Ah, que saudades de uma angústia adolescente no pop

Adolescente é uma figura angustiada, é uma figura estressada, super dramática, que acha que o mundo vai acabar amanhã e é necessário fazer tudo ao seu alcance para ver se consegue alcançar os objetivos: conquistar o amor da sua vida, tirar 10 naquela prova chata, ou confrontar sua amiga sobre o batom que você emprestou e ela ainda não devolveu.

As minhas angústias adolescentes nos anos 2000 giravam em torno de duas coisas: eu precisava tirar notas boas para passar de ano no terceiro bimestre (e geralmente eu conseguia fazer isso), além de lidar com o fato de que eu tinha um crush na época da escola e ele nem imaginava quais eram os meus sentimentos…

Ao contrário de outras pessoas da minha idade, que chegaram à adolescência no período entre 2002-2007, eu não conseguia converter esses medos e anseios em músicas as quais eu me identificava. Nessa época, eu já era mais nerd musical – gostava de ouvir música pelo prazer de ouvir música e já pesquisava sobre os sons que eu curtia. Por identificação – estética, sonoridade, habilidade lírica e estilo – eu era fã de Amy Winehouse e o “Back to Black”, até por ela fazer música que eu curtia horrores (inspirada na Motown dos anos 60). Já devo ter comentado que curtia bastante JoJo, porque ela também fazia o gênero de música que eu gostava (um pop/R&B leve, bem ligado ao que bombava na época) e tinha uma voz poderosa para alguém tão jovem. Não tinha um visual super marcante, mas era “gente como a gente”, e eu me identificava.

Mas o tipo de música específica para lidar com angústia adolescente que eu tenho minha primeira memória foi ali na primeira metade da década de 2000, quando surgiu aquela que apresentou um grande shift nos nossos gostos por um artista e também na questão estética, fashion: Avril Lavigne, que a partir de 2002 com o lançamento do seu primeiro álbum, “Let Go”,  proporcionou a várias meninas que eu conheci na escola alguém com grande apelo popular a representando. Meninas que não gostavam de Britney ou Christina, que não se identificavam com a sonoridade pop ou com tudo que vinha junto (padrão estético, roupas, maquiagem) que não curtiam pegar as coreografias dos clipes na MTV. Meninas que viam em Avril e suas músicas referências líricas e de estilo: várias colegas minhas começaram a usar Converse preto (ou a versão falsificada, porque o tênis sempre foi caro), spikes, colar de correntes, gravatinha no pescoço, olhos beeeem fortes com delineador preto.

Aos poucos, você tinha bandas como Evanescence, que atraiu meninas mais góticas, além de outras artistas que já eram conhecidas antes de Avril, mas ganharam ainda mais impulso com o crescimento do pop-rock, como P!nk, quem seguiu nesse percurso como Kelly Clarkson; e também artistas masculinos, bandas de pop-punk que representavam essas angústias adolescentes: Fall Out Boy, My Chemical Romance, Simple Plan, e daí surge toda a estética do emo, que na época todo mundo descia o sarrafo no Orkut – e hoje já estão falando de revival fashion.

Outra banda que estourou no final da década com essa estética pop-punk bem cool, descolada, “i’m not like the others” foi o Paramore, e como pop-rock tinha um retorno nas rádios top 40, artistas da Disney que ainda estavam em séries e lançamentos do canal produziam álbuns com essa sonoridade, também com letras tratando desses dilemas adolescentes (e muuuuuito romance juvenil), mas de uma forma mais polida, sem xingamentos, tudo bastante modesto e sem controvérsias.

Mas esse shift precisa ser colocado na conta de Avril, e quem testemunhou essas mudanças ao vivo consegue perceber o quanto “Let Go” e “Under My Skin” foram importantes para adolescentes que em algum momento, não se viam representadas em seu estilo e modo de vida, nas cantoras famosas que passavam diariamente no Disk MTV. E o mais interessante era que Avril era próxima da gente em idade – tinha 17 anos quando lançou seu primeiro álbum, então, dúvidas, inquietações, namoros ruins, caras com jeito de problema, sonhos; enfim, questionamentos de toda adolescente e que Avril, por mais que tenha feito esse movimento, não foi a primeira e nem se tornou a última a expor essas vulnerabilidades na música pop. Nos anos 90, Alanis Morissette lançou “Jagged Little Pill”, e pode perguntar a alguma mulher que foi adolescente naquela época qual a sua relação com este álbum. Nos anos 80, Debbie Gibson vinha de um lugar de sinceridade, mesmo não tratando de coisas polêmicas em suas músicas. Era uma adolescente que compunha, e agia como tal. (estamos falando de uma pessoa que até hoje é a pessoa mais nova a escrever, produzir e interpretar um single que chegou ao topo da Billboard SOZINHA (17 anos).

