álbum solo, e não um cantor maduro e interessante (o maior exemplo disso é no refrão medíocre de “Man of The Woods”, que estraga uma faixa com ótimas ideias).

(okay gente, e se esse CD for uma elaborada cara e extensa PEGADINHA DO MALANDRO? porque só isso explica ISSO)

Whatever.

A única música que realmente me deixou animada pra alguma coisa foi “Montana”, que apesar do título horrendo, é uma música genuinamente boa, sexy e a vibe disco-funk retrô é sempre um plus (você já sabe que linha de baixo retrô is my weakness).

Se todo o álbum tivesse pelo menos  O ESPÍRITO… ou fosse MENOR.

Em geral, a palavra que define “Man of The Woods” é “insincero”. Vende-se uma imagem “woods”, “wild”, “roots”, “country”, e no fim do dia it’s the same old pop/R&B álbum só que com as letras mais pedestres possíveis. Só que para dar um ar ~country~ me enfiam um BANJO como se isso desse o mesmo efeito do Timberlake yodeling (o que thank god ele não teve a pachorra de fazer).

(até o “Joanne” captou melhor a vibe)

Mas não vou me alongar muito neste post porque como diz um grande pensador contemporâneo, Sometimes, the greatest way to say something is to say nothing at all.

Como chegamos aos indicados a [4] Melhor Álbum Pop

Essa é uma pergunta que mesmo às portas do Grammy, eu não sei bem como responder – especialmente dadas as esnobadas aqui e ali, e a construção do Big Four. Mas de maneira geral, os indicados nesta categoria são os indicados de um período em que o pop prosseguiu sendo uma nota de rodapé no zeitgeist musical, enquanto o rap e o urban dominavam (e ainda dominam) a cena.

Exceto por Ed Sheeran, evidentemente o último pop star que restou (o resto ou flopou ou underperformed ou está no R&B), os outros grandes nomes trouxeram trabalhos cujos resultados não causaram grande impressão. Katy Perry, o pior caso, até trouxe um CD interessante (eu já disse que gosto do “Witness”, só acho a playlist bagunçada e o CD longo, com fillers desnecessários), mas nada rendeu – exceto pelo lead single, “Chained to The Rhythm”. Miley Cyrus flopou forte, mas foi tão anticlimático que nem foi punchline na pop culture. Selena não lançou CD (e quem sabe quando lançará), Demi fez sucesso com “Sorry Not Sorry”, mas isso não se traduziu em indicação…

Lady Gaga na verdade ressuscitou para o grande público com o Superbowl (o que eu acho que será o caso do Timberlake); enquanto Kesha trouxe um dos grandes álbuns do ano que deveria ser mais ouvido – mas a RCA tem uma inabilidade ridícula com divulgação.

No entanto, a questão não é só os materiais dos artistas atuais não serem interessantes de fato em relação à variedade e inquietação do rap/urban atual. O próprio pop parece em meio a uma fase down, pra baixo, com refrões focados mais no grave que no agudo, e pouca diversão. A música pop, mesmo quando é “politizada”, é escapista, divertida e quer te fazer dançar – e nada em 2017 no pop me fez querer dançar (e o sucesso dos ritmos latinos e latino-oriented como “Havana” mostra que as pessoas desejam escapismo de tempos controversos). Tanto que enquanto o rap conseguiu divertir e ser conceitual ao mesmo tempo (onde Kendrick e Migos conviveram em harmonia), o pop quis ser “conceito” – até mesmo com acts que nunca venderam conceito – e agora precisam recorrer ao urban para reencontrar a notoriedade perdida.

Enquanto 2019 não chega com o retorno do pop a momentos mais felizes (o que venho duvidando bastante com o tipo de material que os a-lists vem lançando), hora de conferir o que restou ao Grammy para lidar com o momento no tempo.

Em primeiro lugar, os indicados ao prêmio de Melhor Álbum Pop:

Coldplay – Kaleidoscope EP
Lana Del Rey – Lust for Life
Imagine Dragons – Evolve
Kesha – Rainbow
Lady Gaga – Joanne
Ed Sheeran – ÷

A análise de cada álbum segue com o pulo:

Continuar lendo

Drops Grammy 2018 [5] “24k Magic”, Bruno Mars

Lionel Richie ganhou o Grammy de Álbum do Ano em 1985 com o “Can’t Slow Down”, um álbum pop respeitável com clássicos como “Hello” (is it me you’re looking for?) e “All Night Long”. A vitória de um dos artistas mais populares e acessíveis da música pop mundial é sempre um bom momento; no entanto, muitos acreditam que o triunfo do Lionel foi uma “safe” choice da Academia diante de CDs mais fortes como “Born on the U.S.A”, de Bruce Springsteen; e “Purple Rain”, do Prince, que concorriam no mesmo ano (completavam o lineup Cyndi Lauper e Tina Turner).

Essa situação parece se repetir em 2018 – o último candidato a ser analisado é o Bruno Mars e o seu “24k Magic”, álbum R&B com inspiração nos anos 80 e 90 que une justamente aquilo que a Academia quer num vencedor: um som bem visto pela crítica, de sucesso e com um artista com forte apelo popular e bom trânsito entre os fields.

No entanto, a “solução Lionel Richie”, segura e infalível para os votantes do Grammy, pode ser um problema grande num contexto geral de vitórias e derrotas em Álbum do Ano. Quer saber o motivo? É só conferir o vídeo!