Mais recentemente (2013), a gente teve outro exemplo de alguém que, se não teve um shift estético, proporcionou mudanças na parte musical, tornando o pop mais indie ainda mais consumível para o grande público: a neozelandesa Lorde, que tinha 16 anos quando lançou “Royals” e o álbum “Pure Heroine”, que traduzia anseios de adolescente longe do mundinho pantanoso de Hollywood. Sua vida comum, sem glamour ou luxo, em um país pouco comentado à época, Nova Zelândia, não atraiu apenas adolescentes identificados com aquele ar meio entediado da Lorde, como também muitos jovens adultos. Na época, eu presenteei uma amiga minha com o “Pure Heroine” de aniversário, e nós já tínhamos 22, 23 anos. Não éramos mais o público-alvo da Lorde, mas eu via nas letras coisas que eu achava que ela poderia se identificar.

É o que eu sinto um pouco nas reações de jovens adultos, millenials no geral, ouvindo o álbum novo de Olivia Rodrigo, que comentam sua identificação com os sentimentos passados pela balada “drivers license” ou têm uma sessão nostalgia com “good 4 U”.

Curiosamente, depois de alguns anos com MUITOS misses, finalmente a Disney conseguiu uma artista de seu catálogo de séries com sucesso, reconhecimento geral e – algo que eles não tinham há 12 anos – apelo positivo com a crítica.

Mas… Como isso foi acontecer?

Disney parou de limitar seus artistas

(ou eles entenderam que poderiam ter uma Ariana para chamar de sua?)

A Disney sempre limitou seus acts, que deveriam seguir regrinhas e limites dentro da máquina que os havia nutrido. Não podiam sair do quadrado, as músicas tinham que ter mais ou menos o mesmo apelo das faixas que eles lançavam nas séries e filmes do canal, e nada de polêmicas para os pais das crianças não deixarem de comprar os álbuns.

Tanto que é possível ver esse conflito entre o tipo de artista que a Disney quer que “eu” seja versus o tipo de artista que “eu” sou no caso de Miley Cyrus, que provavelmente passou anos vivendo uma versão realista de sua própria série, Hannah Montana.

No entanto, com o passar dos anos e a mudança no surgimento de novos artistas no pop, esse formato de act ex-Disney comprimido pela máquina acabou ficando de fora da movimentação da indústria: no final da década de 2000, os novos popstars de grande apelo foram compositores no passado, e já surgiram com a identidade toda definida. Compunham, produziam, visualmente marcantes. Outros artistas, na virada da década, estouraram após construir fã-base em plataformas como Soundcloud, YouTube, ou no falecido Vine.

(mas não podemos esquecer da decadência do pop, e o estouro do rap que atrapalhou o surgimento de grandes artistas vindos dessa máquina da Disney)

Além disso, eu posso suspeitar que a Disney olhou pro lado e viu: olha, a concorrência também sabe fazer isso, de uma forma mais convincente, com Ariana Grande. Quando Ariana estourou, em 2013, ela ainda fazia séries na Nickelodeon (Victorious e Sam & Cat), conhecida entre os adolescentes, mas  conseguiu distinguir a sua personalidade na série em relação a dela como cantora. Não era necessário sequer que eu tivesse visto um episódio da série dela para ter AMADO “Yours Truly”, eu nem sabia que a menina fazia séries juvenis! As músicas dela possuíam produção elegante, longe de ser vendável para uma audiência puramente infanto-juvenil, ou juvenil: ela já tinha parcerias com Mac Miller, Big Sean, e composições de nomes lendários da música, como Babyface (eu sempre repito isso porque na época, quando soube que Babyface estava envolvido no “Yours Truly”, eu parei e pensei: “essa menina vai MUITO longe”). Por fim, esse álbum mostrou que Ariana não apenas era um artista muito boa surgida de uma série de TV. Não estava limitada pelos interesses ou por regras da emissora.

Dessa forma, quando você ouve o “Sour” da Olívia Rodrigo, você entende que a Disney meio que deixou o rio correr pro mar: ela é da Interscope/Geffen (sdds das tretas no falecido Orkut do pessoal xingando a Hollywood Records pela forma como conduzia a carreira de Miley, Demi e Selena…), boa parte das músicas está lá com EXPLICIT pontuado – ou seja, ela pode estar até no elenco de uma série juvenil do Disney+, mas ninguém vai controlar de fato o que e como ela trabalhar com a própria música. Você pode ouvir a música dela sem nunca ter consumido a série e você pode consumir a série numa boa para depois, se quiser, ouvir o álbum fora do contexto do programa. A personalidade dela como cantora não vai se misturar com a personalidade dela como atriz, e essa fama não fica limitada.

Deve ter sido um grande aprendizado para a Disney, entender que ela não precisa controlar todos os passos de seus artistas.

Billie has kid sisters

Eu acho que o outro ponto que a gente tem que levar em consideração é que Olivia Rodrigo não é uma novidade, digamos assim, como cantora. Mesmo que ela não seja influenciada pela artista em questão que estamos falando, precisamos entender que falamos de MERCADO, então nenhuma artista no pop funciona sozinha: eu acredito que o sucesso dela está relacionado ao sucesso recente de Billie Eilish, em especial quando você ouve as faixas mais lowtempo do álbum, com produções mais minimalistas. Billie trouxe pro centro vocais menos grandiloquentes, uma presença mais jovem, moderninha e urbana, sinceridade e uma resposta a uma maneira mais tradicional dos artistas pop se posicionarem, aparecerem na mídia. Billie também não é a primeira de seu tempo; afinal de contas sem Lorde ou Lana Del Rey não teria espaço pra ela. Também podemos dizer que Olivia não existiria sem Taylor Swift; até na forma como ela compõe suas músicas (a tal ponto de “1 step forward, 3 steps back” ter uma interpolação com “New Year’s Day” e Taylor estar creditada como compositora da faixa), e você consegue enxergar uma postura “gente como a gente”, mais próximo de uma jovem comum – com a única diferença sendo Olivia Rodrigo sendo uma cantora famosa.

Tá, mas o SOUR é bom mesmo?

Depois de tanto textão, é a pergunta que não quer calar: o álbum de Olivia Rodrigo realmente é bom? A aclamação faz sentido? Os recordes de lançamento em vários países fazem sentido? “SOUR” vale mesmo esse hype todo?

Então, de fato é um bom álbum. É um álbum de uma adolescente, e que trata de uma maneira bastante direta e sincera sobre os problemas dentro de um relacionamento. Confesso que me incomodou muito ver que pessoas falam mal dela por apenas escrever sobre esse assunto, mas esse é o tema dela, e Olivia faz bastante bem. Não apenas no single debut “drivers license” mas em outras faixas, por exemplo, a ótima “happier” – em que ela quer ver o cara feliz, mas não tão feliz do que quando estava com ela. Olivia mostra habilidade na escrita, além de vulnerabilidade – ela fica pistola por ter sido traída, se sente culpada, se sente enganada, se sente amarga, irônica, deseja o “bem” entre aspas, depois começa a superar, e a vida é assim. Apesar do meio de campo ser um pouco mais lento, e focado muito mais em músicas mais acústicas com uma produção menor, consegue ser coeso e rápido. Acredito que esse acerto vem do fato de “SOUR” ter pouquíssimos produtores – o principal é Dan Nigro, que também é co-compositor das músicas junto com Olivia.

Além de temas mais de romance, que aparentemente estão relacionadas a um ex-namorado com quem ela contracena na série da Disney, algumas músicas (“brutal”, “jealousy, jealousy”) tratam do medo de crescer, um pouco sobre a cultura tóxica da internet, e elementos que têm tudo a ver com a geração dela, o público que vai se sentir mais identificado com o álbum. Não, eu não me identifiquei – hahaha meus 30 anos bateram na hora, mas dá pra perceber os elementos onde os adolescentes vão encontrar conforto.

O outro problema de “SOUR” é que as melhores faixas são justamente os singles lançados – adiciono aqui “happier”, uma das melhores faixas do álbum. Eu particularmente não curto as faixas mais bacanas serem justamente os singles porque fica a impressão de que só focaram no que seria lançado e o resto ficou ali pra encher linguiça. As faixas da tracklist são boas também, mas não chegam ao brilhantismo da trinca já lançada. Destaco “good 4 u”, que no começo eu não achava muito interessante, achava a produção maior do que a voz dela, mas mudei de ideia real oficial e pra mim, é o grande momento do álbum. Além disso, pode fazer a gente repensar de novo a discussão sobre qual o gênero que pode funcionar como resposta à dominância do rap – e como o pop-rock, pop punk, se converte em uma interessante solução.

Mas no geral… Eu não comprei o hype. “SOUR” é um álbum que muita gente está colocando em um pedestal – a crítica especializada, incluso – mas pra mim é o debut de uma adolescente que sabe compor bem, mas você percebe que ainda é necessário um certo polimento, para o bom se tornar brilhante, até por causa de algumas músicas que fazem parte da tracklist não serem tão interessantes quanto os singles lançados. Eu acho que tem que ter um pouco de calma, não chega a ser o maior début de uma artista adolescente (ainda acho que nos últimos dez anos, Lorde é definitivamente uns vários níveis acima, por conseguir me entreter mesmo não tendo 16 anos em 2013 – e sim vinte e três). Ainda acredito que é importante ter um segundo álbum até pra perceber uma evolução na composição, mas está aí o potencial pro brilhantismo.

Ainda sobre o futuro, acredito que veremos “SOUR” lá na frente indicado ao Grammy, e se eu fosse a Geffen, pensaria em submissões dessa forma: “drivers license” indicava para gravação e canção do ano, naturalmente. É uma música grandiosa, grandiloquente, comercialmente bem-sucedida, e o Grammy já tem precedentes em indicar (e até premiar, dependendo da situação) artistas mais novos por aqui. “good 4 u” eu colocaria como performance pop: a música funciona justamente por conta da interpretação dela bastante irônica e sarcástica para a faixa. Eu acho que eles deveriam fazer isso; para além, claro, da indicação do álbum para o pop field.

E vocês? Quais são as suas maiores lembranças a respeito de angústia adolescente? O que vocês acharam do álbum da Olívia Rodrigo?

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